Las películas más inquietantes de 2019

Por Patrick Phillips/12 de abril de 2019 3:05 pm EDT/Actualizado: 30 de diciembre de 2019 12:08 pm EDT

A la gente le gusta comentar con qué frecuencia la vida tiende a imitar el arte (o viceversa), y cómo el cine en particular puede servir como una imagen especular del mundo no solo como es, sino como podría llegar a ser. Si cualquiera de esos puntos de vista se puede tomar al pie de la letra, entonces el mundo en el que vivimos está más que fracturado. Quizás más preocupante que ese hecho inquietante es que todo tipo de cosas malvadas parecen estar abriéndose paso a través de las fisuras cada vez más amplias.

Independientemente de cómo elija ver el mundo, hay pocas dudas de que una gran cantidad de miedos, incertidumbres, conflictos sociales y paranoias inherentes están ayudando a guiar esas cosas malvadas a la superficie. A su vez, también están impulsando las narrativas de algunos de los dulces más intrigantes (y más inquietantes) de la pantalla grande. en años recientes. Esos mismos temas y temas complejos están detrás de algunos de los trabajos más desafiantes de 2019 también. A medida que el año continúa entregando una potente lista de películas poseídas de terrores profanos, personajes nefastos y delicias bestiales, nos complace hacer una crónica de cada una de ellas para usted. Estas son las películas más inquietantes de 2019.

El hoyo en el suelo

Desde su fundación hace menos de una década, A24 Films se ha transformado del pequeño estudio independiente que podría convertirse en una auténtica potencia independiente. Lo han hecho al producir una inteligente mezcla de dramas humanos y crudos (luz de la luna, Lady Bird, Habitación) y tarifa de género ingeniosamente oblicua (Ex machina, La bruja, Hereditario) Este año veremos a A24 seguir el rumbo con esa estrategia de lanzamiento, y comenzará el 2019 con el paranoico enfriador de Lee Cronin El hoyo en el suelo.

Si no estás familiarizado con el nombre de Cronin, es porque El hoyo en el suelo es el primer largometraje del cineasta irlandés. Tenga la seguridad de que es un debut impresionante: uno en el que una joven madre y su hijo intentan construir una nueva vida en los bordes de un pequeño pueblo rural. Desafortunadamente, su nuevo hogar también existe al borde de un vasto bosque, y en dicho bosque existe un sumidero siniestro y expansivo, que puede o no estar relacionado con los cambios dramáticos de comportamiento en el niño.

Solo para tu información, lo es. Eso no es realmente un spoiler: por un lado, el hecho se hace evidente al principio de la película, y por otro,El hoyo en el suelo Está menos preocupado por giros y explicaciones impactantes que por construir una atmósfera sombría de miedo y paranoia. Cronin y compañía logran esa hazaña en espadas, combinando sus escalofríos atmosféricos con un enfoque inquietante y de combustión lenta que culmina en un final que se siente como las pesadillas de Kafka.

Velvet Buzzsaw

Dan Gilroy se asoció por última vez con Jake Gyllenhaal para una cáustica sátira mediática sobre un ambicioso Angelino que intenta ingresar al mundo del periodismo criminal. Esa película mezcló a la perfección su sátira mordaz con una sensibilidad distintiva de `` pesimismo '', incluso utilizando ciertos tropos de películas de terror para darle a la acción una pesadilla y una calidad posmoderna. Con una de las mejores actuaciones de La carrera de Gyllenhaal, Nightcrawler demostró ser no solo una de las mejores películas de 2014, sino también una de las más inquietantes.

Tal éxito fue la combinación de director, actor y material que la pareja se unió para la última confección satírica de Gilroy, el thriller sobrenatural Velvet Buzzsaw. Sin embargo, te alegrará saber que ofrecen otra acusación mordaz de la cultura capitalista la segunda vez. Velvet Buzzsaw los ve hacerlo con lenguas firmemente plantadas en la mejilla.

El escenario de este giro es el voluble y oportunista mundo del arte moderno, y de manera más concisa un círculo insípido de creadores de sabores para enriquecerse vendiendo un caché de pinturas recientemente desenterrado. La trampa es que estas pinturas fueron creadas por un loco cuyo espíritu (y más) reside en cada una, y busca vengarse de cualquiera que intente beneficiarse de ellas. Sí, esa trama es tan tonta como parece. Y sí, Gilroy abraza completamente esa tontería en todo momento. Velvet Buzzsaw. También lo suaviza con una gran dosis de amenaza que transforma su parodia mordaz en una bestia sangrienta y melancólica de una película con la cabeza llena de fantasía y un corazón lleno de ira.

Señores del caos

El mundo en el que vivimos nos recuerda rápidamente que el hecho es a menudo mucho más extraño que la ficción. Caso en cuestión: la historia real más allá de lo extraño que inspiró la obra de black metal de Jonas Åkerlund Señores del caos. Para aquellos de ustedes que no conocen esa historia, sigue a un adolescente noruego llamado Euronymous que creó el 'verdadero black metal noruego' a través de su banda Mayhem. Al intentar llevar el caos a las masas, Euronymous y sus amigos se involucraron en una ola de acrobacias publicitarias impactantes que sacudieron a la nación en su núcleo.

Como la mayoría de los esfuerzos artísticos, esas acrobacias comenzaron pequeñas, con graffiti satánico y maquillaje de cara de muertos vivientes. Los shows en vivo de Mayhem pronto se convirtieron en forraje para las cabezas de cerdo cortadas, la respiración de fuego y la automutilación. Mientras Euronymous y su equipo continuaban presionándose, la voracidad de las acrobacias se intensificó, las líneas entre 'acto' y 'realidad' se disolvieron, lo que allanó el camino para el incendio provocado, la violencia y (inevitablemente) el asesinato.

