Las mejores escenas de cine de 2019 hasta el momento

Por Amy Roberts/30 de julio de 2019 4:05 pm EDT

Lo mejor de todo es siempre subjetivo. La basura de una persona es el tesoro de otra, después de todo. Es cierto en casi todas las formas de entretenimiento, y es especialmente cierto cuando se trata de escenas de películas. Si bien puede seguirse lógicamente que las mejores escenas de películas del año vendrán de lo que el público generalmente considera las mejores películas del año, también es cierto que a veces las mejores escenas provienen de películas que no se destacan de ninguna manera, pero que sobresalió en uno o dos momentos que despertó la atención del público en todas partes.

Las mejores escenas de películas son a menudo las que despiertan curiosidad y debate o unen a una audiencia en completo y absoluto horror, hilaridad, confusión, triunfo o disgusto. Pueden aterrizar perfectamente en conversaciones ya existentes con respecto a la cultura pop o la sociedad misma, pero lo más importante, también son escenas que son tan simples como sea posible.



Con eso en mente, estas son las mejores escenas de películas de 2019 hasta ahora. Sí, habrá spoilers.

La autoevaluación del Capitán América en Avengers: Endgame

Para comprender la verdadera grandeza de laVengadores Juego Final En la escena en la que el Capitán América (Chris Evans) de 2012 se enfrenta al Capitán América de 2023, primero debe apreciar el comentario hecho por Scott Lang (Paul Rudd) anteriormente en la película de que el héroe patriótico tiene 'El culo de América' - una observación con la que incluso los hombres heterosexuales más ardientes probablemente no estarían en desacuerdo.

los hazaña técnica del Capitán América luchando contra sí mismo Es impresionante por derecho propio. Una combinación de algunos efectos visuales realmente impresionantes, una iluminación inteligente y una coreografía perfecta por parte del actor y sus dobles hacen que la escena sea completamente perfecta, dejando espacio para todos los ingeniosos ritmos cómicos que aparecen durante ella.



El resultado es una escena memorable que paga a los fanáticos sin desviarse de la trama. En última instancia, también es una escena que ofrece un gran homenaje a un personaje que cierra el círculo al final. Pero es el momento final que sirve la mejor recompensa, y posiblemente el momento más divertido de todo MCU. Después de derrotarse a sí mismo en 2012, el Capitán América se toma un momento para comprobarlo (como lo haría) antes de comentar: 'Eso es ¡El culo de América!

Si la Academia no inventa una categoría completamente nueva de America's Ass en los Oscar de este año con la que le dará a Evans el trofeo que se merece de todo corazón, entonces simplemente no hay justicia en este mundo.

Tree vive sus mejores muertes en Happy Death Day 2U

los Feliz dia de la muerte continuación Puede caminar más de una ruta de ciencia ficción que el camino del horror de la primera película, pero nunca pierde su sentido del humor macabro y campy. Esta vez, Tree se encuentra despertando en una realidad alternativa donde su madre todavía está viva, su novio está saliendo con su enemigo, y una vez más está atrapada en un ciclo de tiempo que se restablece cada vez que muere.



En el punto medio de la película, Tree y su pandilla de nerds científicos de confianza descubren que pueden arreglar el ciclo del tiempo, pero que también necesitan ganar algo de tiempo para probar sus teorías y resolverlo. Desafortunadamente para Tree, eso significa que tiene que ser un registro humano de su trabajo, y también tiene que suicidarse repetidamente para que puedan seguir restableciendo la línea de tiempo. El montaje resultante, ajustado perfectamente al himno de supervivencia optimista de Paramore 'Tiempos difíciles, 'Es una secuencia magistral de humor negro que le da a Tree un sombrío sentido de autoridad sobre su vida y muerte.

Torpe pero consciente de sí mismo, la escena muestra una serie de muertes macabras relativamente libres de sangre que involucran astilladoras de madera, limpiadores de desagües y electrocución. Pero lo mejor implica que Tree se caiga libremente de un avión en ropa interior y rompa la cuarta pared para voltear a la audiencia antes de explotar en el suelo justo en frente de su novio y su novia actual. Es muy divertido.

¡Billy enciende a su familia en Shazam!

Shazam! Es fácilmente una de las mejores películas del año hasta ahora, y también la más inesperadamente brillante. Si todos somos honestos, ¿alguien realmente esperaba que esta película fuera el placer excepcionalmente inteligente, ingenioso y conmovedor que resultó ser? Probablemente no.



