Los mejores debuts como director de todos los tiempos.

Por Nolan Moore/7 de junio de 2019 12:50 pm EDT

En 1941, RKO Radio Pictures lanzó Ciudadano Kane, una película que cuenta la historia de un magnate de los periódicos ficticios que sube al poder y pierde su alma. Es un poderoso estudio de personajes que presenta técnicas innovadoras de cámara, imágenes asombrosas y fantásticas interpretaciones de un prestigioso elenco. Y cerca de un siglo después, Kane es ampliamente aclamada como la mejor película jamás realizada.

Eso es un gran elogio allí mismo, y es especialmente impresionante porque Ciudadano Kane marcó el debut como director de Orson Welles (quien también protagonizó, coescribió y produjo). Welles tenía solo 25 años cuando firmó el proyecto; aunque era un maestro de la radio y el teatro, nunca antes había hecho una película. Pero eso no impidió que el prodigio creara una de las películas más aclamadas de la historia y estableciera el estándar para los debuts de directores.



Ahora, es bastante difícil superar Ciudadano Kane, pero muchos cineastas primerizos han dado su mejor tiro. Después de comenzar con cortometrajes, programas de televisión, videos musicales o escritura de guiones, estos recién llegados irrumpieron en la escena con largometrajes que nos dejaron a todos asombrados. Tal vez debutaron con una película de ciencia ficción o un éxito de terror, o tal vez se presentaron con una comedia o un thriller. Cualquiera que sea el género, estos cineastas pusieron todo lo que tenían en sus primeras películas, dándonos los mejores debuts como director de todos los tiempos.

Jennifer Kent nos asustó hasta la muerte con The Babadook

Si está en una palabra o en un aspecto, no puede deshacerse de El babadook- Esta película de terror australiana llegó para quedarse. Lanzado en 2014, El babadook El público aterrorizado (especialmente los padres) en todo el mundo, y la mujer que dio vida a esta película extraña fue la directora por primera vez Jennifer Kent. Originalmente, Kent comenzó como actriz, pero su trayectoria profesional cambió después de enviando un correo electrónico a Lars von Trier y preguntando si ella podría trabajar en su minimalista e increíblemente deprimenteDogville. Después de obtener experiencia de primera mano trabajando como parte del accesorio directivo de von Trier, Kent pasó a dirigir un episodio de un programa de misterio australiano llamado Dos retorcidos antes de hacer un cortometraje llamado Monstruo. Que eventualmente se convirtió en El babadook, con su espeluznante libro emergente y su ghoul con sombrero de copa.

Luchando con el poder devastador del dolor y la depresión, la película fue aclamada de inmediato como un clásico de terror. Además, nos dio un monstruo emblemático, uno que es tan icónico como Freddy Krueger o Michael Myers (y quién se ha convertido desde entonces un icono LGBT) Y cuando Stephen King y William Friedkin (El exorcista) dicen que su película es una de las películas más aterradoras jamás realizadas, esa es una muy buena manera de comenzar su carrera.



David Lynch se puso todo surrealista con Eraserhead

Ya sea que esté en la televisión o en la pantalla grande, David Lynch es el rey de las imágenes de sueños extraños. Leer la filmografía de este hombre es como recordar un montón de hermosas pesadillas. Ha dirigido clásicos como Mulholland Drive, Terciopelo azuly Salvaje de corazón, y luego está el mundo nostálgico y desconcertante de Picos gemelos. Pero antes Autopista perdida o Imperio interior, Lynch se estaba volviendo todo surrealista con Borrador

Esta fantasía en blanco y negro es una mirada inquietante a los horrores de la paternidad, pero convertir a Jack Nance en un ícono de peinado no siempre fue el objetivo número uno de Lynch. En realidad comenzó como pintor, estudiando en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Pero un día, Lynch imaginó sus pinturas moviéndose, y eso lo inspiró a hacer algunas cortometrajes inquietantes me gusta 6 hombres enfermarse 6 veces y El alfabeto. A partir de ahí, Lynch dirigió su primer largometraje, una historia experimental ambientada en un infierno industrial, una poblada de gallinas sangrantes y el bebé más aterrador del cine. Y más de 40 años después, la película todavía tiene un golpe siniestro y surrealista. No hay temblar el temor de Borrador.