Si, Señores del caos cuenta una de esas historias que simplemente se siente demasiado extraña como para creerla, pero se basa completamente en realidad. Por su parte, Åkerlund presenta cada esfuerzo impío con una mirada asombrosamente impasible, permitiendo que los hechos cada vez más absurdos de este caso se desarrollen más o menos exactamente como hemos llegado a conocerlos. En el camino, no se deleita en particular al presentar los actos impactantes dentro (incluso cuando presenta cada uno con detalles vívidos), y finalmente presenta un drama inquietante y biográfico sobre la ambición artística desenfrenada que sentiría la farsa, si no fuera por Es una realidad inconcebible.

Nosotros

A estas alturas, debería estar familiarizado con el meteórico ascenso de Jordan Peele a la fama detrás del experimento de terror social de tono perfecto de 2017 Sal. Y si no lo estás, te instamos a que veas Sal inmediatamente, porque es tan sorprendente como has escuchado. Tan asombroso fue el de Peele Ganador del Oscar Debutó que había una preocupación legítima sobre si evitaría la depresión de segundo año que afecta a muchos directores innovadores. Esas preocupaciones se amplificaron cuando Peele anunció que volvería al género de terror para su seguimiento.

Por supuesto, esas preocupaciones se desvanecieron en una ansiosa anticipación cuando Peele desató el primer trailer escalofriante para Nosotros en el público Para la mayoría del público que va al cine, se evaporaron por completo unos cinco minutos en el último festival de terror socialmente consciente del director.

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Al igual que su predecesor, Nosotros es otra confección de género audaz, incisivo e incluso ingenioso que lleva sus influencias firmemente en su manga, pero de alguna manera no se ve, siente o juega como cualquier película de terror que la precedió. Hasta donde llega la trama Nosotros, es una historia relativamente simple de ficción doppelgänger que descubre que una familia está aterrorizada por versiones malvadas de sí mismos. Me gusta Sal, Peele tiene peces mucho más grandes para freír con una narrativa que gira y gira de formas que simplemente no puedes imaginar. De esos giros y vueltas, no diremos nada más. Solo sepa que llegan detrás de una sensación casi asfixiante de temor existencial, y con una inclinación por el aerosol arterial invisible en todo lo que Peele ha hecho antes.

Arrastrado a través del hormigón

Hablando de películas con un ojo en los problemas sociales, ¿has visto la rareza nihilista que es Arrastrado a través del hormigón? Incluso si no lo ha hecho, asumiremos que ha escuchado algo sobre lo último de S. Craig Zahler, ya que presenta a Vince Vaughn y Mel Gibson. En estos días, este reparto (Gibson en particular) conlleva un montón de preguntas sobre posibles agendas. Con respecto a la agenda, podemos decirle con toda certeza que Arrastrado a través del hormigón no es la máquina de propaganda de 'derecha, rabia de hombres blancos' algunas críticas han hecho que sea.

Si la película de Zahler tiene alguna agenda, es puramente que quiere sorprender, provocar y condenar a cualquiera que se sienta en ella. Ese acto en sí mismo es uno de desgaste debido al tiempo de ejecución de 159 minutos de la película, un tiempo de ejecución ampliado al infinito por el ritmo lento de la película y el hecho de que se trata básicamente de personas viles que hacen cosas de autoservicio.

Al igual que las obras anteriores de Zahler, Arrastrado a través del hormigón adopta un enfoque pulposo y ultra violento del cine, depositando a tipos duros narcisistas y moralmente comprometidos en mundos de pesadilla (si están maravillosamente fotografiados) donde aguarda una brutalidad indescriptible. Los policías racistas y fácilmente corruptos de Vaughn y Gibson son el rostro de esta pesadilla en particular. Como tal, la película nunca busca hacer héroes (o incluso antihéroes) de ellos o de su smarmy y autoritaria visión del mundo. Más bien, Arrastrado a través del hormigón presenta un paisaje elegante, sedicioso e implacable en el que realmente pueden existir. Es un mundo feo más cercano al nuestro del que muchos se sentirán cómodos, y si Arrastrado a través del hormigón tiene un mensaje general, es que nadie, ni siquiera el inocente, puede mantenerse limpio.

Perforación

Si una docena de amantes del cine nombraran a los diez más inquietantes películas de terror en la historia, probablemente aparecerían dos películas en cada lista: el enfriador atmosférico demente de Takashi Miike Audición y el desgarrador drama gótico Los ojos de mi madre. Solo para tu información, la primera está basada en una novela de Ryû Murakami, y la segunda fue dirigida por el autor independiente Nicholas Pesce. No debería sorprendernos entonces que Perforación - Adaptado de una novela de Murakami, y dirigida por Pesce - debería encontrar su camino en esta lista.

Lo que puede sorprenderte es qué tipo de bestia diferente Perforación está en comparación. Sí, la inclinación de Pesce por la sombría atmósfera está en juego. Y sí, el grotesco horror corporal y el desprendimiento sádico que salpicaban a Murakami. Audición están ahí también En medio de esas influencias macabras, Pesce de alguna manera encuentra espacio para imbuir su última pesadilla con una energía extraña, casi juguetona, que recuerda más a una comedia sexual de los años 60 que a una espeluznante película de terror.

Teniendo en cuenta que la película trata sobre un hombre que contrata a una prostituta con el único propósito de torturarla y asesinarla (desviando así sus impulsos de ponerle un picahielo a su pequeño hijo), no es poca cosa. Dicho eso, la energía sobrevive al sangriento y brutal tête-à-tête que impulsa la acción también es impresionante. Ese Pesce combina esos tonos dispares en un desagradable y elegante thriller gótico que invoca simultáneamente el trabajo de David Lynch y Billy Wilder es lo que hace Perforación debes ver el cine, incluso si terminas odiándolo. Y muchos de ustedes lo harán.

El viento

Básicamente, hay dos formas de acercarse a hacer una película de terror. El primero involucra cubos de sangre falsa, un asesino enmascarado (o un monstruo sediento de sangre) y una docena de saltos de miedo. El segundo es enfocarse completamente en construir un ambiente de terror psicológico puro al servicio de sustos meticulosamente ejecutados. Ambientada entre los paisajes aislados de la frontera occidental alrededor del siglo XIX y centrada en una granja dominada por la dureza de la vida en las llanuras implacables, la desgarradora fantasía occidental / horror de Emma Tammi El viento de todo corazón toma el último enfoque. Al igual que el mejor de los thrillers atmosféricos, encuentra escalofríos más genuinos dentro de su narración silenciosa y embrujada que cualquier película de schlocky slasher podría imaginar.

