Películas que son prácticamente perfectas

Por Nolan Moore/1 de marzo de 2018 12:51 pm EDT/Actualizado: 22 de marzo de 2020 10:30 pm EDT

El cine es un proceso increíblemente difícil. Hay tantas personas involucradas, cada una con su propia visión creativa, que puede ser difícil lograr que todos estén en la misma página. Además, debe lidiar con problemas que van desde la financiación hasta la programación y los accidentes en el set.

Con todas las reescrituras, proyecciones de prueba y ediciones de último minuto, es sorprendente que cualquier película se haga en absoluto. Como resultado, hay muchas películas que son simplemente mediocres. Pero de vez en cuando, todo se alinea perfectamente. Obtenga el guión correcto con el director correcto con el reparto y el equipo adecuados, y es posible que obtenga una película perfecta. Estas películas son pocas y distantes entre sí, pero cuando aparecen, sabes de inmediato que has encontrado una película perfecta.

Mulholland Drive (2001)

El surrealismo ha tenido varios campeones cinematográficos a lo largo de los años, desde Luis Buñuel hasta Alejandro Jodorowsky, pero el maestro moderno del movimiento es David Lynch. El hombre tiene una habilidad real para extraer el subconsciente y crear imágenes de pesadilla aterradoras. Por ejemplo, hayBorradory la tercera temporada dePicos gemelos, pero si quieres ver a Lynch a la altura de sus poderes alucinantes, entonces mira su obra maestra,Mulholland Drive.

Explicar la trama es como tratar de describir un sueño profundo e inquietante. La película comienza cuando una actriz inocente llamada Betty (Naomi Watts) llega a Hollywood con la esperanza de triunfar. Pronto se topa con una extraña trama que involucra a una bella morena (Laura Elena Harring) que sufre de amnesia, pero como Roger Ebertseñalóen su reseña original,Mulholland Driveabandona la trama tradicional y en su lugar 'trabaja directamente en las emociones, como la música'. Después de todo, la gran mayoría de la película es un sueño real, y al trabajar a través del subconsciente desconsolado de una mujer, Lynch explora las oscuras maquinaciones de Hollywood y con qué frecuencia nuestros grandiosos objetivos dan paso a la desesperación.

Y mientras analizas toda esta lógica de sueño, ¿qué pasa con la llave azul y la caja azul? - Lynch te mantiene pegado a la pantalla con secuencias fascinantes como el número musical del Club Silencio, la audición asombrosa de Betty y el momento espeluznante cuando un director arrogante (Justin Theroux) se encuentra con el vaquero más espeluznante del mundo. Y luego, por supuesto, hay una de las escenas más aterradoras en la historia de Hollywood, una clase magistral en tensión que involucra nada más que dos hombres en un restaurante. Combine todo eso con la potencia de una actuación de Naomi Watts, y no es de extrañar que la BBC haya nombrado a esta obra maestra surrealistamejor película del siglo XXIhasta aquí.

Eterno resplandor de la mente inmaculada (2004)

Michel Gondry es un director conocido por su imaginación fantasiosa y mágica. Charlie Kaufman es un guionista conocido por su pesimismo y originalidad. Cuando los dos combinaron sus poderes cinematográficos en 2004, crearon un gran romance de todos los tiempos que fue lo suficientemente valiente como para echar un vistazo largo y duro al lado feo del amor y cómo funcionan realmente las relaciones.

Eterno resplandor de la mente inmaculada protagonizada por Jim Carrey como Joel Barish, un hombre solitario y tímido que conoce a una mujer extrovertida llamada Clementine (Kate Winslet). Después de que su relación toma un giro difícil, Clementine se somete a un proceso para borrar los recuerdos de Joel de su mente. Herido, Joel se somete al mismo procedimiento, pero a medida que los técnicos borran sus recuerdos de Clementine, Joel cambia de opinión y decide defenderse, escondiendo desesperadamente los recuerdos de su ex novia en su subconsciente.

Usando un sorprendente cantidad de efectos prácticos, este romance inventivo salta a través del tiempo y baila dentro y fuera de los recuerdos, mientras Joel revive los momentos felices y horribles de su relación, todo mientras descubre la causa de la ruptura. El inteligente guión de ciencia ficción de Kaufman ganó un premio de la Academiay con Gondry al timón Eterno resplandor de la mente inmaculada explora audazmente lo que sucede cuando el brillo nuevo y fresco desaparece de un romance, y la pareja se queda lidiando con las fallas y fallas de los demás. La película no ignora el dolor y las dificultades de hacer que una relación funcione, y al examinar las diferentes etapas del romance, esta es una película que cambia y crece con cada vista.

Shaun de los muertos (2004)

Más de 35 años despuésNoche de los muertos vivientes, Edgar Wright resucitó el género zombie con Shaun de los muertos, una comedia romántica con Queen, caníbales y paletas de cricket. La película de Wright tomó el género muerto y lo trajo a la vida, dándole un giro cómico. Por supuesto, tampoco escatimó en la sangre ...Shaun de los muertos es la combinación perfecta de risas, sustos y dramatismo.

