Las películas más inquietantes de la última década.

Por Patrick Phillips/26 de noviembre de 2019 11:44 a.m. EDT

Cuando se escriben los libros de historia, es una apuesta bastante segura que el 2010 pasará a ser uno de los mejores períodos de todos los tiempos para el cine. Eso sigue siendo cierto incluso mientras continuamos debatiendo la definición real de la palabra. Pero a pesar de la gran década que han tenido los años 2010 para las películas, han sido particularmente bueno para películas diseñadas para incomodar a los espectadores.

Llámelas películas de terror, o thrillers, o dramas psicológicos con trasfondo socio-sexual: las películas que han traído la locura y la amenaza durante la última década lo han hecho con una visión y un arte indiscutiblemente indiscutibles. Como tal, no parece justo intentar siquiera reunir una sola lista de los mejores y más sombríos de la década, pero eso es lo que hemos hecho aquí. Desde enredaderas de ciencia ficción tremendamente poco convencionales hasta historias retorcidas de posesión demoníaca, tenemos algo para desconcertar incluso a los cineastas más sabios que adoran los golpes. Estas son las películas más inquietantes de la última década.



Debajo de la piel (2014)

Si ha entrado en la madriguera del conejo que es la obra de video musical de Jonathan Glazer, ya sabe que el director tiene una inclinación particular por superar los límites con imágenes inquietantes y tonos ominosos. Incluso se podría decir que Glazer se deleita con el desconcierto ya que pocos directores se atreven. Es natural, entonces, que continúe tejiendo imágenes desafiantes y temas inquietantes en sus largometrajes.

Pocos argumentarían que Glazer ya no había probado algunos límites serios con el dramático crimen criminal de 2000 Bestia sexy y el misterio psicosexual de 2004 Nacimiento, pero ninguna de esas películas podría comenzar a prepararnos para saber hasta dónde Glazer empujaría las cosas con el 2013 Bajo la piel.

Es un asalto total a los sentidos desde sus primeros momentos hasta el último. Cuenta con un rendimiento revelador de Scarlett Johansson eso es lo más lejos de la MCU como puedas conseguir Y que hay una escena a la mitad de esta película que es tan implacablemente inquietante que te costará no apagarla. Sin embargo, sigue mirando, porque incluso si Bajo la piel a menudo se siente como una película que sobrevives más que ver, cruzar la línea de meta en esta odisea extraterrestre es también una de las experiencias cinematográficas más gratificantes que jamás hayas esperado soportar.



Entra en el vacío (2010)

El cineasta argentino Gaspar Noé se ha ganado una gran reputación a lo largo de los años. Más que cualquier otro director con una película en esta lista, Noé ha hecho de su búsqueda personal sorprender y provocar. Rompió las mentes y llevó a los espectadores al límite con la narrativa inversa violenta y emocionalmente violenta de 2002 Irreversible, pero parece que tenía un tipo diferente de viaje mental en mente para su tercera oferta, el drama alucinante pseudo-vida después de la muerte de 2009 Entrar en el vacío.

Noé abre la acción con un expatriado francés traficante de drogas con una inclinación por los alucinógenos salvajes que se encuentran con su fin en un bar de Tokio. Tras la muerte, su alma se libera de su cuerpo y deambula por la película con un objetivo desconocido en mente. Noé captura cada momento serpenteante de cada alma después de la vida en modo POV completo, su cámara flotando dentro y fuera de los momentos, recuerdos y moléculas como un espectro omnipotente. Y sí, ese enfoque audazmente estilístico es tan asombrosamente brillante e inmersivo como escandalosamente desconcertante, con Noé llevando su cámara / personaje a lugares que uno desearía que nunca hubieran estado. El resultado es una película tan extrañamente tranquilizadora y estimulante como vívidamente contradictoria, sin mencionar que es tan alucinantemente original como cualquier película producida en la última década.

El Babadook (2014)

Cuando el director de una de las mejores películas de terror de la historia cinematográfica afirma que su película es la más aterradora que hayan visto, saben que han hecho algo especial. Así fue cuando el legendario William Friedkin, el hombre detrásEl exorcista - comenzó a decirle a la gente que el indie 2014 de Jennifer Kent El babadook'te asustará muchísimo', bueno, los amantes del género el mundo se dio cuenta de inmediato.