La película muestra su mejor mano durante el clímax, donde Billy supera al engreído villano Dr. Sivana al alentar a sus hermanos adoptivos a alcanzar el cetro encantado de Shazam para que puedan compartir su poder entre ellos. Los niños, todos ellos deliciosamente excéntricos a su manera, se transforman en superhéroes adultos que pueden ayudar a su nuevo hermano a salvar el día.

Es un momento estruendoso y uno que une los temas centrales de la película que giran en torno a la importancia de la familia, pero también el valor de las configuraciones familiares no convencionales. Y la familia Shazam, volando por el cielo como superhéroes adultos y trabajando juntos para dar una paliza satisfactoria, es tan poco convencional como parece.



El enfrentamiento ballet al final de nosotros

La joya de la corona de una película repleta de escenas destacadas, Lupita Nyong'o ofrece una increíble actuación dual en este enfrentamiento final entre doppelgängers Adelaide y Red enNosotros. Ambientado en el mundo subterráneo de The Tethered y anotado por el 'Remix atado'de Luniz' I Got 5 On It ', la escena (que era filmado en solo dos días) es una obra maestra de ritmo, tono y coreografía perfectos.

Mostrando a Adelaide y Red enfrentados por última vez, intercalados con secuencias de los dos compartiendo un recital de ballet que se divide entre el mundo de arriba y el de abajo, director Jordan Peele infunde la secuencia con un ritmo fragmentado que realmente aumenta la tensión.

Es una pelea que resalta lo que está en juego: el deseo de disfrutar del libre albedrío en un mundo mucho más agradable y la oportunidad de una vida feliz con una familia amorosa. Pero también sirve el aterrizaje explosivo del giro final que Peele arroja diabólicamente durante las escenas de cierre de la película: Adelaide y Red cambiaron de lugar cuando eran niños, y la mujer que hemos estado animando todo el tiempo puede haber sido realmente el villano. Es desconcertante por decir lo menos.

La corta escena de amor de Long Short

Históricamente, el cine no siempre ha sido el más preciso cuando se trata de representar el sexo de la manera en que lo hace un mortal normal. En lugar de mostrar lo a veces asqueroso, a menudo incómodo y ocasionalmente muy breve aspectos de dos humanos que lo captan, las películas se centran en el sexo épico, perfecto y espectacular.

Que es lo que hace que la escena de sexo abrupta entre el periodista inconformista de Seth Rogen y el candidato presidencial de Charlize Theron en comedia política Tiro largo tanto más intrigante. Dura aproximadamente diez segundos y de alguna manera ambas partes quedan satisfechas al final, no solo el tipo. La escena dibujó ira inmediata de algunas mujeres que estaban comprensiblemente frustradas con la representación de una mujer que llegaba al clímax con tanta facilidad.

Sin embargo, eso también es parte de la fuerza de la escena: es inesperada, un poco torpe y maravillosamente imperfecta. Crucialmente, la extrañeza del momento no se aborda, y ambos personajes discuten inmediatamente la rareza de tal rápida satisfacción. Al hacerlo, la escena ofrece una breve pero bienvenidacomentario sobre clichés de Hollywood de personajes femeninos aparentemente súper fáciles de despertar.

Quizás lo más interesante, sin embargo, es por qué la escena puede haber sido tan corta. Theron ha dicho que una de las razones es porque ella era simplemente 'cansado ese día'y' no querían hacer todo el trabajo '. Lo cual, como Rogen ha replicado, es muy parecido al sexo real.

Keanu Reeves como él mismo en Always Be My Maybe

2019 ha sido oficialmente el año de Keanu Reeves y ha tardado mucho en llegar, finalmente uniendo a los críticos y al público para celebrar descaradamente al actor notoriamente privado como una marca rara y legítima de estrella (y aparentemente un hombre muy agradable), tanto en la pantalla como fuera de ella.

Es una idea que la comedia romántica original de Netflix Siempre seras mi quizás empuja al centro del escenario con orgullo antes de deconstruir el querido estado de Reeves para grandes risas. La escena está perfectamente configurada, con Sasha (coguionista Ali Wong) esperando a que llegue su misterioso nuevo novio mientras está en una cita doble con el viejo Marcus (Randall Park), quien claramente ya está nervioso por conocer al chico que ahora está saliendo con el El amor de su vida.