Como el mejor thriller atmosférico, El viento adopta un enfoque relativamente simple de su narrativa sobre un granjero duro como un clavo que se queda solo en medio de un extenso paisaje de pradera a raíz de una tragedia indescriptible. La culminación de esa tragedia juega un papel vital en El vientoEs una narrativa general, pero la película es más efectiva cuando la mujer (que cree que un demonio malicioso puede estar rondando el área) está atrapada en un aislamiento total. En estos momentos tensos y de mal humor, cuando Tammi permite que su película permanezca en un ensueño silencioso y misterioso, consumida por una sensación de aislamiento tan horrible como cualquier espíritu malévolo, El viento Es como un ejercicio casi perfecto en el horror psicológico. Es lo suficientemente eficaz como para pasar por alto el hecho de que ciertos elementos del diálogo y la narrativa no lineal en otras partes de la película dejan algo que desear.

Pet Sematary

Con las ofertas de género elogiadas por la crítica que llegan a los cines aparentemente cada semana, está claro que estamos viviendo una verdadera era dorada del horror. Como Stephen King está detrás de algunos de los mayores éxitos del género en los últimos tiempos, es seguro decir que también estamos viviendo una era dorada de adaptaciones de King. Mientras esperamos ansiosamente Es: Capítulo Dos para llegar a los cines, nos las arreglamos con una espeluznante y emocionalmente nueva adaptación de la novela de nigromancia más vendida de King,Pet Sematary.

Aquellos que recuerdan la despiadada adaptación de Mary Lambert de 1989 todavía sufren pesadillas de bebés con bisturí. Ese original fue el tipo de horror arenoso que hizo que quisieras ducharte después de que salieran los créditos. Si desconfías de lo nuevoPet Sematary, ten en cuenta que Kevin Kölsch y Dennis Widmyer no pierden nada de ese valor en su encantamiento. Con un par de cambios narrativos clave, en realidad refuerzan la arena para arrancar.

Por supuesto, el quid de la historia es el mismo. Una familia se muda a Maine, sobrevienen muertes trágicas, siguen resurrecciones equivocadas y reina el caos de los no muertos. Lo que distingue el caos aquí es que la mayor parte de la sangría llega de la mano de un niño. Mientras que Kölsch y Widmyer se deleitan claramente en la construcción de una implacable sensación de angustia atmosférica en todo momento Pet Sematary, su película se incendia cuando los muertos se levantan y esa angustia se convierte en terror absoluto, y el dúo disfruta explícitamente de conducirlo todo hacia un final desgarrador eso seguramente te dejará sin aliento.

Alta vida

Desde que se desprendió la piel deslumbrante que lo hizo estrella Con el set de interpolación, Robert Pattinson se ha convertido en uno de los actores más convincentes del cine. Lo ha hecho al buscar papeles no convencionales en películas de autor como Cosmopolis (David Cronenberg), El vagabundo (David Michôd), y Buen tiempo (Los hermanos Safdie). Con cada nuevo papel y cada nuevo director, Pattinson parece empeñado en establecer el listón aún más alto para él.

No debería sorprender, entonces, que Pattinson se sintiera atraído por un nuevo y audaz proyecto de la provocadora francesa Claire Denis. Aún menos sorprendente es que el actor nuevamente se supera a sí mismo en el papel de un hombre que lucha por mantenerse vivo a sí mismo y a su hija en los confines de una nave en ruinas perdida en el espacio profundo. Lo que puede sorprender a muchos es cuán salvaje es el retorcido drama psicosexual espacial de alto concepto de Denis.

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Créanos cuando le decimos que Alta vida Realmente vuelve a poner al psicópata en psicosexual. Para aquellos que se preguntan cómo terminó el padre de Pattinson en el espacio profundo, es porque era un chico malo y malo en la Tierra que, junto con otros delincuentes y un científico verdaderamente loco, se inscribió en un experimento reproductivo radical en el espacio en lugar de morir en prisión. ¿Suena bastante raro? Denis y compañía se están calentando. Lo que sigue es una mentalidad maníaca de una película alimentada por el sexo, la violencia, la traición y, en última instancia, la esperanza inesperada. Y sí, en el centro de la locura está una de las mejores y más raras actuaciones de la carrera de Pattinson.

Zarigüeya

Si sufres de pupafobia (también conocido como miedo a los títeres), o miedo a las cosas raras y espeluznantes con ocho patas (también conocido como aracnofobia), y especialmente si sufres de ambos, le instamos a que deje de leer, porque la característica de debut austera y sombría de Matthew Holness Zarigüeya puede ofrecerte poco más que un mundo de dolor y pesadillas para toda la vida. En realidad, lo mismo puede ser cierto incluso si usted no lo hagas sufrir de cualquiera de esas fobias.

No te sorprendas si nunca has oído hablar de Holness ' Zarigüeya. La película nunca tuvo un estreno teatral en Estados Unidos, y después de un bien recibido Sin embargo, la ejecución limitada en su Reino Unido nativo el año pasado, fue directamente a VOD para los mercados de EE. UU. a principios de este año. Después de experimentar esta pequeña película emocionalmente agotadora, es fácil imaginar que los teatros y los espectadores se mantengan alejados en masa. Eso no necesariamente significa que tú también deberías hacerlo.

Sí, un títere ocupa un lugar destacado en Zarigüeya. Tiene la forma de un gran arácnido con una monstruosa cabeza humana unida, si se está preguntando qué realmente desencadenará la fobia entre ustedes. Junto con la sofocante sensación de temor existencial de la película, Zarigüeya De hecho, es un reloj bastante difícil. Si puedes soportar esa locura en particular, todavía te espera una abstracción metafórica arenosa y oscura sobre una psique humana dañada sin remedio por el trauma y el abuso infantil, una que, aunque bellamente fotografiada y actuada hábilmente, es tan implacablemente desolada. hace los gustos de Lynch Borrador y de Cronenberg Araña (Ambas influencias claras) se sienten como un paseo por el parque. Considérate advertido.