La historia sigue a un vago llamado Shaun (Simon Pegg) que se ve obligado a crecer cuando el apocalipsis zombi desciende sobre su pequeña ciudad británica. Con la ayuda de su mejor amigo Ed (Nick Frost), Shaun emprende una búsqueda para salvar a sus amigos y familiares, rescatar su relación y resolver algunos problemas a largo plazo con su padrastro. Gracias al uso experto de Wright de edición y música, la película está llena de brillantes toques cómicos, desde batalla de lanzamiento récord al 'No me detengas ahora'enfrentamiento. Y con Pegg y Wright escribiendo el guión, Shaun de los muertos es básicamente el plan de cómo escribir la comedia perfecta. Solo escucha esoMonólogo de Nick Frost eso configura el resto de la película. Es brillante.

Pero todas las risas y ningún sentimiento hacen una película aburrida, y ahí es donde Shaun de los muertos se eleva por encima de tu típica comedia de terror. Claro, los personajes son tontos, pero son reales, así que cuando experimentan dolor y tristeza, la película nos deja llorar junto con ellos. El momento en que Shaun se enfrenta a su madre zombificada es absolutamente agonizante, y si no derramas algunas lágrimas durante el último adiós de Ed y Shaun, bueno, podrías ser uno de los no muertos. Si bien está maravillosamente editado y estrictamente escrito, Shaun de los muertos funciona muy bien porque es una película con mucho corazón.

El gran hotel de Budapest (2014)

En retrospectiva, parece que toda la carrera de Wes Anderson se estaba acumulandoEl gran hotel de Budapest. Fue su película más taquillera, uno de sus películas más queridas por la crítica, y marcó la primera vez que Anderson recibió un Nominación al Oscar para dirigir Entonces, ¿qué había detrás de la popularidad de la película?

Es la combinación perfecta de todas las cosas de Anderson, desde su meticuloso mundo de construcción y diálogo ingenioso hasta el aire melancólico que se cierne sobre todas sus películas. Pero aquí, él lleva las cosas aún más lejos, utilizando múltiples líneas de tiempo y relaciones de aspecto para explorar la nostalgia, los modales y la historia europea, todo mientras camina por la cuerda floja entre la inocencia del viejo mundo y el pesimismo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Es una historia caprichosa con horror en el horizonte, donde nuestros héroes tienen una última aventura loca antes de que la sociedad educada se desmorone.

La trama involucra a un chico del lobby llamado Zero (Tony Revolori) que viene a trabajar para el extravagante y malvado Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) en el Grand Budapest Hotel. Ubicado en las nevadas colinas europeas, el hotel es una de las mejores creaciones de Anderson, con colores pastel y habitaciones intrincadas, todas perfectamente diseñadas para este mundo de fantasía. Finalmente, Zero y Gustave son absorbidos por un crimen que involucra a una condesa muerta, una pintura valiosa y un matón aterrador, y mientras la película avanza, Anderson nos ofrece comedias macabras, escenas de acción estilizadas y algunos de los personajes más peculiarmente adorables de su carrera.

En serio, ¿dónde más vas a ver una persecución de esquí de stop-motion, una fuga de prisión que involucra pasteles y una sociedad secreta de conserjes coloridos? Con una actuación brillante de Fiennes (pon a este hombre en más comedias, por favor), El gran hotel de Budapest es un soplo de aire fresco de fantasía en un mundo lleno de películas de superhéroes de gran presupuesto. Es una prueba de que el estilo y la sustancia pueden ir de la mano, o al menos, los dos pueden sostener la ilusión con una gracia maravillosa.

Creed (2015)

Mucha gente se mostró escéptica cuando escuchó que iba a haber una nueva entrega en el Rocoso franquicia, pero cuando la película de segundo año de Ryan Coogler llegó a los cines, tanto los críticos como los fanáticos quedaron gratamente sorprendidos por el poder de eliminación de la película. No fue solo 'una buena secuela'. Fue la mejor entrada de la serie desde el original de 1976, y como la gente de Cinefix Señale, la séptima película de la franquicia fue 'una cartilla de Hollywood sobre cómo pasar una antorcha'.

Con Michael B. Jordan como protagonista, Creed se centra en Adonis Creed, el hijo del difunto gran campeón Apollo Creed. Adonis está ansioso por luchar y desesperado por demostrar su valía, y recurre al legendario Rocky Balboa (Sylvester Stallone) en busca de ayuda. Mientras Adonis se encamina hacia una oportunidad por el título, Ryan Coogler se basa en la mitología de la franquicia de maneras emocionantes. Por ejemplo, él pone un nuevo giro en la escena de carrera obligatoria, dando al momento un nuevo poder y un golpe emocional. Y luego está el momento en que Adonis va a luchar contra el campeón, y el famoso Rocoso El tema comienza a reproducirse. Como crítico de cine Siddhant Adlakha señala, es 'quizás el momento cinematográfico familiar más ganado y la señal musical más reciente en la memoria'.