Cuando Reeves finalmente entra, el director Nahnatchka Khan le da al momento explosivo la seriedad y el drama que se merece. El actor se desliza por el restaurante en cámara lenta y detiene todo el porro. Es comprensible que Marcus esté horrorizado.

Es una joya cómica de una escena que ve a Reeves representando una versión delirante de sí mismo: exaltado, excitado como el infierno y lleno de intentos triviales de filosofías conmovedoras como: 'Las únicas estrellas que importan son las que miras cuando sueñas. ' La escena está tan perfectamente ejecutada y sincronizada, golpeando a este zeitgeist de Keanussance en el momento justo, que prácticamente envuelve el resto de la película.

Fyre revela un inquietante plan de pago por agua

Cuando el muy esperado documental sobre los niños ricos tiene un mal momento chicos, Estrenada en Netflix, la gente en Internet produjo una asombrosa sorpresa colectiva de memes desconcertado por las revelaciones de Andy King, el sufridor planificador de eventos de los absurdamente condenados Fyre Festival

La película es una visión deslumbrante pero cautivadora de lo que sucede cuando un festival de lujo a gran escala solo recibe una planificación a nivel de superficie y no tiene una logística razonable para que esto suceda. Así que es increíble, pero dolorosamente plausible, cuando a mitad de camino King revela que el fundador del Fyre Festival, Billy McFarland, le pidió que 'tomara una gran cosa para el equipo' (y es algo literal gran cosa) para obtener agua potable a través de la aduana.

Pero no es solo la audacia de McFarland el pedirle a un miembro gay de su personal que realice un acto sexual con un hombre que continúa provocando una conversación en línea. También es la aceptación devota de King de que simplemente tenía que hacer lo que McFarland dijo para salvar el festival. '¿Puedes imaginar?' él pide. 'En mis treinta años de carrera, esto es lo que estaba dispuesto a hacer. '

Comprensiblemente, King solicitó a los realizadores que eliminaran la anécdota del documental, pero fue aparentemente dicho del director Chris Smith, 'Sin esa escena, no hay un documental'. Smith no estaba equivocado. El momento inquietante es la pieza clave de toda la impactante debacle, y es tristemente representativo de una economía de la cultura del concierto donde a los trabajadores se les pide constantemente que vayan más allá de su trabajo.

El conmovedor cameo de Capitán Marvel de Stan Lee

los homenajes fueron legítimamente infinitas cuando la leyenda del cómic Stan Lee murió a la gran edad de 95 años en noviembre de 2018. Además de ayudar a crear algunos de los héroes de cómics más venerados de todos los tiempos, Lee sigue siendo un icono cultural pop apreciado, uno cuyo estatus como leyenda fue repetidamente defendido en todos los cameos Lo hizo dentro del Marvel Cinematic Universe.

Eso es lo que hace su cameo Capitán Marvel tan malditamente emocional Si no arrojaste al menos una sola lágrima en el cine por su apariencia, y la sonrisa sabia de Carol Danvers (Brie Larson) en su dirección, entonces puedes estar muerto por dentro.

Ambientada en 1995, la escena muestra a Lee leyendo el guión de Mallrats, una película en la que también disfrutó de un breve cameo durante una escena junto a Jason Lee. Resulta que no solo el público tuvo un nudo en la garganta durante la escena. Mallrats el cineasta y aficionado a los cómics Kevin Smith confesó que él era 'un desastre llorón'después de verlo.

Tener a Lee cameo como él mismo en la escena proporciona un tributo amoroso y único al hombre a quien la cultura pop le debe tanto. Pero también destaca uno de los aspectos más importantes de muchas de las películas recientes de MCU: su capacidad de ser conscientes de sí mismos al tiempo que proporciona momentos emotivos que se adhieren positivamente a los fanáticos.

La pelea de cuchillos desordenada en John Wick: Capítulo 3

Seamos honestos.John Wick: Capítulo 3 - Parabellum está repleto de piezas y escenas escandalosas que podrían y deberían estar en esta lista. Entre Wick reclutando la ayuda de un caballo y algunos perros especialmente entrenados para el asalto a gran escala en el continental - Francamente, tenemos muchas opciones. Pero la pelea de cuchillo al azar que tiene lugar en la tienda de antigüedades está en otro nivel.

El director Chad Stahelski, un gran fan de Sergio Leone, ha declarado que la escena es 'una oda directa a Lo bueno, lo malo y lo feo, 'con Wick buscando un arma antigua que pueda armar para defenderse de sus atacantes. Sin embargo, en el caos de encontrar y construir el arma, Wick se encuentra inmerso en una torpe pelea de cuchillos realista que equivale a poco más que un grupo de tipos que se lanzan objetos afilados entre sí y no logran que la mayoría de ellos se peguen.

