Las 40 mejores películas en Netflix en este momento

Por Andrew Handley Y Patrick Phillips/16 de agosto de 2017 11:55 a.m. EDT/Actualizado: 3 de junio de 2020 1:35 pm EDT

Ahí estás de nuevo, sentado en el sofá, mirando fijamente Netflix. Te estás preguntando si arriesgarte en ese tema independiente con la oscura portada o simplemente rendirte a tus impulsos más oscuros y mirar Face / Off por sexta vez La vida no debería ser tan difícil, y estamos aquí para hacerlo un poco más fácil. Desde increíbles gemas subestimadas hasta favoritos eternos que no has pensado en años, hemos reunido las mejores películas en Netflix en este momento.

Spider-Man: Into the Spider-Verse

Después El increible Hombre-Araña 2 efectivamente mató a una franquicia como lo sabíamos, fue un poco sorprendente cuando Sony Pictures anunció, después de aceptando compartir los derechos de la versión web con Marvel: estarían avanzando con un nuevo proyecto de Spider-Man. Esa tarea parecía aún más desalentadora cuando Spider-Man: regreso a casa llegó como la película de Spiderman de John Hughes que no sabíamos que necesitábamos.



Para sorpresa de muchos, Sony está animado Spider-Man: Into the Spider-Verse estaba a punto de demostrar que el universo (más aún, multi-verso) era lo suficientemente vasto para Spider-Men alternativos, e incluso lo suficientemente grande como para media docena de otros. En el verso araña También dio vida de bienvenida tanto al género de superhéroes que se cansa rápidamente como al medio estancado de la animación de largometrajes.

Esa vida llegó a través del adolescente inteligente callejero Miles Morales, quien, después de adquirir inadvertidamente habilidades de 'araña', busca reemplazar al Spider-Man recientemente fallecido de su mundo, solo para descubrir que hay varios Spider-Folk se extendió a través de múltiples dimensiones, y que una amenaza singular está a punto de interrumpir cada una de sus realidades. Si esa sinopsis le duele la cabeza, sepa que las cosas se vuelven mucho más claras a lo largo En el verso araña. Sepa también que dicha historia (con partes iguales de drama, comedia y alma) se desarrolla en un estilo visual electrizante diseñado para literalmente dar vida a las páginas de cómics. Esa abundante combinación de estilo y sustancia haceEn el verso araña a diferencia de cualquier película de superhéroes que hayas visto últimamente.

luz de la luna

Durante la última década, A24 Films se ha transformado del pequeño estudio independiente que podría convertirse en una auténtica potencia que regularmente desafía a los grandes estudios por la supremacía de la taquilla y la gloria de la temporada de premios. Lo han hecho al continuar lanzando una lista casi inmaculada de películas que varían de la tarifa de género de alta mentalidad (La bruja, Bajo la piel, Pleno verano, Alta vida) a complejos dramas y comedias humanas (La langosta, Lady Bird, Buen tiempo, El recuerdo). 



En una especie de 'gran esquema', 2016 fue el año en que A24 se convirtió en un jugador legítimo en el paisaje de Hollywood. Ese fue el año en que el estudio lanzó la película de segundo año de un cineasta casi desconocido con el nombre de Barry Jenkins. La película fue, por supuesto, el drama sincero y desgarrador de la mayoría de edad de Jenkins luz de la luna, una película que limpiado en la taquilla, voló las críticasy asaltaron los Oscar al reclamar tres premios de la Academiaincluyendo eso infame victoria en la mejor película.     

No vamos a perder mucho tiempo otorgando más elogios a luz de la luna aquí. Esto se debe principalmente a que ya se ha dicho mucho sobre la virtud dramática y la integridad artística de la película, no hay mucho que podamos agregar. Pero solo para el récord, con sus actuaciones de tono perfecto, mezcla estilística de fotografía inquietantemente naturalista y audazmente expresionista, y su impresionante partitura original, luz de la luna es el drama humano inmaculadamente ejecutado que probablemente has escuchado. Si aún no lo ha experimentado, realmente no hay tiempo como el presente para disfrutar del exuberante y lujoso resplandor de luz de la luna