Friedkin no estaba mintiendo. Poseído de un sentido singular de misterioso, El babadook cuenta la historia de una madre soltera que lucha por criar a un hijo con algunos problemas emocionales graves. Por supuesto, dado que el esposo de la mujer murió en el camino hacia el nacimiento del niño, está claro que tanto la madre como el hijo tienen algunos problemas profundamente arraigados que resolver, problemas que complican aún más sus vidas cuando un libro infantil horrible Señor Babadook aparece en su casa.

A medida que Kent comienza a desenrollar lentamente su profana fiesta, una narrativa sorprendente comienza a tomar forma, una que explora con perspicacia temas emocionales pesados ​​sobre el trauma sobreviviente y las luchas de ser un padre soltero con un caso de depresión devastadora e implacable. Como sucede, El babadook también es una película de monstruos de primer nivel con más sustos genuinos que la tarifa de género promedio. Si, El babadook te 'asustará muchísimo', pero también dejará tu corazón en tu garganta.

Hereditario (2018)

Según el escritor y director Ari Aster, su brutalista sorpresa de 2018 Hereditario es realmente solo un pequeño drama familiar en su núcleo. Pero eso es como llamar Mandíbulas Una encantadora historia de peces fuera del agua. Entonces sí, aunque realmente no podemos argumentar que Hereditario no es un drama familiar, también queremos dejar claro que Hereditario no es sólo Un drama familiar.

Aún así, fiel a la declaración de Aster, Hereditario inicialmente se presenta como una especie de drama independiente atípico sobre una familia en pena. A medida que se desarrolla la película, un pasado oscuro y profundo comienza a surgir a la superficie, y Hereditario espirales vertiginosamente en una pesadilla sobrenatural palpitante simplemente tienes que ver para creer. Solo ten en cuenta que nunca podrás dejar de ver Hereditario

En caso de que no lo haya experimentado por usted mismo, simplemente diremos que sabrá el momento preciso en que Aster cambia el proverbial cambio del drama familiar a la tragedia familiar en toda regla. Lo sabrás porque el momento en que sucede es fácilmente uno de los más impactantes en la historia del cine. Aster se está calentando en ese momento, yHereditario está a punto de volverse más oscuro y pesado de formas que simplemente no puedes comprender. Es un asunto brutal y agotador, pero si logras seguir Hereditario, serás testigo no solo de una de las grandes películas de terror de la década, sino de todos los tiempos.

San Juan (2019)

Con Ari Aster's Hereditario Elevó inmediatamente el listón para los cineastas de género jóvenes y viejos, parecía poco probable que alguien encabezara la película en términos de valor de choque sin adulterar y rodar la cabeza en el futuro previsible. Parece que la única persona capaz de acercarse fue el propio Aster. Mientras Pleno verano puede no coincidir Hereditario en términos de conmociones y sustos, puede ser la mejor película en términos de impacto emocional que aplasta el alma y energía siniestramente siniestra.

Por supuesto, escuchar a Aster decirlo, Pleno verano es una película de ruptura relativamente sencilla. Créanos cuando decimos eso Pleno verano es una 'película de ruptura' de la misma manera que Hereditario es un 'drama familiar'. Lo que significa que no es realmente una película de ruptura en absoluto.

La relación en cuestión pertenece a Dani (Florence Pugh) y Christian (Jack Reynor), y si alguna vez hubo una pareja que necesitaba una ruptura, son ellos. Pero nada es tan fácil en los mundos de Ari Aster, y de los tortuosos momentos iniciales de Pleno verano, el director está tratando de torcer los tornillos de la relación condenada de la pareja de maneras cada vez más retorcidas. Para cuando la pareja y sus amigos llegan al festival sueco titular, el destino está efectivamente sellado, aunque nada puede prepararte ni remotamente para el caos sangriento y asqueroso que Aster tiene reservado para el resto de la película.

Melancolía (2011)

Al igual que varios de los cineastas con películas espantosas en esta lista, Lars von Trier ha desarrollado una buena reputación por hacer películas descaradamente confrontativas que tienden a ser bastante difíciles de ver. A lo largo de los años, los fanáticos y los detractores han calificado muchas cosas de von Trier y sus películas. Ya sea que ames u odies su enfoque agresivamente combativo (aunque a menudo refrescantemente audaz y asombrosamente hermoso) para el cine, la única etiqueta puede estar de acuerdo en que las paredes de las películas de Lars von Trier suelen estar empapeladas con una capa cáustica de nihilismo. Su drama de ciencia ficción de 2011 Melancolía encuentra al director en su momento más nihilista, y también en su altura estilística.