Ryan Coogler rompió nuestros corazones con Fruitvale Station

En 2018, Ryan Coogler hizo historia en Hollywood con Pantera negra. los Marvel la película ganó la friolera de $ 1.3 mil millones, por lo que es la película más taquillera de la historia por un director negro. Aún más impresionante, fue la tercera película de Coogler. Así es -terceropelícula. En un período de tiempo increíblemente corto, Coogler se ha convertido en uno de los cineastas más importantes que trabajan hoy en día, pero este chico tuvo un zumbido antes de presentarnos a todos a Wakanda. En un momento, Coogler era un estudiante de cine de la USC que hacía cortometrajes reflexivos sobre un joven recibiendo un corte de pelo o una prostituta tratando de empezar una nueva vida. El siguiente, él estaba dirigiendo Estación Fruitvale, una película biográfica desgarradora sobre Oscar Grant, un joven negro asesinado a tiros por un policía blanco.



Es una película trágica pero hermosa, del tipo que extraerá cada lágrima del cuerpo humano, y también marcó la primera colaboración de Coogler con su musa principal, Michael B. Jordan. Los dos unirían fuerzas nuevamente para Creed y lo anterior Pantera negra, y aunque esas películas son lo mejor del género de éxito de taquilla, esEstación Fruitvale eso deja al público llorando, hirviendo y pensando mientras pasan los créditos.

Jordan Peele nos asustó con Get Out

Antes de que llegara el 2017, Jordan Peele era mejor conocido como un brillante comediante, gracias a su trabajo con Keegan-Michael Key en programas como TV loca, Fargoy obviamente Key y Peele. En ese momento, nadie podría haber adivinado que Peele se convertiría en el moderno Rod Serling, pero en realidad, las pistas estuvieron allí todo el tiempo en sus bocetos de comedia que abordaron temas comorelaciones raciales y el género de terror. Aun cuando Sal Finalmente llegó a los cines, los críticos y el público quedaron impresionados y temblando en sus botas.

La película fue una combinación perfecta de risas y escalofríos, y nos dio una de las imágenes más icónicas de la historia de las películas de terror: The Sunken Place. La película también atrapó múltiples reconocimientos de Oscar, incluidos los de Mejor película y Mejor director. Y mientras Peele perdió el premio de dirección a Guillermo del Toro, lo hizo alejarse con el Oscar al mejor guión. Por supuesto, probablemente deberíamos enfatizar que Peele obtuvo una nominación al Mejor Directorpara su primera película. Además de eso, la película ganó $ 250 millones en la taquilla, se convirtió en un hito tanto para el cine de terror como para el cine negro, y cambió para siempre la forma en que pensamos tazas de té. No está mal para un debut como director.

Ben Affleck se reinventó con Gone Baby Gone

Ben Affleck estaba en un punto extraño en su carrera antes Gone Baby Gone. El actor tuvo su gran oportunidad diez años antes con Buena voluntad de caza, ganando un Oscar junto a Matt Damon por Mejor guión. Luego comenzó a acumular grandes papeles en películas populares como Shakespeare enamorado y Armagedón. Pero a principios de la década de 2000, Affleck protagonizó una serie de las peores películas jamás hechas, incluyendo Gigli, Daredevily Sobrevivir a la Navidad. El actor estaba en una espiral descendente, y fue entonces cuando tuvo una idea brillante: ¿qué pasaría si se sentara en el otro lado de la cámara?

Por supuesto, Affleck tenía experiencia como director con un cortometraje del '93 titulado, ejem, Maté a mi esposa lesbiana, la colgué en un gancho de carne y ahora tengo un trato de tres fotos en Disney, pero Gone Baby Gone Fue un desafío completamente diferente. Este fue un largometraje basado en una novela de Dennis LeHane, que se produjo solo cuatro años después de la adaptación de prestigio de Clint Eastwood de LeHane río Místico. Pero después de luchar durante tanto tiempo en el sistema de Hollywood, Affleck finalmente se restableció con este thriller de misterio. Es una película que vive y respira las arenosas calles de Boston y presenta excelentes actuaciones de Casey Affleck, el hermano pequeño de Amy Ryan y Ben. Es oscuro, devastador y prueba de que Affleck está totalmente en casa en la silla del director.