'Es solo realidad. Todo el mundo ha lanzado un cuchillo y no está atrapado y rebotó '', dijo Stahelski Polígono. 'Tenemos a todos estos asesinos arrojando cuchillos y nada se pega y uno se pega aquí y ese no ... Solo pensamos que sería gracioso'. El resultado es una secuencia de acción casi perfecta con coreografías tan oportunas para la tensión como para la comedia.

Charlotte y Lizzie se vengan en The Perfection

En los últimos años hemos visto una nueva cosecha de películas de venganza con cara de mujer como AMF, Infierno fríoy Venganza llevando el género gastado al público moderno. Aunque brillantes, estas películas no desafían exactamente la naturaleza formulada de sus predecesores. Entra Richard Shepard's La perfección, una película con un giro en la película de venganza tan violentamente inesperada que legítimamente enfermó al público

Una de las formas en que la película sobresale es ahorrando al público cualquier escena gratuita de los actos por los cuales las protagonistas buscan venganza. De hecho, la película solo se convierte realmente en una narrativa de venganza por violación en el acto final de la película, en la que Lizzie (Logan Browning) y Charlotte (Allison Williams) revelan su lealtad después de convertirse en amantes y luego enemigos, siguiendo su rivalidad profesional inicial.

Influenciado por películas de explotación y el trabajo de Park Chan-Wook, la escena en la que Lizzie y Charlotte se unen para matar al mentor de música sexualmente abusiva Anton (y el resto de su equipo salvaje) es una sinfonía de retribución violenta repleta de giros y sorpresas. Todo eso nos lleva a la toma final de la película: un epílogo en el que Charlotte y Lizzie tocan el violonchelo juntas mientras Anton, ahora sin extremidades, con los ojos y la boca cerrados, se ve obligado a escuchar en silencio inmóvil. ¿Es ridículo? Si. ¿Pero es también una locura, perversamente satisfactoria? ¡Puedes apostar!

Hoboman mata a su mayor crítico en Velvet Buzzsaw

La aguda sátira del mundo del arte de Dan Gilroy dividido consenso crítico y de audiencia debido a la audaz combinación de terror campy, simbolismo sutil y actuaciones de masticación de paisajes. De todos modos, sigue siendo una película única amada por aquellos que aprecian tales cosas. Con una historia que sigue tenuemente algunos literalmente obras de arte asesinas y un conjunto de brutos de la industria del arte pretencioso que posteriormente son asesinados por las obras que destrozan en sus críticas, Velvet Buzzsaw está lleno de declaraciones sobre los peligros de reducir el arte a una mercancía.

No hay ningún momento en el que esta idea brille más que aquella en la que el crítico de arte salvaje Morf (Jake Gyllenhaal, en plena forma) es brutalmente perseguido y asesinado por una obra de arte llamada Hoboman, una pieza que critica la falta de valor puesta en la vida humana. Infundir en la escena algunas deliciosas chispas de ironía es el hecho de que esta es la misma obra de arte que Morf no tiene valor al comienzo de la película cuando presenta una crítica al respecto que envía la pieza a un almacenamiento indefinido.

Ver a Hoboman atrapar y meter a Morf en una tumba temprana proporciona una justicia deliciosamente poética en un momento en que el papel del arte (y los críticos que pueden matarlo) sigue siendo un tema candente de conversación.

La inquietante escena de sexo de Christian en Midsommar

Nadie esperaba que Ari Aster sirviera ni siquiera una cucharada de buenos momentos después de servir diez cucharadas de pesadillas totales con su debut de terror Hereditario. Y aunque no son las vacaciones suecas de National Lampoon, Pleno verano de alguna manera equilibra una sensación continua de temor con una comedia verdaderamente oscura.

Es una faceta que se destaca durante el punto de inflexión del tercer acto de la película, cuando Christian, el peor novio del año (Jack Reynor), es drogado y obligado a tener relaciones sexuales con una mujer que no es su novia, Dani ( Florencia Pugh). Para que sea aún más incómodo para todos, también hay un grupo de mujeres mayores desnudas que guían a Christian hasta su finalización porque, bueno ...Por qué no

La escena se desarrolla como el mordaz mordaz de una broma perfectamente elaborada. Es la conclusión extrañamente inevitable de varias líneas argumentales que incluyen a Christian comiendo un pastel de hechizo de amor horneado con un ingrediente perturbador y Dani sabiendo desde la primera escena de la película que su novio la dejará, un hecho aún más devastador cuando ella lo atrapa en el acto con la mitad de la población del pueblo.