Silencio

Shh ... ¿oyes eso? Es el sonido de un thriller de terror inteligente y sexy. Con una calificación del 100% en Tomates podridos, 2016 Silencio Definitivamente es una película que no te puedes perder. La premisa es simple: Maddie, una autora sorda / muda, se queda en su casa aislada en el bosque de Alabama cuando aparece un asesino enmascarado en su ventana. Si bien ese concepto podría convertirse fácilmente en otra película de suspenso común y corriente, Silencio no tiene problemas para aumentar el factor emoción con un hábil trabajo de cámara, un suspenso implacable y una actuación realmente sorprendente de la actriz Kate Siegel, en gran parte desconocida. Sin decir una palabra, Siegel retrata a Maddie como fuerte, capaz e inteligente, un soplo de aire fresco para un papel femenino en una película de terror.



Por supuesto, el diseño de sonido en Silencio es de primera categoría. Tiene que ser. Así como manipuló nuestras percepciones de la realidad con los años 2013 ojo, el director Mike Flanagan aquí usa la discapacidad de Maddie para mantener la amenaza constante de peligro inminente. Él nunca se pone astuto con su interpretación de la sordera de Maddie, dándonos exactamente lo que necesitamos para sentir el miedo de nunca saber qué hay detrás de nosotros. No siempre es lo que oyes, es lo que no oyes.

Bestias de ninguna nación

Bestias de ninguna nación es el primer largometraje original de Netflix (compraron los derechos de distribución, pero en realidad no financiaron la película) y se estrenó simultáneamente en los cines y en línea. Desafortunadamente, la controversia resultante: varias grandes cadenas de teatros boicotearon la película, diciendo que violaba exclusividad teatral—Obstruyó la película misma. Es una pena, porque Ganado Es una sorprendente primera opción para Netflix para entrar en películas originales.

Starring Idris Elba (Prometeo, Thor) como un despiadado comandante y recién llegado Abraham Attah como el niño soldado Agu, Bestias de ninguna nación es poderoso, sorprendentemente real y desgarrador en su descripción de los horrores indescriptibles de la guerra. No es una película fácil de ver: el ritmo es implacable, las imágenes son viscerales. Pero es una película tu debería mire, aunque solo sea por un breve vistazo a la lucha de la vida cotidiana en la guerra en África.

El país en la película nunca se define, aunque la historia presumiblemente podría caer en cualquiera de las naciones africanas envueltas en guerras territoriales. Fue filmado en Ghana, y el director Cary Joji Fukunaga pasó años investigando el conflicto en Sierra Leona antes de finalmente decidirse por la novela de 2005 como el material fuente de su película.

Los fundamentos del cuidado

Conmovedor, conmovedor e inyectado con más bromas lascivas y blasfemias que una comedia de Farrelly Brothers, Los fundamentos del cuidado juega como una película de Disney para sentirse bien en verano que se quedó en una reunión de AA durante demasiado tiempo, con el resultado final como una experiencia más real y humana de lo que podría haber sido con un guión con clasificación PG. La película comienza con el cuidador recién certificado Ben (Paul Rudd) que se encuentra con su primer paciente, un enigmático adolescente encubierto con distrofia muscular que ha alejado a todos sus asistentes anteriores. Después de un comienzo difícil, emprendieron un viaje por carretera para ver una serie de atracciones en la carretera, y en el camino ambos aprendieron lecciones valiosas sobre la familia y la amistad.

Sacarina y blanda, ¿verdad? Puede leerse así en el papel, pero para el tercer chiste obsceno cambiarás totalmente de opinión. Inténtelo, y solo recuerde que si bien parece algo para toda la familia, probablemente sea mejor esperar hasta que los niños se vayan a la cama.

el odioso ocho

La octava película de Quentin Tarantino necesita poca presentación. A raíz de la Guerra Civil, ocho personas se nevaron en una parada de boxes en la carretera, y como lo afirma el título, ninguno de ellos son personajes particularmente sabrosos. Se habla mucho, se derrama mucha sangre y hay mucho Tarantino por todas partes. Quizás demasiado, según algunos críticos. Con una calificación del 74 por ciento en tomates podridos, el odioso ocho es una de las películas peor revisadas de Tarantino.