Ana Lily Amirpour hizo una joya que dobla el género con A Girl Walks Home Alone at Night at Night

Mientras El lote malo provocó controversia con su ritmo ácido de tripa y Aquaman carnívoro (para el registro, creemos que es subestimado criminalmente), no se puede negar que Ana Lily Amirpour es una cineasta con una visión única e inusual. La directora estadounidense-inglesa-iraní ha estado haciendo películas desde que tenía 12 años, pero después de graduarse de la UCLA, obtuvo comparaciones con Quentin Tarantino y Jim Jarmusch con su debut como largometraje, Una niña camina sola a casa por la noche

Una historia sobre el anhelo, la soledad y los patinadores no muertos, esta no es tu película de vampiros corriente. Es en blanco y negro, todo está en farsi, y se siente como Nosferatu puré con Un puñado de dólares. Amirpour autofinancia la película con un Campaña Indiegogoy, como resultado, creó una película sexy y elegante ambientada en el árido mundo de Bad City, un lugar donde un vampiro con chador acecha a hombres horribles, donde todo está acompañado de indie rock, y todos toman prestada su vibra del El legendario James Dean. Si bien las películas de vampiros ciertamente parecieron jugarse en 2014, Amirpour revitalizó el género con su sensibilidad Spaghetti Western, asegurándose de que todos se dieran cuenta de su sangriento buen debut.

Ari Aster nos hizo aterrorizar a nuestras familias con Hereditary

¿Qué pasaría si Wes Anderson y Stanley Kubrick decidieran unir fuerzas y dirigir una de las películas más terroríficas jamás hechas? Bueno, el resultado se parecería mucho a Hereditario, una película de terror verdaderamente perturbadora de la mente de Ari Aster. El primer cineasta fue un ex alumno del programa de dirección de AFI, y antes de profundizar en el mundo de las alergias a los cacahuetes y los paemon, Aster hizo una serie de cortometrajes inquietantes, algunos de los cuales se centran en familias increíblemente disfuncionales (p. ej. Munchausen y Lo extraño de los Johnson) A partir de ahí, Aster ensambló minuciosamente una película traumática sobre una familia que se desmoronaba por las costuras.Hereditario explora las ideas de enfermedad mental, dolor y destino versus libre albedrío, además presenta el mejor y más feroz desempeño de la carrera de Toni Collette. Y, oh sí, esta película desordenada tiene uno de los muertes más impactantes en horror - no, cinemático - historia. Ampliamente aclamada como la película más aterradora desde El exorcista, Hereditario Puso a Aster en el mapa, nos obligó a conducir con un poco más de cuidado y nos obligó a revisar el techo una o dos veces antes de acostarnos.

Brad Bird nos dio un clásico animado con The Iron Giant

Antes de que Remy aprendiera a cocinar, la rata, antes de que los Increíbles aprendieran a trabajar juntos, y antes de que Ethan Hunt escalara el Burj Khalifa, había un niño llamado Hogarth, y era el mejor amigo de un robot del espacio exterior. Lanzado por Warner Bros., El gigante de hierro es una película bellamente animada del director Brad Bird, un estudiante de CalArts que comenzó a trabajar con Disney. Mientras anima El zorro y el sabueso (junto con Tim Burton, John Lasseter y Don Bluth), Bird fue despedido de la Casa del Ratón por 'meciendo el bote'y después de trabajar en programas de televisión como Rugrats, Los Simpsonsy de Steven Spielberg Historias asombrosas, hizo su debut como director con un clásico de todos los tiempos.

Ambientada en la Guerra Fría de América, El gigante de hierro trata algunos temas bastante pesados ​​para una película infantil, como la naturaleza del alma, superar su pasado y elegir su propio camino, y la destructividad de las armas y la paranoia patriótica. Si bien la película obtuvo excelentes críticas, fue una de las principales bomba de taquilla. Pero 20 años después El gigante de hierro es amado por casi todos en el planeta, lo que demuestra que cuando se trata de dirigir, Brad Bird es básicamenteSuperman.

Quentin Tarantino nos hizo hablar sobre propinas con Reservoir Dogs

Quentin Tarantino, uno de los mejores directores que se ha sentado nunca detrás de una cámara, comenzó a trabajar como empleado de una tienda de videos. Obsesionado con las películas, Tarantino tomó su primer tiro al cine con Cumpleaños de mi mejor amigo, una película de 70 minutos que se redujo a solo 36 minutos después de que la película fuera devastada por un incendio. Pero se necesita más que llamas para detener a Tarantino, y después de escribir guiones para Romance verdadero y Asesinos natos, él inventó Reservoir Dogs, una película independiente bañada en sangre, empapada de gasolina y plagada de referencias de la cultura pop.

power rangers pelicula huevos de pascua

Con su línea de tiempo no lineal, la película sigue a un grupo de ladrones de diamantes cuyo atraco ha salido muy mal, pero entre todos los disparos y el corte de orejas, todavía tienen tiempo para hablar sobre las propinas y para escuchar el K-Billy's Super Sonidos de los años 70. Y, por supuesto, la película presenta una de las mejores secuencias de crédito de apertura jamás hechas, con un grupo de ladrones que usan traje caminando en cámara lenta. Concedido, Reservoir Dogs conducido a la obra maestra de Tarantino, Pulp Fiction, pero honestamente, esta película de atraco es tan increíble que Tarantino podría haber dejado de hacer películas aquí, y todavía estaríamos hablando de él hoy.