La perfección

Atención, fanáticos del horror corporal. Todos los fanáticos del terror corporal deben informar a Netflix de inmediato y agregar Richard Shepard La perfección a su cola de inmediato. Tenga la seguridad de que incluso los fanáticos más grandes de los subgéneros de terror más profanos pueden obtener un poco más de lo que esperaban durante el primer tercio del thriller psicológico desgarrador y desgarrador de Shepard. En el centro de esta retorcida historia hay un par de prodigios del violonchelo (interpretados con igual siniestro celo y siniestra sensualidad por Allison Williams y Logan Browning). Los primeros momentos de La perfección encuentre a los violonchelistas en puntos dramáticamente diferentes de la vida, con la estrella de Williams desvanecida después de alejarse de la música para cuidar a su madre moribunda, y la estrella de Browning brillando en el mundo de la música, particularmente a los ojos del arrogante instructor de la pareja.

Cuando Charlotte finalmente se encuentra libre de obligaciones familiares, inmediatamente trata de regresar al mundo de la música que se vio obligada a abandonar. Una admiración / atracción inicial y aparentemente mutua entre la pareja rápidamente pone a los violonchelistas en un viaje por carretera, que rápidamente se convierte en una pesadilla de horror corporal que haría que David Cronenberg se estremeciera. Pero ese es solo el acto de apertura de la película. A partir de ahí, bueno, las cosas se ponen un poco locas, con Shepard y la tripulación torciendo la narrativa difícil de manejar de maneras cada vez más inquietantes que finalmente evitanLa perfección de alcanzar esa aspiración titular. Aún así, a menudo demuestra ser un thriller de primera clase, lujosamente ejecutado, poseído por una energía maníaca y amenazante que seguramente saciará los apetitos retorcidos y sedientos de sangre del género hambriento.

Clímax

A lo largo de sus décadas de carrera detrás de la cámara, Gaspar Noé ha sido calificado de todo, desde un provocador desvergonzado hasta un visionario cinematográfico. Como puede suponer por esas etiquetas dispares, es probable que las películas de Noé dejen a los espectadores disgustados y corran hacia la puerta, así como dejarlos fascinados en un éxtasis inquieto. El único elemento peculiar que alimenta el cuerpo de trabajo incendiario del cineasta es que el propio Noé parece menos preocupado por cómo los espectadores reaccionan a sus películas siempre que esas películas obtengan una reacción, porque eso es exactamente lo que están diseñados para hacer.

Al igual que las cuatro funciones dirigidas por Noé que lo precedieron, Clímax es otro experimento cinematográfico salvaje empeñado en empujar los límites de la decencia narrativa y la ambición artística. Para ser claro, Clímax es un logro técnico, artístico y narrativo tan potente como cualquier cosa que Noé haya hecho antes. También es seguro que muchos espectadores aprovechen la primera señal del libertinaje por venir.

Ese momento llega a mitad de camino ClímaxAlrededor de la época en que la compañía de bailarines en el núcleo de la película descubre que sus bebidas se han enriquecido con un poderoso narcótico. Esa es la trama con la que nos sentimos cómodos dando aquí, no porque tengamos miedo de estropear nada para los neófitos de Noé, sino porque las palabras simplemente no pueden hacer una crónica del infierno alucinógeno que el director desata a raíz de ese momento. Solo sé que a veces, es casi imposible ver cómo se desarrolla la locura en Clímax, pero a menudo es igual de difícil mirar hacia otro lado.

Cuchillo + corazón

Hay un puñado de cineastas que pueden reclamar el título de cambiadores de género. Si estuviera compilando una lista de tales directores, tendría que incluir a Alfred Hitchcock, Dario Argento y Brian De Palma. Es casi seguro que los encontrarás cerca de la parte superior de la lista del provocador francés Yann González, y Cuchillo + corazón es toda la prueba que necesitas de ese hecho.

Ambientada en París alrededor de finales de los 70, Cuchillo + corazón presenta la historia de Anne, una cineasta que se especializa en películas azules artísticas de la persuasión masculina. Pero justo cuando Anne comienza su película más ambiciosa, los miembros de su compañía comienzan a ser asesinados de manera brutal, colocándola en medio de un misterio retorcido y desgarrador que hace girar su mundo al revés.

Esa narrativa retorcida encuentra a González tomando prestado en gran medida de los trabajos innovadores de los maestros antes mencionados para entregar la estilizada, centrada en el maricón, la película slasher psicosexual que el mundo nunca supo que necesitaba. Uno que también ve a González valientemente sin golpes en cuanto al contenido homosexual o actos espeluznantes de violencia relacionada. (Por ejemplo, un juguete adulto grande tiene una navaja enterrada en su interior para hacer un arma homicida).

Así que sí,Cuchillo + corazón obviamente no es para los aprensivos. Pero los más aventureros pueden encontrar que esta obra de slasher arenosa y meticulosamente ejecutada tiene las características de un clásico de cine LGBTQ con género que rinde homenaje a los maestros de género incluso cuando empuja su trabajo visionario a un terreno nuevo y audaz.

Hagazussa

En los últimos años se ha visto un movimiento legítimo para devolver el género de terror a la casa de arte en la que habitó habitualmente durante los años 70 y principios de los 80. Eso significa que los cineastas han estado un poco menos preocupados por atender ciegamente la sed de sangre, y más ansiosos por adoptar un enfoque psicológico y lento del género. A todas las bellezas de combustión lenta que han adornado las pantallas grandes en los últimos tiempos (es decir La bruja, Hereditario, Buenas noches mama, Sigue), Hagazussa El escritor / director Lukas Feigelfeld solo tiene una cosa que decir: 'Veo tu ritmo glacial y te elevo hasta el infinito'.