Como occidental, claro, el odioso ocho no es Puñado de dólares. Pero como Nerdista argumenta muy efectivamente, no es un western en absoluto, es una película de terror. Para principiantes, como el mismo Tarantino explicó, se inspiró más directamente en la película de terror corporal de John Carpenter de 1982 La cosa. Las piezas están allí: el paisaje helado, el entorno claustrofóbico, las personas atrapadas en lugares cerrados por una tormenta de nieve y la corriente subterránea de alguien en el grupo que no es lo que parece. Además, Kurt Russell. Además de eso, la partitura musical incluye pistas de Ennio Morricone de El exorcista II y La cosa, agregando deliberadamente a la sensación de que los monstruos están al acecho, incluso si resultan ser humanos después de todo.

Ahora los espectadores de Netflix también tienen la opción adicional de mirarel odioso ochocomo una miniserie extendida, dividida en cuatro episodios, con al menos 25 minutos de nuevas imágenes empalmadas. 'Algunas secuencias son más similares que otras en comparación con la película, pero tiene un sentimiento diferente'.dijo Tarantino 'Tiene una sensación diferente de que realmente me gusta mucho'.

Habitación

Entonces esta es la fórmula para Habitación. Tomas una habitación. Pones a dos personas en él. Y luego, y esta es la parte más importante, lo centras en una lucha emocionante y emocional que se construye y se construye hasta que toda la audiencia llora en silencio y cuestiona todo lo que creían saber sobre la vida, la familia y el amor.

Esa es, eh, la parte importante.

Pero oh chico, ¿funciona? Una vez Habitación comienza a funcionar, nunca se ralentiza. Y para cuando te das cuenta de que ver a un niño enrollarse en una alfombra era simplemente más estresante que el resto Insidioso franquicia, no tiene más remedio que quedarse para el paseo.

La belleza de Habitación viene incuestionablemente de Brie Larson y Jacob Tremblay, quienes interpretan a la madre y al hijo encerrados en una habitación. Son visitados periódicamente por un hombre misterioso con motivos desagradables, y el resto del tiempo se entretienen jugando, contando historias y, para el personaje de Larson, tratando de no concentrarse en el infierno de pasar el resto de sus vidas en el cuarto. Es su vínculo, con todos sus altibajos, lo que ancla la película e impulsa todo lo que sucede. Si has estado en la cerca sobre Habitación, haz cola ahora y no te preocupes. No te decepcionará.

Loco

En 2003, el estofado de género asombroso de Quentin Tarantino Mata a Bill Vol. 1 esencialmente establece la barra de lo que podrían ser las películas de acción con frente femenino. Lo hizo conjurando a una heroína dura como un clavo con un corazón de oro que literalmente podría vencer o burlar incluso a los S.O.B. más duros entre el inframundo criminal del planeta Tierra. En el camino hacia la entrega de una enigmática fantasía de película de acción, Tarantino fue el autor de la ola actual de películas que coloca a las damas que patean el culo al frente y al centro.

Aunque producido en una escala mucho más pequeña, el actor de 2011 lleno de estrellas de Steven Soderbergh Loco tomó el Matar a Bill blueprint (es decir, una mujer asesina traicionada por sus jefes) y corrió con él, transportándolo al mundo del espionaje internacional y forjando una narrativa fructífera y propulsora tan inteligente, divertida y llena de acción como la obra de Tarantino.

Sabemos que Steven Soderbergh no es un nombre que normalmente se pueda comparar con el set de la película de acción. Pero el cineasta infamemente hábil ejecutó su primera incursión en el cine de acción completo con una gracia innegable, utilizando un guión inteligente de Lem Dobbs (ver también el magistral de Soderbergh El limey), y una actuación estoicamente tenaz de la luchadora de MMA convertida en actor Gina Carano (ver también El mandalorianoen Disney +) para ofrecer una película de acción a toda velocidad, teñida en los 90 con estilo y energía para quemar. El producto final muy fácilmente podría haberse convertido en el tipo de franquicia femenina del tipo James Bond que el mundo del cine ha estado reclamando en los últimos tiempos, si alguien realmente lo hubiera visto en los cines.