La película sigue a un par de hermanas (el mejor trabajo de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg), cada una luchando por mantener sus vidas juntas, aunque la humanidad se ha dado cuenta recientemente de que un gran planeta azul está en curso de colisión con la Tierra, y El mundo pronto dejará de existir. Separados en capítulos, Melancolía comienza con una de las bodas más tristes jamás comprometidas con el cine. Termina con la Tierra literalmente siendo borrada. Los momentos intermedios ofrecen vislumbres de momentos amorosamente elaborados de felicidad previa a la muerte, y exploraciones igualmente sombrías de la vida de las hermanas una vez que aprenden que el final está cerca. En algún lugar de la mezcla, von Trier ofrece un drama apocalíptico espléndidamente fotografiado, si es emocionalmente agotador, que es tan difícil de ver como de mirar para otro lado.

Siniestro (2012)

Antes de dirigir 2016's Doctor extrañoScott Derrickson pasó la década anterior haciéndose un nombre entre los entusiastas del género. Nos llamó la atención con el drama de posesión de 2005 El exorcismo de Emily Rose, pero fue en 2012 Siniestro eso demostró que Derrickson era un purista de terror de primer orden. Aunque muchos dormían Siniestro tras su lanzamiento, sigue siendo uno de los thrillers más genuinamente efectivos que verás, incluso si es cierto que se apoya demasiado a menudo en los clásicos tropos de terror.

La película sigue la historia de un autor de crímenes verdaderos (el siempre genial Ethan Hawke) que traslada a su familia a una casa donde se ha producido un crimen espeluznante para que pueda investigar los eventos de cerca y personalmente. Desafortunadamente, cuando encuentra una vieja caja de películas de tabaco Super 8 en su ático, bueno, el hombre y su familia se acercan un poco más a la verdad de lo que cualquiera hubiera querido.

Tenga en cuenta que esas películas de 8 mm probablemente le costarán algunas noches de sueño. Pero son solo una pequeña parte de lo que hace Siniestro una delicia de corazón negro. La película está en su mejor momento cuando se revuelca en tonos ominosos e imágenes góticas arenosas, y Derrickson aprovecha al máximo SiniestroEl aura amenazante, el placer perverso del enfoque de la película y la extracción de la alfombra manchada de sangre de los espectadores en un final que te hará mirar a través de las palmas sudorosas en un miedo ilimitado y una anticipación desalentadora.

Crudo (2016)

A menudo puede ser bastante difícil descifrar exactamente de qué se trata una película que se mete debajo de su piel. En el caso del sorprendente primer largometraje de Julia Ducournau Crudo, es un poco más fácil de entender, porque Ducournau esencialmente gasta la totalidad de los 100 minutos de tiempo de ejecución de la película desatando un diluvio casi constante de sonidos e imágenes y escenarios que potencialmente podrían desencadenar uno.

Eso no quiere decir Crudo es una fiesta de una milla por minuto, sorpresa por el bien de la conmoción. Todo lo contrario, de hecho, mientras Ducournau adopta un enfoque decididamente firme en su película, repasando las conmociones a medida que avanzan mientras presenta en silencio un drama universitario vicioso, sin disculpas, que legítimamente pone el género en su cabeza.

Deberíamos decirle por adelantado que la película sigue los juicios de una joven estudiante universitaria que inesperadamente se encuentra con un apetito insaciable por la carne humana. Entonces, incluso siCrudono es el derramamiento de sangre que se puede esperar de una configuración de este tipo, es probable que gran parte de la acción también le ponga el estómago de cabeza. Pero en lugar de deleitarse con los efectos sangrientos y los sustos de Schlocky, Ducourneau adopta un enfoque humanista para CrudoLa impactante historia, que solo usa el gore para reforzar un ingenioso y perspicaz estudio de personajes que se convierte, contra todo pronóstico obvio, en un drama convincente (aunque a menudo espantoso) sobre el canibalismo.

Color aguas arriba (2012)

Hay cineastas que confían en los sustos y la sangre falsa para meterse debajo de la piel de la audiencia, y aquellos que creen que las imágenes austeras, los matices ominosos y la ilusión de lo siniestro son igual de efectivos. Shane Carruth es de la última escuela, y Color aguas arriba más que prueba esto.

Ahora, no te vamos a aburrir tratando de explicar qué Color aguas arriba se trata, aunque solo sea, porque se podrían escribir trabajos de tesis completos sobre ese tema particularmente resbaladizo. Si somos completamente honestos, ofreceríamos eso Color aguas arriba es una película menos preocupada por lo que se trata de lo que puede hacerte sensación - y aparentemente no hay fin a lo que Carruth puede lograr en ese frente en particular.