Es una experiencia de audiencia claramente desorientadora en la que el espectador no está seguro de si reírse o encogerse. Aunque obviamente hay escenas más poderosas y horribles en Pleno verano, este es el que mejor muestra el talento de Aster para subvertir las expectativas de la audiencia de la manera más sorprendente y devastadora posible.

El baile de la victoria de Arthur en Joker

El baile de la libertad. Las campanas de la muerte. La sensación viral instantánea de Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) que se balancea con un golpe de un solo hombre y baja un conjunto de pasos hacia 'Rock and Roll Part 2'. Todd Phillips bufón ha sido una de las películas más comentadas (y divisivas) del año. Y si bien hay muchas escenas en la película que son más incómodas o temáticamente significativas, es la imagen de Fleck celebrando victoriosamente su descenso a un dominio violento que se ha vuelto instantáneamente icónica.

Comprensiblemente, se convirtió en un meme instantáneo, mezclado con todo, desde Peppa Pig a Los Simpsons, prestándole una potente moneda cultural. Los pasos basados ​​en el Bronx donde se filmó la escena incluso se convirtieron invadido por turistas durante la noche, ansiosos por tomarse fotos en poses similares. Algunos de ellos ni siquiera habían visto la película todavía, pero entendieron su rico valor de Instagrammable.

Independientemente de si es la mejor escena en bufón, el momento resume perfectamente gran parte del debate sobre la naturaleza polarizante de la película. Para algunos, la juerga de enloquecedora emancipación de Fleck de un mundo que ha abusado y le ha fallado es prueba de bufóna menudo brillo sin palabras. Para los detractores, es un testimonio de lo que creen que es un ejercicio de superficialidad espeluznante- uno que ofrece poca profundidad en la conversación sobre peligros sociales inquietantemente actuales. Cualquiera sea su opinión al respecto, es probable que todos sigamos hablando de ello durante algún tiempo.

Tarantino corrige la historia en Once Upon in Hollywood

Es justo como Anton Chekhov dijo una vez: si vas a tener un lanzallamas ardiente en el primer acto de tu historia, entonces será mejor que explotes a ese chico malo en el Familia Manson por el acto final. Quentin Tarantino hace exactamente eso en el desenlace profundamente satisfactorio de su película de época revisionista, que ve Sharon tate (Margot Robbie) escapa de su destino infamemente espeluznante de la vida real, mientras que Cliff Booth (Brad Pitt) y Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), bros-for-life de Hollywood, hacen carne picada de la desquiciada banda de Charles Manson.

Ofreciendo una fantasía de derramamiento de sangre que depende en gran medida de lo sombrío subtexto del asesinato de Tate Para atraer la euforia y la risa de la audiencia, Tarantino se adentra en un territorio absurdo al mostrar a Booth desplegando sus habilidades de doble para representar algo de violencia en la vida real contra algunas personas muy malas. Los cráneos se rompen, las latas de comida para perros se convierten en misiles, y abunda la espeluznante palmada. Mientras tanto, un desperdicio de Dalton flota en su piscina con un par de auriculares gigantescos, felizmente ajenos a la violencia que ocurre dentro de su propia casa.

Tarantino ha sido cuestionado repetidamente sobre su postura sobre si la violencia en pantalla influye en la violencia del mundo real, y ha permanecido sin cambios en su opinión de que 'la violencia de la vida real es violencia de la vida real. Las peliculas son peliculas.' Érase una vez en Hollywood, y particularmente su final feliz de salpicaduras, puede ser su declaración más audaz al respecto, llevando a dos personajes que trabajan con violencia ficticia a un momento de trauma en el mundo real. Y al hacerlo, el cineasta ofrece un final correctivo de cuento de hadas para una horrible masacre histórica.

Usher golpea el club en Hustlers

Película de crimen de Lorene Scafaria Hustlers podría ser uno de los estudios más inesperadamente brillantes sobre el colapso del mercado de valores de 2008 que se filmó. Siguiendo a un grupo de strippers que roban miles de dólares de hombres ricos después de que el accidente pone una abolladura colosal en sus negocios, Hustlers proporciona una clara distinción entre el hedonismo estadounidense anterior a 2008 y la recesión que siguió duramente. Al recordar el último gran momento del club de striptease (y posiblemente incluso de Estados Unidos) donde ella y sus chicas trabajaron antes del accidente, Destiny (Constance Wu) describe la noche en que Usher vino a la fiesta, y la escena resultante es un espléndido retrato de codicia y exuberancia.