Eso no es una broma, por cierto. HagazussaEl ritmo meticuloso, la narrativa en gran parte no verbal y el diseño de sonido minimalista lo convierten en el tipo de bestia de combustión lenta que pondrá a prueba el temple incluso del más feroz de los devotos del horror. Para aquellos que se adhieren a él, Hagazussa También es una de las ofertas más pesadas desde el punto de vista atmosférico que el género de terror haya visto jamás, y cuenta con un final tan inesperadamente espeluznante que garantiza que te revolverá el estómago.

Solo para el registro, el enfoque lento de la película para la historia no se presenta solo por diversión. Hagazussa se desarrolla casi por completo en los terrenos montañosos de la Europa del siglo XV y sigue a una mujer marginada (calificada de bruja por muchos ciudadanos) que lucha por mantener la cordura mientras vive en un aislamiento casi total con su hija recién nacida. Dentro de esa sorprendente narrativa, Feigelfeld utiliza ese enfoque metódico para calmar a los espectadores en un estado hipnótico paranoico, que refuerza hábilmente la tensión y hace que los escalofriantes momentos finales de la película sean aún más devastadores.

Pleno verano

El verano pasado, Ari Aster se desatóel infierno impío eso fue Hereditario sobre los desprevenidos amantes del cine de todo el mundo. Bueno, las estaciones han corrido un ciclo completo, entregando otro verano caluroso y pegajoso al mundo, y con él Aster ha entregado otra hazaña cinematográfica agotadora que asegurará que nadie encuentre consuelo en los confines oscuros y fríos de su cineplex local.

De acuerdo con Aster, su 'drama de ruptura' inductor de traumaPleno verano es solo una pequeña película sobre una relación poco saludable en llamas. Y, al menos en el papel, eso es exactamente lo que esta horrible historia de una pareja condenada (interpretada con trágica perfección porFlorence Pugh y Jack Reynor) visitar el legendario festival de mediados de verano de un pueblo rural sueco. Comprende, sin embargo, que Pleno verano es una 'película de ruptura' de la misma manera que Hereditario fue un pequeño 'drama familiar'. Lo que significa que hay mucho más cosas más aterradoras en juego en la pesadilla de Pleno verano que cualquier 'película de ruptura' que hayas visto.

Si aún no has experimentado el terror bañado por el sol de Pleno verano, deberías saber eso, como Hereditario, a veces es casi insoportablemente sangriento. Sepa eso, como Hereditario, esos momentos impactantes no pueden ser invisibles. Pero al igual que Hereditario, la brutalidad a lo largo Pleno verano funciona debido a la sensación casi asfixiante de temor psicológico que Aster construye minuciosamente a su alrededor en una de las películas más aterradoras del año. Y saber eso, como Hereditario, ambos sentimos lástima y respetamos su derecho a experimentar este súcubo alucinógeno y conmovedor con una pizarra lo más limpia posible. Has sido advertido.

Es: Capítulo Dos

Es un poco difícil de creer, pero han pasado dos años desde que Andy Muschietti desató el capítulo uno de los Eso saga en un público desprevenido. La cacofonía cósmica y macabra de Muschietti no solo asustó a los bejeezus de todos los que la encontraron (ejem), sino que la película también asustó al norte de $ 700 millonesen todo el mundo en la taquilla.

Ese tipo de crítico y el éxito financiero obviamente llevó a algunas expectativas más elevadas para Capitulo dos de la monstruosa y asesina épica de payaso asesino de Muschietti. Estamos aquí para decirte que sí, Es: Capítulo Dos es tan inquietante como su predecesor. Y si, La opinión absolutamente mental de Bill Skarsgård sobre Pennywise sigue siendo en gran medida la estrella del espectáculo (aunque tiene una competencia muy seria en esta ronda de los gustos de Bill Hader y Jessica Chastain).

Por supuesto, Pennywise es horrible Capitulo dosschtick no está en el nivel de 'escalofrío hasta los huesos' que era la primera vez. Eso se debe principalmente a que ahora sabemos qué esperar del asesino asesino. Eso no quiere decir que Muschietti y Skarsgård no traigan el dolor nuevamente. Es: Capítulo Dos más que ofrece la sed de sangre y el terror desenfrenado que esperarías (ver esa escena de la araña Stanley), pero Capitulo dos pone al Losers Club al frente y al centro. Como tal, Muschietti & Co. refuerza las apuestas emocionales de la acción agotadora, y ofrece la más rara de las películas de terror que apunta no solo a sorprender, sino a tirar de tus corazones.

Monstruos

Aunque el refrán 'uno de nosotros' que puntúa la sorpresa de culto de Tod Browning en 1932 Monstruos podría haber funcionado fácilmente en el abominable mundo de Zach Lipovsky y Adam B. Stein, festival de ciencia ficción con un título similar, un nombre es todo lo que tienen en común. El mundo de Lipovsky y Stein Monstruos es diferente a todo lo que probablemente haya experimentado antes.

Dicho esto, solo tendrás que confiar en nosotros cuando te digamos que la mejor manera de entrar en el horrible mundo de Monstruos es ir sabiendo lo menos posible. Confía también cuando decimos que cualquier cosa que creas saber Monstruos, descubrir qué tan equivocado estás sobre la acción es parte de la diversión indescriptiblemente fuera de serie de la película.

Lo que te diremos es que Monstruos sigue a una niña audaz (la recién llegada Lexy Kolker) que, después de ser criada en un estado de cautiverio forzado por su padre claramente inestable (Emile Hirsch), toma un descanso y descubre que el mundo no es lo que ella pensaba. ... y puede ser mucho más peligroso para ella de lo que podría haber anticipado. Lipovsky y Stein pasan la primera media hora de Monstruos construyendo un thriller tenso y claustrofóbico. Pero cuando la película estalle y su mundo se expanda, bueno, agárrate a tus asientos, porque s ** t se vuelve real muy rápidamente, ya queMonstruosse convierte en una sacudida impetuosa y políticamente cargada que nunca verás venir.

Los tigres no tienen miedo

Una mirada a las noticias en estos días le dirá que el mundo tal como lo conocemos no está realmente en buena forma. Ciudad de México en particular ha sido absolutamente devastado en los últimos años por el derramamiento de sangre resultante de las guerras de cárteles brutalmente furiosas Guerras que han dejado cientos de miles de muertos, sin mencionar a una generación de jóvenes mexicanos huérfanos, que luchan por la supervivencia en las calles de una ciudad que casi los ha olvidado.