Pero Coogler también logra llevar la franquicia en una nueva dirección con un nuevo personaje principal emocionante. Michael B. Jordan está en su juego A aquí, dándonos un héroe que no es un clon de Rocky Balboa sino un protagonista con sus propios objetivos únicos. Y la película está llena de sus propios momentos únicos, como el virtuoso combate de boxeo de una sola vez y el golpe de una secuencia durante la cual Adonis sombrea cajas contra las viejas imágenes de su padre.Creed fue una película desvalida que desafió las expectativas de todos, y puede mantenerse con las mejores secuelas de todos los tiempos.

Mad Max: Fury Road (2015)

El género de acción es una de las formas más puras de cine. Claro, puedes describir escenas de pelea en un libro, y puedes hacer algunas cosas geniales en el escenario, pero las escenas de acción y las cámaras de películas se hicieron el uno para el otro. Durante el siglo pasado más o menos, el género de acción nos ha dado algunas películas realmente impresionantes, desde El gran robo de trenes (1903) a Pantera negra (2018) Pero si quiere reducir el género a su esencia empapada de adrenalina y ver una película hecha de nitro, gasolina y energía cinética, no busque más. Mad Max: Fury Road.

Dirigida por George Miller, Camino de furia encuentra a Max Rockatansky (Tom Hardy) haciendo equipo con Imperator Furiosa (Charlize Theron) para rescatar a cinco esclavas sexuales del señor de la guerra local (Hugh Keays-Byrne) y su ejército de Flamers, Polecats y Warboys. El intento de escape lanza una persecución masiva de automóviles por el desierto, una que tomó más de 150 especialistas filmar. Se dispararon más de 300 secuencias, principalmente en el desierto de Namib, y según Miller, alrededor 90 por ciento de las acrobacias que vemos son reales. Hay motocicletas volando sobre camiones, hombres balanceándose hacia adelante y hacia atrás en postes gigantes, y en una escena, hay 75 vehículos que atraviesan la arena, bajo la atenta mirada de Miller y su coordinador de dobles Guy Norris.

Además de las explosiones y los accidentes automovilísticos, Miller y el director de fotografía John Seale hicieron una película tan hermosa que pertenece a un museo de arte. Está la misteriosa imagen del santuario del volante, el desgarrador disparo de Furiosa hundiéndose en la arena, y el momento impresionante cuando la armada se estrella en una tormenta de arena. Las secuencias nocturnas azules son indescriptiblemente hermosas, y la construcción del mundo está, bueno, fuera de este mundo. Miller creó un universo poblado de motociclistas, Crow Fishers y guerreros adolescentes que sueñan con Valhalla. En breve, Camino de furia podría ser la película de acción perfecta.

Manchester por el mar (2016)

Algunas películas están destinadas a entretener, mientras que otras tienen algo importante que decir. Y luego hay películas que pueden ayudarnos a procesar emociones poderosas que preferiríamos no enfrentar, como el dolor. Los cineastas han explorado el tema en varios géneros, desde la fantasía (¿Qué sueños pueden venir?) y thriller (La invitación) al drama directo (En el dormitorio) Pero cuando se trata de lidiar con el dolor y la pérdida, Manchester junto al mar podría ser el más agonizante de todos.

superhéroes negros

Escrito y dirigido por Kenneth Lonergan, Manchester junto al mar cuenta la historia de Lee Chandler (Casey Affleck), un conserje aislado e irritable que regresa a su ciudad natal después de la muerte de su hermano. Pero irse a casa plantea muchos problemas para Lee. No solo se sorprende al saber que ahora es el guardián de su sobrino adolescente (Lucas Hedges), sino que Lee también está luchando por mantener a raya el pasado. No queremos regalar demasiado de la trama, pero hay una razón por la que irse a casa es lo último que Lee quiere hacer. Cada vista y sonido le recuerda algo realmente trágico que sucedió hace años, un evento tan horrible que nunca podría recuperarse.

Affleck ganó un Oscar por su actuación aquí, al igual que Lonergan por Mejor guión original, y los dos realmente merecían sus pequeñas estatuas de oro. Cada gesto que hace Affleck, cada línea que él no lo hace digamos, solo duele de dolor. (Y accesorios gigantescos para Hedges y Michelle Williams, quienes fueron nominados para actuaciones estelares.) Y aunque la película está llena de momentos cómicos incómodos, el humor aquí es insoportablemente oscuro.Manchester junto al mar lidia con el dolor de una manera que la mayoría de las películas no se atreverían. Es una película bella y brutal sobre vivir con dolor para siempre, y los últimos 20 minutos podrían ser los 20 minutos más devastadores que se hayan filmado.