La bruja

Con nuevos clásicos que llegan a los cines o plataformas de transmisión casi todas las semanas, los fanáticos del género están experimentando lo que parece ser un renacimiento de terror completo, y el inquietante cuento popular de Robert Eggers en Nueva Inglaterra. La bruja es una de las películas que ayudó a establecer el estándar para las tendencias de terror actuales. El enfriador magistralmente ejecutado de Eggers cautivó al público en el Festival de Cine de Sundance 2015, y en realidad hizo unos cuantos dólares en su estreno teatral inicial, incluso si no prendió fuego exactamente a la taquilla. No le fue tan bien cuando la gente de A24 astutamenterelanzó la película en 666 pantallas un par de meses después.

Detrásmaravilloso zumbido críticoe igualmente sólido boca a boca, La bruja ha encontrado más que su audiencia después del hecho, y muchos lo han calificado como el de las mejores peliculas de terror de la decada. Estamos dispuestos a estar de acuerdo. La película de Eggers sigue a una familia del siglo XVII cuya existencia devotamente puritana se desmorona bajo el peso de tragedias indescriptibles, que pueden o no ser la causa de un malvado acecho en un bosque cercano y un espíritu demoníaco que habita en la cabra familiar. Esa última parte puede sonar tonta, pero no hay nada de lo que burlarse La bruja. La película de Eggers es un estudio sombrío e intensamente atmosférico en el gótico americano que presenta un giro estelar de Ana Taylor-Joy. Es el tipo de película que simplemente tienes que ver para creer. Y si no lo has hecho, pues, prepárate para vivir deliciosamente.

Scott Pilgrim contra el mundo

En el panteón de las películas de videojuegos, ha habido muchos más errores que éxitos. Hubo un tiempo en que lo mismo podría haberse dicho sobre las adaptaciones de novelas gráficas también. Ese Scott Pilgrim contra el mundo llegó a los cines como una película de videojuego y una adaptación de novela gráfica fue motivo suficiente para entusiasmarse con ella en 2010. Que la película también fue dirigida por Edgar Wright, entonces un ícono de culto floreciente que acabó con el éxito deShaun de los muertos y Fuzz caliente - Era motivo para ser francamente impaciente por la película.

Wright entregó los bienes con Peregrino, creando una comedia romántica llena de acción y de género con suficiente ingenio y encanto de ocho bits para reclamar el éxito tanto en los frentes de videojuegos como de adaptación. También contó con un elenco joven y moderno que incluye a Michael Cera, Mary Elizabeth WInstead, Kieran Culkin, Anna Kendrick, Aubrey Plaza y Jason Schwartzman, sin mencionar las apariciones en el robo de la escena de las futuras estrellas de MCU Chris Evans y Brie Larson. Con ese pedigrí (y comentarios para que coincida), Scott Pilgrim contra el mundo Parecía destinado a la gloria de taquilla. Eso no paso. De hecho, la película fue un bomba directa eso parecía condenado a reclamar poco más que el estatus de 'culto clásico'. Afortunadamente, la obra hipster de Wright encontró una segunda vida en video, y ahora se cuenta entre el mejor trabajo del director. Si has estado durmiendo sobre ese hecho, ahora es el momento de entrar en el juego.

Su

Una de las funciones principales del cine es actuar como una especie de imagen especular del mundo real. En el caso del cine de ciencia ficción, el alcance de ese reflejo busca mostrar no solo el mundo tal como es, sino el mundo tal como puede llegar a ser. Si Spike Jonze es tremendamente romántico,Ganador del Oscardrama de ciencia ficciónSuEs una indicación, la inteligencia artificial va a complicar nuestras vidas de maneras que aún no podemos comprender, y probablemente antes de lo que pensamos.

Ambientado en un futuro vívidamente realizado, no muy lejano, Su sigue a un hombre amable y solitario que encuentra el amor en un lugar inesperado, con un sistema operativo impulsado por IA llamado Samantha. En el papel, esa trama suena un poco ridícula, y en manos de un cineasta menor, probablemente lo hubiera sido. Con Jonze al timón, SuLa configuración potencialmente tonta se convierte en un estudio observado con ternura sobre el anhelo y la conexión en un mundo obsesionado por la tecnología y conducido al aislacionismo.

En el centro de ese mundo hay una actuación trascendente de Joaquin Phoenix, que aporta calidez, ingenio y compasión a este papel apenas vislumbrado en su trabajo anterior, sin mencionar un giro de Amy Adams que roba la escena y un trabajo dinámico de voz de Scarlett. Johansson, quien hace un personaje completamente desarrollado de su personalidad artificial. Como una película de ciencia ficción, Su Es un logro imponente y profundamente personal en estilo y sustancia. Como documento social, es una reflexión demasiado profética sobre el mundo como probablemente lo será. Si no lo crees, solo pregúntale a Alexa qué piensa ella.