Hasta ese punto, simplemente diremos que la película sigue a una mujer (la brillante Amy Seimetz) que, después de ser hipnotizada parasitariamente por un ladrón y de haber saqueado toda su vida, queda con un futuro arruinado y ningún recuerdo de lo que sucedió. Ella conoce a un hombre (interpretado por Carruth) con una historia similar, y mientras intentan inútilmente reconstruir sus miserias individuales, se topan con una verdad más allá de la imaginación. Lo que sigue es nada menos que un ataque cinematográfico profundamente paranoico a los sentidos que simplemente tiene que ser experimentado para creerlo. Sólo sé Color aguas arriba es una experiencia decididamente desconcertante que te hará rascarte la cabeza durante días, meses e incluso años después de que se agoten los créditos.

Hagazussa (2019)

Ambientada en una región montañosa y aislada de Europa alrededor del siglo XV, la pesadilla gótica de Lukas FeigelfeldHagazussa Se impulsa hacia adelante en un clip subglacial que ciertamente parece orientado a imitar el ritmo de vida en una región de este tipo. Mientras que la película logra capturar el ritmo lento de la vida en las colinas, Feigelfeld también usa ese ritmo para lanzar un hechizo hipnótico sobre los espectadores.

Eso no se romperá hasta los últimos momentos de la película revolviendo el estómago. En el camino hacia ese final brutal, Feigelfeld descorcha un cuento popular negro sobre una mujer soltera con un pasado pagano que intenta sobrevivir en el desierto y criar a su pequeña hija en relativa paz. Por supuesto, cuando tus vecinos viven con un miedo constante a la magia, los espíritus y la brujería, el mundo natural está lejos de ser tu enemigo más peligroso.

Impulsado por una sensación de calma implacablemente paranoica y suficientes imágenes góticas para asustar a Mary Shelley, Hagazussa se demuestra una parte singularmente siniestra del cine de género. Si bien es cierto que pondrá a prueba la paciencia de aquellos que buscan saciar su sed de sangre con espantosos sustos, Feigelfeld derriba el martillo con tanta fuerza visceral en HagazussaEl acto final de que la película seguramente atormentará las mentes de cualquier espectador que llegue al final en los próximos años.

Pura Sangre (2018)

Si la historia nos ha enseñado algo, es que Hollywood adora una buena historia de jóvenes rebeldes e inteligentes que generalmente se vuelven locos. Mientras que a los clásicos les gusta Rebelde sin causa, Una Naranja Mecánicay Estudiantes de vacaciones de primavera han mantenido el listón de tal tarifa elevada perpetuamente alta a lo largo de los años, Corey Finley's Pura Sangre demuestra que todavía hay espacio para que crezca uno de los subgéneros favoritos del cine, incluso si está claramente destinado a oscurecerse en estos días.

En el centro del drama negro de Finley hay un par de adolescentes de Connecticut de la corteza superior que existen en extremos opuestos del espectro emocional. Lily (Anya Taylor-Joy) siente todo demasiado fuerte, mientras que Amanda (Olivia Cooke) es incapaz de sentir nada. Cuando los amigos separados se reencuentran en la narrativa de Finley, descubren que cada uno pierde el control de sus vidas y están equipados de manera única para ayudarse mutuamente.

Esa ayuda tiene un costo, ya que la única oportunidad de liberación de las chicas implica un plan tortuoso y violento. Mientras se impulsa Pura Sangre`` Narrativa hacia adelante, no es el punto focal de la película, con Finley en lugar de usarla para elaborar un estudio de personajes penetrantes sobre un par de mentes jóvenes brillantes pero trágicamente fracturadas.

Los ojos de mi madre (2016)

Las películas de terror están esencialmente diseñadas para llevar al público a los rincones oscuros del mundo y mostrarles las cosas indescriptibles que tienden a suceder allí. A veces ese rincón oscuro es un lugar físico (ver La masacre de la motosierra de Tejas) Otras veces es un lugar en la mente (ver La célula) El espeluznante debut de Nicholas Pesce Los ojos de mi madre Es el raro caso en que la mente y el lugar convergen para explorar uno de los rincones más oscuros jamás capturados en la película.