Silencio (2016)

Desde Ingmar Bergman hasta Darren Aronofsky, los cineastas a menudo han reflexionado sobre dos preguntas espirituales importantes: ¿hay un dios y, de ser así, qué quiere? Y aunque Martin Scorsese es mejor conocido por sus películas de gángsters, ha pasado mucho tiempo tratando de responder estas preguntas. En 1988, echó un nuevo vistazo a los Evangelios con La última tentación de Cristoy casi 30 años después, Scorsese regresó al cristianismo con Silencio, una película sobre la crisis de fe de un hombre cuando parece que Dios lo ha abandonado.

Tomó alrededor 28 años para que Scorsese traiga Silencio a la pantalla grande, lo que hace que la película se sienta como un acto de fe en sí mismo. La trama involucra a dos sacerdotes jesuitas (Andrew Garfield y Adam Driver) que se escabullen a Japón para encontrar a un mentor desaparecido (Liam Neeson) que supuestamente cometió apostasía. Cuando el sacerdote de Garfield es capturado por los japoneses, se ve obligado a tomar una decisión difícil: retractarse y arriesgarse a ser condenado, o ver cómo sus compañeros cristianos son torturados hasta la muerte. Pero cuando recurre a Dios en busca de ayuda, no hay respuestas, no hay milagros, y nuestro héroe siente que está siendo aplastado por el silencio de Dios.

Silencio está bellamente rodado por Rodrigo Prieto, quien contrasta la belleza de Japón con la brutalidad de los hombres crucificados que se ahogan en el mar. La partitura compuesta por Kim Allen Kluge y Kathryn Kluge es impactante en su simplicidad, confiando en los sonidos de la naturaleza. Y Garfield y Neeson son perfectos como sacerdotes torturados: cuando se encuentran, su batalla de orgullo y dolor es como asistir a la Actuación 101. Pero en última instancia, como Richard Roeper escribió en su reseña, Silencioexplora la naturaleza de la fe: cómo puede inspirar esperanza y crueldad, cómo puede destrozar vidas y dar a los demás la fuerza para seguir adelante, a pesar de las dudas.

La bruja (2016)

Una de las películas de terror más inquietantes de la memoria reciente, La bruja cuenta la historia de una familia puritana que lucha por sus vidas, y unos contra otros, cuando una fuerza sobrenatural ataca su granja aislada. Magníficamente filmado y diseñado, La bruja parece que fue creado por un director veterano, pero esta fue en realidad la primera película de Robert Eggers. Mientras él era solo un novato, La bruja es la definición misma de una película perfecta, especialmente cuando se trata de obtener cada detalle a la perfección.

Hablando con Cableado, Eggers explicó sus ideas únicas a la hora de hacer La bruja. 'Todo en el marco', dijo Eggers, 'debe ser como si estuviera articulando mi memoria de este momento. Como, esta fue mi infancia como puritano, y recuerdo que ese día mi padre me llevó a un campo de maíz y a lo que olía ''. Entonces, ¿cómo puedes capturar un 'recuerdo' como ese? Haciendo mucha, mucha investigación. Eggers gastado cuatro años estudiando el estilo de vida puritano y leyendo relatos de primera mano sobre la posesión demoníaca. Incluso tomó prestado el diálogo real de supuestos encuentros sobrenaturales. Hablando a Indiewire, Eggers reveló que algunas de las líneas 'que dicen los niños (en la película) cuando están poseídos son cosas que se decía que los niños reales decían cuando estaban poseídos'.

Eggers también se involucró súper cuando se trataba de sets y accesorios. Los disfraces fueron cosidos a mano y los muebles fueron construidos tal como lo hacían los puritanos. Y a pesar de que estaba filmando en Canadá, Eggers trajo un thatcher de Virginia especializado en techos del siglo XVII. Eggers quería que todo fuera perfecto, pero además de todos los detalles, el director primerizo logró obtener actuaciones increíbles de cada miembro de su elenco, incluidos niños pequeños y un Cabra de 210 libras. Y si una película puede dar miedo al ganado, entonces sabes que tienes un clásico de terror instantáneo en tus manos.

Salir (2017)

Las películas pueden representarte a ti y a tus experiencias, o pueden ponerte en el lugar de otra persona. Y luego hay películas como Salque hacen las dos cosas Para los afroamericanos, Sal funciona - como Jordan Peele lo describió- como un documental Es una versión ficticia de los horrores que experimentan los negros todos los días. Para todos los demás, muestra lo que realmente es ser una persona de color viviendo en un mundo blanco. Tampoco duele eso Saltiene un guión asesino, dirección nítida y una actuación principal digna de un Oscar de Daniel Kaluuya.