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Las calles de una ciudad mexicana sin nombre son el escenario de la fantasía negra de Issa López Los tigres no tienen miedo. Y en la realidad de pesadilla de la película, López deposita a una niña asustada llamada Estrella, cuya madre (como tantas otras) ha desaparecido misteriosamente. La joven heroína está armada con tres deseos y acompañada por una banda de compañeros huérfanos. A medida que Estrella se adapta a los peligros perpetuos de su nueva vida, descubre que sus deseos pueden ser reales, y que los deseos no siempre se hacen realidad de la manera que usted espera.

A partes iguales Guillermo del Toroestilo oscuro fantasía J-horror cazador teñido y drama de cártel arenoso, Los tigres no tienen miedo es un enfriador neogótico implacable y absolutamente perfecto, tan perspicaz como espeluznante. Si bien la sinergia atmosférica y sobrenatural que impregna cada fotograma de la película es más que suficiente para mantenerte al límite, la carga emocional que Issa López & Co. ofrece junto a ella es lo que te deja conmocionado hasta el núcleo, y asegura Los tigres no tienen miedo permanecerá en tu cabeza y en tu corazón mucho después de que lleguen los créditos.

Ladyworld

Ahora aquí hay una película de la que es casi imposible hablar ... aunque uno podría verse obligado a pensar mejor en llamar a Amanda Kramer Ladyworld Una película en absoluto. Más bien, su historia maníaca de chicas adolescentes que se vuelven locas después de ser cortadas del mundo a raíz de un desastre natural desconocido es, sin duda, menos una película que una pieza de humor experimental y amenazante sobre la fragilidad de la naturaleza humana y las estructuras sociales.

Como tal, Ladyworld toma prestada en gran medida de la querida novela de 1954 de William Golding señor de las moscas, esencialmente trasplantando su trama de una isla paradisíaca aislada a los confines sofocantes de un apartamento, y jugando hábilmente con roles de género siguiendo a chicas adolescentes suburbanas en lugar de chicos adolescentes elegantes. Si bien las tácticas pueden variar dentro de la tripulación de Kramer, puede estar seguro de que los resultados son familiares, con todas las puñaladas y torturas (tanto emocionales como físicas) que esperaría.

La opinión de Kramer sobre el tema es mucho más inquietante que la de Golding, con opciones estilísticas audaces (es decir, fotografía claustrofóbica y diseño de sonido salvajemente fuera de lo común) que mantienen a los espectadores al límite y los sumergen por completo en un mundo que habita a la vez en hiperrealidad y etérea de pesadilla. . El resultado es una película que ve señor de las moscas a través del rígido y disonante prisma de Los suicidios vírgenes. Dejando a un lado las influencias obvias, podemos asegurarle queLadyworld (que también presenta un giro brillantemente nervioso de Cosas extrañas fugarse Maya Hawke) es en gran medida su propia bestia. Y esta bestia tiene una mordedura brutal.

bufón

Ya que debutando en 1940, el maníaco enigmático que hemos llegado a conocer simplemente cuando Joker se ha convertido en el estándar de oro de los supervillanos, y continúa demostrando ser un enemigo desgraciadamente adecuado en el mundo de Batman - Uno capaz de representar todo tipo de actos atroces contra el Caballero Oscuro, sus aliados y los ciudadanos de Gotham. Ese tipo de estado comodín ayudó a convertir a Joker en una fuente visceral de energía maníacamente malvada en el transcurso de sus muchas apariciones en pantalla grande.  

Eso nunca ha sido tan cierto como con la versión sólida pero elegante de Todd Phillips sobre los posibles orígenes de un personaje verdaderamente original pero no menos loco. Titulado simplemente bufón, La confección independiente y arenosa de Phillips toma sabiamente un enfoque de primer personaje, con Joaquin Phoenix retratando al posible Príncipe Payaso del Crimen como un paria social de corazón blando que sufre de delirios narcisistas que lo hacen propenso a los estallidos de violencia extrema. Como tal, bufón tiene tanto en común con los gustos de los dramas arenosos y llenos de vida de Martin Scorsese como Conductor de taxi y El rey de la comediacomo lo hacen las películas de Batman Tim Burton o Christopher Nolan.

Sí, mucho se ha hecho de bufónLa moralidad retorcida, su mentalidad de guerra de clases y su uso traumático de la violencia. Se ha dicho aún más sobre el personaje. potencial para inspirar actos de traición del mundo real. La verdad es que todos esos elementos externos crean un sentido elevado e inquietante de hiperrealidad en Phillips bufón, pero el simple hecho es que la película sigue siendo tan inquietante porque el ascenso del Joker nunca ha parecido tan plausible.

Depravado

Durante las últimas décadas, Larry Fessenden ha forjado una de las carreras más interesantes al margen de Hollywood. De hecho, esa carrera ha encontrado con frecuencia a Fessenden hasta las rodillas en sangre falsa y connotaciones ominosas al servicio de reinventar lo que podría ser el horror. Más recientemente, el autor de terror independiente ha construido su propia pequeña incubadora para la feria de género de bajo presupuesto bajo la apariencia de su compañía de producción Glass Eye Pix, y ahí es exactamente donde Fessenden dio a luz su recuento moderno del mito de Frankenstein.

Parte incisiva Frankensteinpelícula de monstruos excéntricos y un drama de personajes desgarrador, el de Fessenden Depravado es esencialmente lo que Frankenstein Shelley podría haberlo escrito hoy, lo que significa que sigue siendo un monstruo gótico despiadado sobre la arrogancia moral y científica que destruye a la humanidad. Solo Fessenden toma prestada esa configuración para explorar temas igualmente pesados ​​como el trauma de posguerra, la locura farmacéutica y el poder perdurable de la conciencia humana en circunstancias verdaderamente desmesuradas.