Los ojos de mi madre no comienza de esa manera. De hecho, los momentos de apertura de la película son sorprendentemente serenos, con una niña y su familia viviendo en relativa paz en una granja aislada. Pero Pesce lleva un mazo a esa vida idílica al principio de la acción. Cuando lo hace, Los ojos de mi madre se oscurece de una manera que las palabras simplemente no pueden transmitir, formas que aseguran que la película permanecerá grabada en su cerebro por toda la eternidad.

Apostaríamos a que has escuchado susurros de las vívidas representaciones de violencia, tortura y gore de la película. Si bien la película (filmada en blanco y negro impresionante) se muestra inquebrantable en su representación de tales actos, las acciones más horripilantes tienden a ocurrir fuera de la pantalla, aunque eso solo aumenta las reacciones de los espectadores. Pesce profundiza aún más la oscuridad al utilizar la belleza frágil y sin emociones de la estrella Kika Magalhães contra los espectadores al servicio de la atención. Los ojos de mi madre en un estudio de carácter penetrante sobre el trauma y la soledad que consume almas.

La hija del abrigo negro (2015)

Hablando de la soledad que aplasta el alma, es el principal culpable del trabajo en Oz Perkins (hijo de Psicópata's Anthony) implacablemente triste película de posesión La hija del abrigo negro. Dicho esto, hay una fuerza malvada misteriosa que se está volviendo loca en la película que puede o no haber reclamado el alma deLa hija del abrigo negro personaje central y la obligó a realizar actos de violencia desmesurados.

Dejando a un lado los demonios y las posesiones, la soledad y el aislamiento realmente son las fuerzas impulsoras en juego en La hija del abrigo negro. La película se desarrolla principalmente en los terrenos de una escuela católica para niñas en algún lugar del lejano norte. Cuando dos de las niñas (Kiernan Shipka y Lucy Boynton) se quedan varadas allí durante las vacaciones de invierno (una cree que ha ocurrido una cierta calamidad a sus padres y la otra enfrenta una difícil elección propia), las cosas se ponen raras muy rápidamente, aparentemente la niña más joven está poseído por alguna presencia demoníaca invisible.

Mientras tanto, una narración paralela encuentra a una pareja en duelo recogiendo a una joven desesperada (Emma Roberts) en una parada de autobús, sin saber que es una paciente mental escapada. Estas narraciones eventualmente convergerán de una manera perversamente inteligente y con un efecto absolutamente desgarrador. Perkins controla la acción en cada paso del camino con una mano firme y una visión singular, creando una sensación sofocante de temor atmosférico en cada fotograma de la película. Al hacerlo, presenta una tragedia sobrenatural profundamente humanista y una de las películas de posesión más oscuras que hemos visto.

¡madre! (2017)

Hay una mejora general de la apuesta integrada en el marco narrativo de la mayoría de las películas de terror, porque dichas películas requieren que la acción se vuelva más sangrienta y brutal simplemente para aumentar las apuestas para los personajes atrapados dentro. Darren Aronofsky's ¡madre! es una película de terror tan completamente consumida por el concepto de aumentar la apuesta que casi se derrumba sobre sí misma al servicio de su imprudente ambición narrativa.

Si bien hay una sensación palpable de inquietud en la película y momentos evidentemente horribles en todo momento, probablemente sea un poco injusto etiquetar ¡madre! una película de horror. Si estamos siendo completamente honestos, m¡otro! no encaja perfectamente en ningún género en particular, porque nunca ha habido una película como esta antes, y todavía no estamos seguros de cómo Aronofsky hizo un espectáculo tan descaradamente descarado.

Sin embargo, nos alegra que lo haya hecho, porque la frenética historia de Aronofsky sobre la idílica existencia de una pareja siendo demolida por incidentes cada vez más extraños desde el mundo exterior es casi tan desviadamente gonzo divertido que puedes tener en una película que induce el pánico. Incluso si hemos llegado a esperar un cierto nivel de presión de botones de Aronofsky a lo largo de los años, ¡madre! encuentra al director empujando los límites más que nunca. Al hacerlo, elaboró ​​una desgarradora alegoría cinematográfica a diferencia de cualquier película que haya aparecido antes ... y probablemente cualquier cosa que vendrá después.

Nightcrawler (2014)

A veces, no es tanto la historia que cuenta una película lo que lo desanima más que los personajes que lo pueblan. Si ya has visto la sátira ardiente del ciclo de noticias de Dan Gilroy Nightcrawler, sabes muy bien que Lou Bloom es uno de esos personajes. También sabes que la razón por la cual el personaje (y la película en sí) es tan inquietante es por su aberrante energía abrasiva. Jake Gyllenhaal trae al papel.