El sin fin

En 2015, Justin Benson y Aaron Moorhead se unieron para ofrecer un romance lovecraftiano tremendamente innovador sobre un joven que se enamora de una misteriosa mujer mientras viaja por Europa. Fue llamado Primaveray a pesar de puntuar bien con los críticos - quien elogió su ambición de flexión de género - en realidad no mucha gente lo vio. Los que probablemente descubrieron Primavera en Netflix, donde la película finalmente obtuvo su merecido estatus de 'clásico de culto'.

Los fanáticos de esa película rápidamente calificaron a Benson y Moorhead como cineastas para ver, esperando ansiosamente la próxima oferta innovadora del dúo. Llegó en El sin finotro aclamada por la crítica, alucinante mashup de género que encuentra a Benson y Moorhead siguiendo un enfoque dramático similarmente fundado y lento para los tropos de terror / ciencia ficción mientras expande su paleta cinematográfica de maneras que sus compañeros de género aún no se han atrevido.

En esta ronda, Benson y Moorhead cuentan una compleja historia de dos hermanos que toman la fatídica decisión de volver a visitar el 'culto a la muerte alienígena' del que lograron escapar en su juventud. Esa es toda la sinopsis que obtendrás de nosotros, porque parte de El sin fin La magia narrativa está descubriendo los misterios existenciales desconcertantes de la película. Solo sepa que, independientemente de lo que crea que sabe, ya que la película desenreda su intrincada red tejida, probablemente esté equivocado. Eso es algo bueno, por cierto, y una prueba más de queEl sin fin es casi seguro que consolidará a Benson y Moorhead como dos de los cineastas de género / culto más atrevidos de esta generación.

Hold the Dark

Durante la última década, Jeremy Saulnier pasó del escritor / director poco conocido detrás del favorito de culto extravagante y sin presupuestoFiesta de asesinato en un auténtico autor independiente. Uno cuya afición por las narraciones empapadas de sangre y heridas con fuerza sobre personas normales en escenarios imposiblemente tensos condujo al formidable golpe doble de la cáustica historia de venganza de 2013 Ruina Azul y el sangriento drama punk de 2016 Cuarto verde.

Esas películas funcionaron porque Saulnier tenía un control creativo casi ilimitado sobre cada una. Saulnier encontró aún más libertad con Netflix cuando apuntó al implacable desierto de Alaska para disparar Hold the Darky es una gran razón por la que su última obra es una de sus mejores ofertas hasta la fecha.

Adaptado de la novela del mismo nombre de William Giraldi, Hold the Dark sigue a un rastreador / escritor del desierto (Jeffrey Wright) llamado a una aldea aislada de Alaska para cazar a una manada de lobos que pueden haber matado a un niño local, y rápidamente descubre que nada es lo que parece en la comunidad misteriosamente reservada. No soñaríamos con estropear esos secretos; solo sé que, como un misterio, Hold the Dark se desarrolla bajo una nube helada de ambigüedad, pero aquellos que se aferran al desgarrador viaje de Saulnier encontrarán una bestia audaz y feroz de una historia sobre pérdida, arrepentimiento, lujuria y venganza que funciona simultáneamente como misterio existencial, drama de supervivencia y slasher directo. Sí, esa combinación es tan confusa y fascinante como parece, y es por eso Hold the Dark Es una visita obligada absoluta.

Gana todo

Algunos cineastas se deleitan con el alboroto de Hollywood, pero a lo largo de los años, el autor independiente Joe Swanberg ha evitado esas asombrosas fantasías al servicio de crear características incisivas de micro presupuesto de todos los géneros, ganando una base de fanáticos ferozmente leales en el camino. Esos fanáticos ayudaron a hacer el trabajo de Swanberg: Bebiendo amigos, Feliz Navidady Excavando para el fuego éxitos sorprendentes en Netflix. Parecía natural, entonces, que el gigante de la transmisión invirtiera en la visión de Swanberg. Lo hicieron produciendo su serie de antología, en su mayoría maravillosa Fácil, luego entró todo a la luz verde de la última función de Swanberg,Gana todo.