Filmado usando Benjamins reales (porque, como recordó Wu, Scafaria pensó 'el dinero falso se veía demasiado raro') y presentando a Usher interpretándose a sí mismo, la escena es tanto una fantasía jubilosa del exceso de finales de 00 como un viaje nostálgico descarado, todo sonado por el' Amor en este club 'de Usher. El resultado es una escena que se deleita en ser meta, mientras palpita con la ironía dramática de que esta casa de Benjamins está a punto de caer en cualquier momento. Como dijo Scafaria Emocionante, la escena es fundamental por muchas razones. 'Creo que todos estábamos alcanzando un pico cultural antes del accidente'. Creo que la cultura pop estaba ... llegando a un punto alto. Todos vivían en exceso. Se sentía como si lloviera dinero del cielo y luego, obviamente, no era el siguiente ''.

El enfrentamiento de Samoa en Hobbs y Shaw

Rápido y Furioso Los fanáticos de las franquicias saben qué esperar con la llegada de cada nueva película: acción más grande, mejor e incluso más absurda que la anterior. El enfrentamiento de Samaon de Regalos rápidos y furiosos: Hobbs & Shaw verdaderamente intensificó el juego y pagó el servicio de fanáticos a aquellos que por mucho tiempo se deleitaron con las habilidades absurdamente sobrehumanas de los hombres machistas de la película. Esta vez, Luke Hobbs de Dwayne Johnson bajó un helicóptero con sus propias manos, sentando un nuevo precedente para los delirantes escaparates de machismo de la franquicia.

Pero también era mucho más grande que una simple flexión loca de hipermasculinidad. Ambientada en Samoa con un gran elenco de actores polinesios para ayudar a derribar al mercenario genéticamente mejorado de Idris Elba, la escena utilizó una cultura que rara vez recibe representación en pantalla para una de las piezas más grandes de la franquicia. El guionista Chris Morgan incluso historias incorporadas de la educación de Johnson para darle a la escena cierta autenticidad familiar al desarrollar una historia de fondo fundamentada para Hobbs, con el primo de Johnson (Joe Anoa''i, mejor conocido como el luchador Roman Reigns) también protagonista de la escena. Johnson dijo El timbre, 'Fue una oportunidad real para mostrar una de mis propias culturas auténticas al mundo'.

Posteriormente, la escena combina la acción de alto octanaje con un patetismo genuino, explorando el estrés demasiado relacionado que puede surgir cuando haces un regreso retrasado a casa (para descubrir que tu madre ha tirado todas tus pertenencias preciosas, nada menos ) Pero con un montón de puñetazos y explosiones que afortunadamente no suceden en nuestros propios hogares.

El cumpleaños del baño de sangre en el parásito

Ofreciendo una sátira abrasadora que explora las divisiones de clase cada vez más amplias, la obra maestra cómica de Bong Joon-HoParásito proporciona una narrativa conmovedora e impactante llena de desgarradores e inesperados giros. Al explorar la historia de una familia indigente que se abrió camino para trabajar como individuos para una familia obscenamente rica, la película llega a una conclusión espantosa en la que los pobres se ven obligados a luchar entre ellos incluso por los más humildes y horribles retales. Cada tema explorado por Joon-Ho llega a un punto crítico durante la fiesta de cumpleaños en el acto final, durante el cual un hombre que ha estado viviendo en el sótano de la casa de la familia rica emerge por un violento acto de venganza.

Es una avalancha de derramamiento de sangre que llega aparentemente de la nada y que se intensifica hasta fines trágicos. Aquellos que viven en la servidumbre y (literalmente) debajo de esta familia rica terminan enfrentándose uno contra el otro en lugar de reconocer a los verdaderos villanos que mantienen su lucha: la familia rica que es ajena a su sufrimiento. Para una película que se deleita con la marca autodescrita de Joon-Ho de 'humor poco convencional', la secuencia impredecible y espeluznante anuncia el mensaje central de la película con un golpe gutural que conduce directamente a una conclusión taciturna. Como dijo el cineasta Buitre'Es bastante cruel y triste, pero pensé que era real y honesto con el público'.