La historia sigue a un joven fotógrafo negro llamado Chris (Kaluuya) que va a conocer a la familia de su novia blanca. Desde el momento en que aparece en su finca, atendido por sirvientes negros, todo parece estar mal. Tal vez solo sean bromas desacertadas, miradas extrañas y vibraciones racistas casuales que recibe de los padres ... o tal vez hay algunos cosas serias de Ira Levin pasando detrás de escena. Este es el debut como director de Peele, pero no lo sabrías de la forma en que saca la tensión hasta que todo explote en un sangriento desastre de jiu-jitsu, tazas de té y astas de ciervo. Y el guión de Peele es de primera categoría, lleno de toques inteligentes (el rico villano usa una cuchara de plata; Chris escapa de sus captores blancos con algodón) y un montón de espeluznantes presagios ('moho negro' en el sótano). Además, tiene uno de los mejores finales de terror de este siglo hasta ahora.

Claro, la película iguala las cosas con muchas risas, principalmente cortesía de Lil Rel Howery. Pero en el fondo, Sal Es una película aterradora que analiza los horrores reales de la sociedad estadounidense. Gracias al dominio de Peele detrás de la cámara, y la capacidad de Kaluuya de mantenernos a ambos castigados y preocupados durante la locura, Sal continuará asustando al público mientras las personas se encuentren atrapadas en Sunken Place.

Mandíbulas (1975)

En manos menores Mandíbulas se habría convertido en una película monstruosa olvidable en un mar de películas B (Revisa Mandíbulas 2, Mordazas 3-Dy Mandíbulas: La venganza como prueba.) Pero más de 40 años después, todavía está dando pausa a las personas antes de que se metan en el agua. Entonces, ¿qué establece Mandíbulas aparte de tus slashers de la rutina? Bueno, es el hombre sentado en la silla del director: el único Steven Spielberg.

Nadie hace tensión como Spielberg, y Mandíbulas es una clase magistral cuando se trata de crear suspenso. Spielberg fue el Ruta de Alfred Hitchcock y mantuve al monstruoso pez fuera de la pantalla el mayor tiempo posible, jugando con nuestro miedo a lo desconocido. Aumenta el temor usando disparos POV subacuáticos y el puntaje de John Williams para hacernos saber que se acerca el tiburón. Mientras el sheriff Brody explora nerviosamente la playa, Spielberg aumenta la tensión con pistas falsas y una edición brillante (por Verna Fields). Hace que nuestros estómagos se enfríen simplemente haciendo que salga un barril del agua. Incluso el libro sangriento de Brody y el escalofriante monólogo de Quint nos permiten saber qué cosas van a pasar si nuestros héroes terminan en el agua.

Entonces, cuando finalmente vemos al tiburón en toda su gloria de ojos de muñeca y salto en bote, el escenario está listo y la audiencia está preparada. Incluso si el monstruo en ocasiones se ve un poco gomoso, hemos visto lo que puede hacer. Vimos cómo arrastraban a esa mujer en la abertura de un lado a otro, y vimos al chico Kintner tirado bajo el agua por una fuerza invisible. Gracias a la configuración de Spielberg, creemos totalmente que este pez de 25 pies podría comer a todos en Amity, y aunque Brody explota al final, todavía estamos un poco nerviosos cada vez que vamos a nadar.

Evil Dead II (1987)

¿Qué califica como una película perfecta? ¿Tiene que ser un drama serio? ¿O puede ser una comedia de terror donde un tipo se pelea con su propia mano? Mientras que algunos snobs pueden despreciar Evil Dead II, este clásico de Sam Raimi logra perfectamente lo que se propone: hacerte gritar y luego hacerte reír.

La secuela del clásico de culto de 1981, Evil Dead II Es un buen momento maravilloso en el cine. Interpretando al asediado héroe de cuello azul Ash Williams, Bruce Campbell le da un fantástico rendimiento físico. Lo que está haciendo en esta película pone a Campbell en la conversación con Charlie Chaplin y Buster Keaton: se arroja como una muñeca de trapo mientras se empapa de sangre y nunca una sonrisa (excepto cuando se está volviendo loco). Es vodevil para la era moderna.

Las criaturas a las que se enfrenta Ash son realmente inquietantes, desde la cabeza de ciervo poseída hasta la hinchada Henrietta Knowby. Si bien los efectos de los monstruos pueden parecer un poco anticuados, todavía se sienten táctiles y reales, y su sola presencia física solo da una sensación de diversión y peligro. Y mientras lucha contra los Deadites, Ash se encuentra en una serie de escenas memorables, desde su colapso psicótico y el géiser de sangre hasta el momento rudo donde obtiene su legendaria motosierra. De ritmo rápido, divertido y un poco extraño, Evil Dead II demuestra cómo las películas de culto pueden alcanzar ese estatus clásico.

Sin perdón (1992)

No hay un actor moderno más asociado con el western que el Hombre sin nombre, Clint Eastwood. Pero a diferencia del otro ícono occidental John Wayne, las películas de Eastwood se centraron más en revisar el género y llevar viejos tropos en nuevas direcciones. Y cuando se trata de desmantelar el mito del Viejo Oeste, no hay nada más deconstructivista que el de Eastwood Sin perdón.