Aunque el trabajo de Gyllenhaal en Nightcrawler fue ignorado por la Academia, su turno como el moralmente vacío Lou Bloom sigue siendo no solo una de las mejores actuaciones de ese año, sino de su carrera elogiada. Nightcrawler bien podría ser la mejor película que haya protagonizado el actor, aunque sin duda es la más intrínsecamente inquietante.

En la superficie, Nightcrawler es una acusación relativamente directa del mantra 'sangra, lidera' que ha tendido a dominar el ciclo de los medios en los últimos años. La película se desarrolla entre el sórdido bajo vientre de Los Ángeles y encuentra a Bloom de Gyllenhaal intentando hacerse un nombre en el mundo del periodismo criminal independiente. En el camino a su ascenso meteórico a la infamia, Bloom perversamente comienza a erradicar la línea entre el testigo ocular de la tragedia y el participante dispuesto. Reforzado por el chisporroteo de la escritura y la dirección de Gilroy, el trabajo fascinantemente desalmado de Gyllenhaal mientras Bloom se transforma Nightcrawler de la sátira a un espeluznante espectáculo sobre un vampiro moderno con un gusto muy preocupante por la sangre en la cámara.

El demonio de neón (2016)

Antes de comenzar la producción en El demonio de neón, su décimo largometraje, el cineasta danés Nicolas Winding Refn ya se había establecido como un elegante provocador cinematográfico al nivel de sus compañeros agitadores Lars von Trier y Gaspar Noé. Con películas atrevidamente estilizadas como Arribista, Conduciry Solo Dios perdona, también se había distinguido de sus hermanos como un cineasta totalmente obsesionado con dramas de pulpa de mala muerte vestidos con imágenes nítidas y empapadas de neón. Aunque sigue siendo una película divisiva, incluso entre los fanáticos de Refn, El demonio de neón Es esencialmente la culminación de todo lo que se ha convertido en una fuerza artística tan intrigante.

Por extraño que parezca, El demonio de neón también presenta una de las configuraciones menos convincentes de Refn: una mujer joven y bonita se muda a Los Ángeles con la esperanza de convertirse en modelo. La maldad que Refn deriva de esa configuración simplista es nada menos que genio de género, con la ciudad y todos los obsesionados con el sexo y la belleza que lo manejan literalmente deleitándose con la vitalidad juvenil de la impetuosa mujer, incluso mientras se vuelven poéticos sobre lo que realmente es la belleza. Visualmente deslumbrante, amoralmente fantasioso, y a menudo horriblemente realista, El demonio de neón es básicamente todo lo que Nicolas Winding Refn hace hasta los 11 años, y lo aman o lo odian, la película sigue siendo uno de los retratos más impactantes de la cultura de la alta costura que las películas han presentado.

tori mitos

Necesitamos hablar de Kevin (2011)

Estructurado como una mirada casi caleidoscópica a las tragedias pasadas y presentes, Lynne Ramsay's Necesitamos hablar sobre kevin es una película menos preocupada por la mecánica y las motivaciones del fatídico acto en su núcleo, un asesinato en masa en una escuela, que por las vidas detrás de él. Como tal, la película enfoca gran parte de su energía narrativa en una madre (Tilda Swinton) y su hijo Kevin, quien algún día será el arquitecto de la tragedia impensable.

La película sigue la relación problemática de la pareja desde su nacimiento, y encuentra a Swinton dando una de las mejores actuaciones de su carrera como madre que intenta desesperadamente amar a su hijo incluso cuando sus comportamientos psicópatas se vuelven más pronunciados con la edad. Es un paisaje peligroso, con Ramsay caminando hábilmente por la cuerda floja entre humanizar y demonizar a Kevin, incluso mientras la película lucha por encontrar el equilibrio hacia la trágica madre que siempre vio el mal en su interior.

A medida que la película salta de un lado a otro en el tiempo, explorando las secuelas de la violencia en un discurso igual al preludio, una sensación de temor que hace temblar el alma se afianza, y Necesitamos hablar sobre kevin se convierte en un espejo fracturado diseñado para reflejar una enfermedad austera que consume el mundo que nos rodea. Sabiamente, Ramsay no ofrece remedio y, en cambio, nos deja revolcarnos en el desastre que nosotros, como sociedad, parecemos destinados a seguir limpiando.