Por supuesto, Depravado Es, ante todo, una clásica historia de terror sobre un médico demente que junta partes del cuerpo para darle vida a un muerto viviente. Como tal, se alimenta de suficiente sangre, sangre y humor para satisfacer los gustos de la mayoría de los aficionados al horror. Pero con sus personajes profundamente humanos (es decir, trágicamente defectuosos), guiones perversamente perspicaces y un tono aterrador, Depravado trasciende lo tradicional Frankenstein narrativa para ofrecer algo mucho más inquietante: un gótico moderno donde incluso las intenciones más nobles son corruptables en nombre del comercio, y una donde los hombres y los monstruos son uno y lo mismo.

felicidad

Gracias a los tan centelleantes Crepúsculo En la franquicia, el género de los vampiros era más bien una broma guiñando un ojo que un paisaje fértil para cuentos agotadores y sangrientos de deleite de los muertos vivientes. Afortunadamente, los puristas de género han pasado los últimos años reclamando el temible subgénero en nombre de las emociones inquietantes y sedientas de sangre que lo dieron a luz. Lo han hecho llevando al vampiro a las calles en forma de thrillers sangrientos y de bajo presupuesto como La transfiguración y Una niña camina sola a casa por la noche, incluso con la vertiginosa sangre de Lo que hacemos en las sombras sirviendo para restaurar el juego de chupar sangre en su lugar legítimo en la cima de la monstruosa majestad del cine.

manos de Deadpool

Agregue la nueva y bestial película de Joe Begos felicidad a la lista de cuentos de vampiros que reclaman la grandeza amenazante del género, incluso si la palabra 'vampiro' nunca se pronuncia en la película. Ubicado entre las vistas venenosas de los días modernos de Los Ángeles, felicidad encuentra a un pintor trágicamente egocéntrico envuelto en un bloque creativo enloquecedor, y en deuda con algunos sacudidores serios en el mundo del arte de Los Ángeles. En una desesperada necesidad de una sacudida, recurre a una poderosa droga alucinante, y con un poco de ayuda de un galán sin alma, rápidamente se convierte en una pesadilla de sexo, asesinato y, sí, creación, empapada de sangre, los resultados de que simplemente hay que ver para creer. Solo sepa que no podrá dejar de ver las frivolidades alucinantes y alucinantes contenidas en el acto final de felicidad.

El albergue

Con el inquietante psicoenfriador de 2014 Buenas noches mama, El dúo austríaco Severin Fiala y Veronica Franz se anunciaron al mundo como el raro tipo de cineastas de género capaces de ofrecer delicias escalofriantes alimentadas tanto por el mal humor meditativo como por la humanidad incisiva y aplastante del alma. El dúo regresa con su película de seguimiento El albergue, y sabrás unos cinco minutos después de esta amenazante belleza que el dúo se estaba calentando con su incómodo debut. La película de suspenso audiencias relajadas en Sundance a principios de 2019, y finalmente veremos un lanzamiento amplio en febrero de 2020.

Hay poco espacio para el calor en los confines helados de Fiala y Franz El albergue. Puesta en marcha por una brutal tragedia, la película se desarrolla casi por completo dentro de las paredes heladas de una cabaña remota atrincherada en una implacable tormenta de nieve. Dentro hay dos niños (Eso(Jaeden Martell y la recién llegada Lia McHugh), y su futura madrastra (Riley Keough), a quienes culpan por el divorcio de sus padres y La tragedia que siguió. Y lo que se desarrolla dentro de esos muros es la verdadera mente de un juego de gato y ratón que dejará su parte de corazones en la garganta.

Por supuesto, los juegos de gato y ratón son justos si todas las partes conocen el juego que están jugando. Y debe tenerse en cuenta que si la parte inconsciente es un antiguo miembro de la secta, y el único sobreviviente de un suicidio en masa, bueno, el juego puede ser más traicionero para los jugadores conocedores. Como El albergue A medida que se desarrolla, las reglas de dicho juego cambian de manera cada vez más alarmante, con todos los involucrados lanzándose precipitadamente hacia un final que, como se mencionó, dejará los corazones en la garganta y las psiques fracturadas de maneras que aún no puedes entender.

Heridas

Un consejo: si alguna vez te topas con un teléfono celular perdido, hazte un favor y entrégalo al más cercano perdido y encontrado de inmediato. No intentes descubrir cómo desbloquearlo. No comience a enviar mensajes de texto con un completo desconocido que le envíe mensajes muy siniestros. Y en nombre de todo lo que es bueno y santo, no comience a desplazarse por las imágenes de ese teléfono. Si te preguntas por qué no deberías hacer esas cosas, Babak Anvari es malvado y maravilloso. Heridas más que probar nuestro sonido lógico perdido y encontrado.

Heridas de hecho, encuentra la polla de Armie Hammer, el barman del barrio francés, Will, en posesión de ese teléfono. Cuando, sin darse cuenta, se lo lleva a casa después de un turno nocturno particularmente difícil, tiene poca idea de que su noche (ergo su vida) está a punto de volverse mucho más extraña. Pero una vez que comienza a enviar mensajes de texto al extraño en el otro extremo y a explorar los contenidos intensamente inquietantes del teléfono, las cosas se oscurecen muy rápido para el barman y sus amigos.

¿Qué tan oscuro, preguntas? Digamos que las cosas que se ven en ese teléfono son legítimas, son pesadillas. Y una vez que Will y su novia (Dakota Johnson) comienzan a desentrañar el misterio detrás de las inquietantes imágenes, Heridas comienza un descenso profano a una narrativa diabólicamente inquietante que le debe tanto a Kafka como a Lovecraft. Y no, no hacemos esas comparaciones a la ligera, así que cuente que advirtió que Heridas es un tipo especial de espeluznante, y no debe ingresarse a la ligera.

El faro

Ahora es demasiado fácil olvidarlo, pero hace solo unos años nadie (fanático del género o verdadero snob del cine azul) sabía realmente quién era Robert Eggers. Eso cambió casi de la noche a la mañana, por supuesto, después del cuento popular gótico de Eggers. La bruja éxitos en los cines, al menos para aquellos fanáticos del género que prefieren sus películas artísticas servidas con un lado enorme de angustia sobrenatural y amenaza profana.