La historia sigue a un pistolero retirado llamado William Munny (Eastwood) quien, gracias a su esposa ahora muerta, supuestamente cambió sus costumbres y se estableció en una vida de crianza de niños y cría de cerdos. Pero cuando su granja comienza a desmoronarse y llega una oportunidad de dinero rápido, Munny toma sus armas para un último viaje. El veterano que regresa a la silla de montar es un clásico dispositivo de trama de película occidental, pero cuando Munny intenta reunir la recompensa de dos vaqueros renegados, la película se dirige a lugares increíblemente oscuros.

De acuerdo con Eastwood, Sin perdón se trata de la inutilidad de la violencia, ya sabes, lo que queremos ver al final de cada occidental. Los mata en Sin perdón Son desagradables y agonizantes. La gente grita de dolor y miedo. Los asesinos se alejan atónitos, traumatizados para siempre al apretar el gatillo. La violencia siempre es fea, ya sea por Munny o por el brutal sheriff de una pequeña ciudad interpretado por Gene Hackman. Este abogado no es mejor que los criminales que golpea en las calles. Desde su disparo de apertura solitario hasta su clímax oscuro y lluvioso, Sin perdón no tiene miedo de cuestionar a nuestros héroes populares o apuntar a todo un género (y, para el caso, al país) construido sobre el derramamiento de sangre.

Spider-Man 2 (2004)

Cuando Spider-Man 2 entró en los cines, Roger Ebert lo aclamó como 'la mejor película de superhéroes desde que se lanzó el género moderno con Superman. ' De acuerdo, muchas películas de superhéroes han salido desde 2004, pero el reclamo de Ebert aún se mantiene.

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Dirigida por Sam Raimi, Spider-Man 2 no es solo la mejor película de superhéroes jamás realizada. También es una de las mejores secuelas de todos los tiempos, a la altura de El imperio Contraataca y El padrino parte II. Pero a diferencia de esas sombrías películas, Spider-Man 2 mantiene el tono alegre de la primera película mientras lleva las apuestas emocionales a un nuevo nivel.

La película tiene algunas piezas increíbles, desde Mal muertoinspirada en la escena quirúrgica de la épica batalla de trenes de Spidey con Doc Ock. Pero donde Spider-Man 2 realmente brilla es hacer de Peter Parker (Tobey Maguire) un héroe verdaderamente identificable. Está luchando para luchar contra un científico loco. mientras haciendo todo lo posible para conseguir una novia y mantener un trabajo. Es un tipo que llega tarde al teatro y encuentra consuelo en el pastel de chocolate. Siente una verdadera felicidad durante el brillante montaje 'Gotas de lluvia siguen cayendo sobre mi cabeza', seguido de un arrepentimiento desgarrador cuando no puede salvar a alguien eludiendo sus responsabilidades.

En breve, Spider-Man 2 es algo más que un héroe luchando contra un chico malo. Como Michael Curley en PopMatters ponlo adentro Spider-Man 2, la audiencia no solo está alentando a Peter a detener al villano o salvar al mundo, sino que quieren que sea feliz, encuentre el equilibrio, haga que ser un superhéroe funcione para él ''. Fue la primera película de superhéroes que nos dio un superhéroe con el que realmente pudimos conectarnos, y estableció la plantilla para las próximas películas de Marvel.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007)

Dirigida por Andrew Dominik, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford flota como un fantasma a través de la pradera cubierta de nieve. Es una película épica que se toma su tiempo. No hay Manojo salvajetiroteos al estilo aquí, solo una película bellamente filmada que cuenta la historia de dos hombres muy problemáticos: una celebridad que lucha con una enfermedad mental y un fanático tóxico que quiere matar lo que no puede tener.

Tanto Brad Pitt como James y Casey Affleck como Ford están en la cima de sus juegos aquí. Pitt interpreta al forajido como un hombre que sufre de paranoia y depresión. Se está hundiendo en la oscuridad, y en sus momentos lúcidos, piensa en morir. Pero luego hay momentos en los que los ojos de Pitt se vuelven salvajes y la locura comienza a moverse, y estás demasiado aterrorizado como para parpadear. Es algo digno de un Oscar, rivalizado por Affleck como un adulador grasiento y comadreja, una sanguijuela insegura que quiere desesperadamente ser famosa. Por supuesto, cuando se da cuenta de que no tiene lo que se necesita para llegar a lo grande, decide seguir la ruta de Mark David Chapman.

Además de la actuación, la cinematografía de Roger Deakins es absolutamente hermosa. En realidad, inventó varias lentes específicamente para la película, dándonos imágenes que el crítico de cine Scout Tafoya se describe como 'en algún lugar entre un tintype y una pintura al óleo'. La banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis es inquietante, al igual que la narración real de Hugh Ross, que nos recuerda que estamos avanzando hacia algo terrible y predestinado. El asesinato de Jesse James persistirá en los años venideros, al igual que la leyenda del propio forajido.