Michael Mann enfrió el crimen con Thief

Cuando se trata de películas sobre criminales súper geniales, no se puede superar una película de Michael Mann. Convirtió a Tom Cruise en un asesino de cabello plateado en Colateral, nos dio el mayor tiroteo de Hollywood en Calory presentó a los cinéfilos a Aníbal el Caníbal en Cazador de hombres. Pero antes de todo eso, había Ladrón, un pequeño thriller hábil sobre un ladrón de joyas que es increíblemente bueno en su trabajo. De acuerdo, si vamos a ponernos técnicos, Mann filmó un par de documentales, trabajó en algunos programas de televisión e incluso dirigió una película de televisión ganadora del Emmy (La milla de Jericó) antes de hacer su debut teatral. Pero cuando finalmente se alió con James Caan (El Padrino) para darle vida a su valiente pero estilizado thriller, fue cuando Mann se convirtió en el hombre. Caan interpreta al ladrón titular, un tipo que puede descifrar cualquier caja fuerte y opera según su propio código de conducta. Acompañado por una magnífica partitura sintética de Tangerine Dream, la película nos muestra a un ladrón que se ve inmerso en un mundo de traición y violencia, pero que nunca deja de actuar como un profesional. Ladrón es básicamente el prototipo de todas las películas de Michael Mann, y sigue siendo una de las mejores películas de crimen jamás hechas.

Rob Reiner subió las cosas hasta 11 con This Is Spinal Tap

Rob Reiner es de la realeza de Hollywood, hijo del legendario hombre cómico Carl Reiner, y durante un tiempo siguió los pasos de su padre, interpretando comedias de televisión como Todos en la familia. Pero entonces, Reiner se convirtió en un director fascinante con una filmografía muy diversa. Este tipo ha dirigido todo desde Miseria a Unos pocos hombres buenos a La novia princesa,pero Reiner comenzó su carrera cambiando las cosas hasta 11 con Esto es punción lumbar, el mejor documental falso jamás creado.

Tomando una página del Ciudadano Kane manual, Reiner dirigió y protagonizó la película, interpretando al documentalista Marty DiBergi, quien está filmando las desventuras de la banda de rock británica titular (y tratando de averiguar qué hacer) con sus brazosmientras tanto). Con los comediantes Christopher Guest, Michael McKean y Harry Shearer interpretando a los rockeros menos que excepcionales, Reiner creó algunos momentos realmente divertidos, como la secuencia en miniatura de Stonehenge, y lo que es especialmente brillante es que una buena parte del diálogo de la película fue improvisado. Una mordaz sátira de la industria de la música y los documentales de rock, Esto es punción lumbar fue aclamado por Roger Ebert como uno de los grandes películas de todos los tiempos, y fue seleccionado para su preservación por el Registro Nacional de Cine, lo cual no es sorprendente porque la película es un buen momento todo el tiempo.

Robert Eggers se volvió meticuloso y macabro con The Witch

Antes de buscar una cámara de cine, Robert Eggers fue director y diseñador en el Escena teatral de Nueva York. Entonces, cuando decidió que era hora de hacer una película, el hombre ya tenía buen ojo para los detalles. Definitivamente puso esa habilidad en buen uso en La bruja, una película de terror claustrofóbica que gotea de miedo. La trama sigue a una familia puritana expulsada de su comunidad y conducida al bosque. Desafortunadamente para estos peregrinos aislados, hay una fuerza sobrenatural lista para destrozarlos, y Eggers se sumergió en la investigación para asegurarse de que todo fuera perfecto para esta historia demoníaca de vivir deliciosamente.

Para que la sensación de la América del siglo XVII sea correcta, Eggers estudió detenidamente los diarios de los líderes puritanos como John Winthrop y Samuel Sewall. Levantó oraciones de un libro de oraciones real de la época, y tomó prestado el diálogo de crónicas de posesiones 'reales'. Queriendo coincidir con la arquitectura antigua, Eggers y su diseñador de producción, Craig Lathrop, usaron tablillas divididas a mano y uñas caseras para construir sus sets, e incluso contrataron a un especialista en techo de paja para que las cabañas se vean bien. Además de todo eso, Eggers tuvo que trabajar con ambos niños actores y animales, como un cabra muy traviesa. No hace falta decir que la atención al detalle y la dedicación a su oficio valieron la pena perfectamente.