Para los muchos espectadores que se atrevieron a mirar la mirada de acero de Black Philip, La bruja demostró el tipo de película que dejó a uno más que ansioso por ver qué haría Eggers a continuación. Puedes contar tanto a Willem Dafoe como a Robert Pattinson entre ese grupo, ya que cada actor se comunicó personalmente con Eggers para expresar su interés en subirse a cualquier proyecto en el que el director estuviera trabajando. Es posible que ambos actores hayan lamentado esa decisión una vez en el set de Eggers El faro, ya que el rodaje helado de la película en Nueva Escocia fue bastantedesafiante. Aún así, Dafoe y Pattinson probablemente estaban más que emocionados cuando finalmente vieron la película terminada.

De El faro, no diremos mucho, no porque no haya mucho decir sobre la película, pero porque realmente tienes que verla para entenderla. Aunque El faro es una película que no 'entiendes' tanto como experimentas. De cualquier manera, la última pesadilla cinematográfica de Eggers, sin duda, se convertirá en uno de los momentos más extraños que tendrá en el cine este año. Solo sé que también puede pasar a ser uno de los mejores.

Daniel no es real

Elijah Wood ahora está entrando en la cuarta década de su carrera cinematográfica. Como tal, sigue siendo uno de los pocos ex niños actores que han logrado hacer una transición exitosa a una carrera bien considerada como adulto. Aunque Wood se mantiene ocupado como actor, durante la última década más o menos ha estado haciendo uno de sus mejores trabajos detrás de la cámara, produciendo fenómenos que doblan el género a través de su productora SpectreVision.

Solo en los últimos cinco años, SpectreVision ha presentado algunas de las ofertas de género más queridas (y más a la izquierda del centro) en la actual 'edad de oro del horror': Una niña camina sola a casa por la noche, El chico, El estrangulador grasientoy la obra de venganza alucinante del año pasado Mandy entre ellos. Puede continuar y agregar Adam Egypt Mortimer's Daniel no es real, porque es otra adición brutal y completamente loca al creciente canon SpectreVision.

No vamos a decir mucho sobre Daniel no es real aquí, porque decir algo sobre la película probablemente arruinaría sus encantos cautelosos y desconcertantes. Simplemente diremos que la película (en parte thriller psicológico, en parte pseudo-sobrenatural, y en parte algo ... completamente inesperado. La historia sigue a un estudiante universitario con problemas (Miles Robbins) que recurre a su amigo imaginario de la infancia (Patrick Schwarzenegger) para el consuelo después de una tragedia familiar. También deberíamos decir que dicho amigo era un sociópata completo cuando era niño, y solo se ha vuelto más loco con el tiempo. Todo eso significa que la vida para el joven con problemas, y todos los que lo rodean, se ensangrenta y se vuelve loco de maneras cada vez más extrañas.

En tela

Si lograste soportar las primeras tres películas de Peter Strickland: el thriller de venganza de 2009 Katalin Varga, 2012 intrigantemente abstruso Berberian Sound Studioy el drama teñido de S&M de 2014El duque de borgoña, sabes que cada película es más enloquecedoramente abstracta e indudablemente absorbente que la anterior. Parece que los gustos cinematográficos peculiares de Strickland apenas han flaqueado en los cinco años transcurridos desde El duque de borgoña cines de gracia. De hecho, parece que esas primeras películas fueron simplemente preparadas para su último brebaje. En tela

Y no te confundas En tela es sin duda la película más salvaje que Strickland ha hecho hasta la fecha. También es uno de sus mejores. Ubicado en una pequeña ciudad británica, En tela comienza con una divorciada de buen corazón (Marianne Jean-Baptiste) que vuelve a la escena de las citas. Después de emparejarse con un compañero potencial, ella decide comprar un vestido nuevo para la ocasión. Una vez que entra por las puertas de los grandes almacenes Dentley y Soper, bueno, digamos En tela se pone muy, muy raro cuando un vestido poseído comienza a causar estragos en la vida de todos los que lo encuentran.

Lo has leído bien, el 'villano' de En tela es una prenda asesina, pero esa es solo la punta del extraño iceberg para la película, ya que hipnóticamente se transforma en una pesadilla, un festival de humor metafísico teñido de giallo, lleno de inquietantes adornos fetichistas, barras laterales sangrientas y vuelos impetuosos de fantasía febril como profundamente inquietante. ya que son extrañamente fascinantes.

El ruiseñor

Cuando el director deEl exorcista afirma que tu película es 'la película más aterradora' que ha visto, claramente has hecho algo bien. Pocos estarían en desacuerdo con que Jennifer Kent entregó los bienes cuando ella soltado El babadook en el mundo en 2014. Pero un éxito como ese sin duda eleva las expectativas para su película de seguimiento, particularmente entre los fanáticos que buscan otro dulce de terror que induzca pesadillas.

Tal vez en reacción a esas expectativas, Jennifer Kent evitó el género de terror por completo para su seguimiento, en lugar de entregar un thriller del siglo XIX ambientado en las peligrosas vistas del desierto de Tasmania. Pero eso no quiere decir que Kent se ablande por su seguimiento de El babadook, porque podemos asegurarle El ruiseñor A menudo es tan horrible.

De hecho, le diremos por adelantado que hay un puñado de escenas en El ruiseñor que incluso los fanáticos del horror tendrán dificultades para sentarse. Uno en particular involucra la brutal violación del protagonista de la película (interpretada con una intensidad desgarradora y nerviosa por Aisling Franciosi), una escena en la que la agresión sexual no es lo más atroz que puede ocurrir. En realidad, el horror abominable del momento triunfa sobre todo lo que Kent soportó. El babadook, y pone en marcha un vengativo cáustico y antiimperialista sobre una mujer despreciada para vengarse de inimaginables males. Sin estropear la persecución, simplemente diremos que el camino a la venganza está plagado de sus propios terrores. En el camino, Kent presenta una película de persecución emocionalmente contundente, tan brutal como inquebrantable e impresionantemente compasiva.