Fuzz caliente (2007)

Escrito por Edgar Wright y Simon Pegg,Fuzz caliente es una película que mejora cada vez que la ves. Después de todo, tiene uno de los guiones más ajustados que se hayan puesto en papel. Si desea aprender sobre el arte de las configuraciones y los pagos, entonces debe volver a visitar Fuzz caliente una y otra vez.

Algunos de los primeros chistes regresan al final de manera inesperada. Por ejemplo, una línea divertida sobre las mamás de los agricultores que embalan armas de fuego resulta espectacular cuando la madre de un agricultor realmente trata de destruir al heroico sargento. Angel (Pegg) con una escopeta. La rutina 'fascista / bruja' vuelve maravillosamente en el tiroteo final, y las continuas referencias a Punto de rupturapreparó una escena hilarante pero desgarradora que involucraba a Nick Frost y su querido y viejo padre.

Otras líneas en realidad presagian algunos giros de trama bastante serios. En la apertura de la película, el engreído jefe de policía londinense de Bill Nighy le dice al sargento. Angel que puede hacer desaparecer a la gente porque es el inspector jefe. Y cuando Angel es transferido a la tranquila ciudad de Sanford, ¿quién está literalmente haciendo desaparecer a los malvados? Sí es cierto. Es el inspector jefe interpretado por Jim Broadbent. Y apenas estamos rascando la superficie aquí: cada vez que miras la película, encontrarás algo nuevo.

Pero además del guión, Fuzz caliente hace un trabajo magistral de malabarismos de géneros. Como crítico de cine de YouTube Mikey Neumann señala, la película envía cuatro géneros separados: comedia, terror, misterio y acción. Y no solo es satirizar tu típica Michael Bay película, pero es una película de acción legítimamente impresionante al mismo tiempo. Además de todo eso, tiene un bromance conmovedor entre Pegg y Frost. Fuzz caliente son Edgar Wright y Simon Pegg disparando a toda máquina, y es difícil pensar en una comedia que pueda compararse con su sangrienta brillantez británica.

Habrá sangre (2007)

Daniel Day-Lewis es uno de los grandes actores de todos los tiempos, pero mientras sus actuaciones en Lincoln y Mi pie izquierdo son increíbles, siempre puede ser recordado por despotricar y hablar sobre los batidos. Por supuesto, Habrá sangre es mucho más que un simple meme: es un ataque mordaz de la sociedad estadounidense, bellamente filmado por Robert Elswit, y podría ser la mejor película de la estimada filmografía del director Paul Thomas Anderson.

Anderson es el hombre detrás de películas como Boogie Nights y Hilo fantasma, pero ninguna de sus otras películas tiene el alcance épico y brutal de Habrá sangre, que captura un páramo yermo con riquezas incalculables que rezuman debajo de las grietas. Para beberlo todo está Daniel Plainview (Day-Lewis), un poderoso magnate del petróleo que odia a casi todos los que conoce. Es la identificación capitalista de Estados Unidos, y lo único que lo mantiene bajo control es el sórdido reverendo Eli Sunday (Paul Dano), el lado oscuro de la Primera Enmienda. Mientras los dos luchan por el control del petróleo, Plainview pierde su humanidad poco a poco, hasta que no queda nada más que un anciano enojado con un boliche.

En su mayor parte, Day-Lewis juega Plainview con una intensidad melancólica. Están sucediendo muchas cosas detrás de esos ojos: cálculos y competencia. Pero cuando explota, es un incendio sin igual por cualquier actuación en la memoria reciente. En cuanto a Anderson, está capturando una escena de imagen fascinante después de una escena increíble, como la secuencia de apertura sin palabras y la torre de perforación de petróleo ardiendo en medio de la noche, todo acompañado por la puntuación alienígena de Jonny Greenwod. Es difícil pensar en otra película estadounidense que capture el lado oscuro de la codicia de Estados Unidos, y si quisieras comparar Habrá sangre a Ciudadano Kane, ciertamente no nos quejaríamos.

John Wick (2014)

Protagonizada por Keanu Reeves en el papel titular, John Wick tiene lugar en un mundo de sombras asesino, una sociedad secreta llena de monedas de oro y reglas misteriosas. Hay un elegante hotel poblado por delincuentes y asesinos sexys, y como crítico de cine. Priscilla Page escribe, las imágenes están bañadas con 'la paleta de Mario Bavo, de Dario Argento'. Ambientada casi por la noche, la película es rica en rojos oscuros, azules y verdes. Es exactamente el tipo de lugar en el que esperarías ver a un hombre del saco luchando contra un grupo de matones rusos, y lucha contra ellos con la mayor facilidad.

Reeves no estaba jugando cuando firmó para John Wick. El actor entrenó cinco días a la semana, ocho horas al día, durante cuatro largos meses. Aprendió a manejar armas de fuego, usar jiu-jitsu y conducir un automóvil como una estrella de los años 70. Cuando las peleas comienzan, no hay una edición inteligente para ocultar el doble de Reeves porque en realidad es Keanu venciendo a todos esos tipos malos. El gun-fu aquí es un espectáculo para la vista, y como la película fue dirigida por dos especialistas (Chad Stahelski y David Leitch), no debería sorprender que la coreografía sea excelente.

Pero acechar debajo de la superficie es la historia de un hombre de luto. John Wick es un viudo cuyo querido perro fue un regalo de su difunta esposa, por lo que cuando unos gángsters asesinos asesinan a su cachorro, le están quitando más que solo su mascota (aunque eso es lo suficientemente malo): están matando a su ' oportunidad de llorar solos '. Entonces John Wick es mucho más que una película sobre un tipo que asesina a tanta gente como sea posible. Se trata de un hombre que busca hacer frente y espera expresar su tristeza y rabia ... asesinando a tantas personas como sea posible.

Guardianes de la galaxia vol. 2 (2017)

En solo 10 años, Marvel Cinematic Universe alteró por completo el paisaje de Hollywood. Pero con tantas entradas en una franquicia tan aclamada por la crítica, ¿cuál es el mejor del grupo? Esa es una decisión difícil, pero si vas por impacto emocional, tienes que elegir Guardianes de la galaxia vol. 2. Dirigida por James Gunn, esta secuela de 2017 sigue las nuevas aventuras de nuestros héroes harapientos al encontrarse con un planeta vivo con un ego realmente grande. Vol. 2 tiene algunas piezas realmente memorables, del 'Sr. Blue Sky 'se abre a la fuga de prisión gloriosamente violenta' Ven un poco más cerca '. Pero en serio, Vol. 2 es algo más que flechas mágicas y baterías de harbulary. (Disculpe ... baterías anulax.)

En esencia, se trata realmente del drama familiar y de encontrar el perdón. Y aunque la mayoría de las películas de MCU abordan problemas similares, Guardianes de la galaxia vol. 2profundiza en cómo es sobrevivir al abuso. Casi todos los personajes de la película han quedado profundamente marcados: Star-Lord está siendo manipulado por su padre biológico; Rocket Raccoon fue mutilado por científicos; Gamora y Nebula fueron torturados por su Mad Titan de un padre. Incluso Yondu, que era un padre podrido de Peter Quill, está obsesionado por su propio pasado oscuro.

Cada personaje trata su trauma a su manera, desde enfrentarse entre sí hasta alejar a los amigos. Estos personajes están rotos, hiriendo a las personas, cada uno de los cuales es un sobreviviente de algún tipo. Pero ultimamente, Vol. 2 es una película sobre estas personas rotas y lastimadas que comienzan a avanzar y madurar, incluso si es solo en pequeños incrementos. Todavía están luchando con el dolor, pero aprenden cuándo perdonar y cuándo alejarse de una relación destructiva (o explotarla con pistolas láser), dándonos uno de los éxitos de taquilla más complejos en un género que a menudo enfatiza la acción sobre las emociones.

Nunca estuviste realmente aquí (2018)

Nunca estuviste realmente aquí es la mejor película anti-acción del mundo. Tiene todos los adornos de tu thriller típico: un veterano de guerra perturbado recibe un martillo y mata a golpes a un grupo de tipos malos, pero la historia está lejos de ser familiar. ¿Puedes pensar en otra película de acción en la que el héroe le dispara a un villano, pero en lugar de acabar con él de manera desagradable, se acuesta en el suelo y canta junto con la víctima hasta que muere?

Sí, probablemente no.

Dirigida por Lynne Ramsay, Nunca estuviste realmente aquí sigue a un tipo llamado Joe (Joaquin Phoenix), un asesino a sueldo que rescata a las niñas de los traficantes de sexo. Eventualmente, Joe toma el trabajo equivocado y se ve involucrado en una verdadera conspiración, pero lo que es tan impresionante es la forma en que Ramsay y Phoenix subvierten todas las expectativas establecidas por tantas películas antes. Por ejemplo, en la mayoría de las películas de acción, el héroe se enfrenta al villano y lo envía al reino. Si bien no queremos estropearlo, diremos que Joe no puede tener su gran momento catártico. La película va a un lugar más extraño y mucho más inquietante, pero en última instancia esperanzadora.

Phoenix está en otro nivel aquí. Escondido detrás de una barba descuidada, es un hombre cansado que es bueno para lastimar a las personas, especialmente a sí mismo. Pero cuando no se está asfixiando o golpeando a los pervertidos, está cuidando a su madre anciana, bromeando con ella y asegurándose de que su refrigerador siempre esté abastecido. Joe apenas pronuncia una palabra, pero Phoenix lo vende todo con un murmullo, una mirada y el destello de un martillo de bola. En cuanto a Ramsay, cautivó a los críticos al subvertir el género de terror con Necesitamos hablar sobre kevin, y es igual de experta en el thriller de acción. Solo muestra que cuando abres un género a nuevos cineastas con nuevas perspectivas, terminarás con una historia que va a lugares que nunca esperarías.