El enfoque amigable para los cineastas de Netflix demostró ser una excelente combinación para el estilo ferozmente independiente de Swanberg. Gana todo encuentra que el director vuelve a formar equipo con Jake Johnson para contar la historia trágica de Eddie Garrett, un carismático de Chicago con una adicción al juego paralizante. La inestable existencia de Eddie se ve completamente trastornada cuando un amigo le confía una bolsa de lona llena de dinero en efectivo antes de cumplir una larga pena de prisión.

Eso es lo último que le gustaría entregar a un adicto al juego, por supuesto, y lo que sigue es una espiral de locura de adicción que vale la pena, aunque a menudo hilarante, que se desarrolla sobre la forma en que pensaría (es decir, el dinero se pierde y se debe recuperar). Como la mejor de las películas de Swanberg, suaviza la locura al enfocar la narrativa de la película en el humano que la impulsa. En turno, Gana todo demuestra ser perspicaz, irreverente, romántico y divertido.

Enemigo

Netflix ha sido durante mucho tiempo un paraíso para el cine independiente. La mayoría de las veces, es la fuente principal para los amantes del cine independiente descubrir películas y cineastas menos conocidos. Netflix recientemente duplicó ese legado al agregar casi toda la lista de películas producidas por la potencia independiente A24, incluidas gemas como Ex machina, Cuarto verdey Bajo la piel.

Una de las películas más desconocidas en la alineación de A24 es el angustioso cerebro mental de Denis Villeneuve de un thriller Enemigo. Basada en una novela del escritor subversivo portugués José Saramago, y protagonizada por Jake Gyllenhaal en una reveladora doble actuación, la película sigue a un hombre tranquilo que, sin darse cuenta, encuentra a su doppelgänger y comienza a tener una crisis de identidad en toda regla. En el camino, las vidas de la pareja se convierten en una red enmarañada de secretos, obsesiones y lujuria que amenaza con volcar cada una de sus existencias.

Solo para tu información, esas vidas se vuelcan de una manera que ni siquiera podemos comenzar a cubrir en una simple propaganda. Enemigo es una película artística y narrativa ambiciosa digna del tipo de examen en profundidad típicamente reservado para grandes obras de literatura, y Villeneuve utiliza la configuración de la película para crear uno de los thrillers más inquietantemente ambiguos que jamás haya visto, con una audaz mezcla de imágenes nítidas y una sensación casi asfixiante de temor atmosférico. Enemigo es una película de arte vívidamente realizada y sorprendentemente satisfactoria que nunca podrás ver, especialmente si tienes miedo a las arañas.

El irlandés

Pocos nombres en la historia del cine inspiran tanto respeto y asombro como Martin Scorsese. Ahora bien entrado en la quinta década de su carrera casi impecable, Scorsese de alguna manera ha logrado mantener su visión ferozmente independiente mientras desarrolla obras maestras cinematográficas más genuinas que casi cualquier cineasta que haya vivido. El irlandés es el 26 ° largometraje de Scorsese, y seguramente pasará a ser una de sus obras maestras del juego tardío.

A las tres horas y media, El irlandés También es la película más larga de la carrera de Scorsese. Sorprendentemente, parece que la película casi nunca sucedió, con Scorsese incesante eso, incluso con títulos icónicos como Conductor de taxi, Toro furiosoy Goodfellas Hay que reconocer que ningún estudio estaba interesado en financiar adecuadamente una nueva película de Scorsese con Robert De Niro a la cabeza. Afortunadamente, Netflix aprovechó la oportunidad de agregar la última imagen de Martin Scorsese a su catálogo interno.

Aaron Eckhart

Anclados por un poderoso giro de De Niro, con un trabajo igualmente convincente de Harvey Keitel, Joe Pesci y el primerizo de Scorsese, Al Pacino, El irlandés encuentra al legendario director en una forma sorprendentemente sutil, entregando un melancólico y lento decenio de una película de gángsters sacada de una historia de la vida real sobre mafiosos despiadados, maquinistas intrigantes, familias fracturadas y el corrosivo legado de violencia y traición que finalmente deshizo un extenso imperio subterráneo. Si, El irlandés puede parecer una típica película de gángsters de Martin Scorsese. Podemos asegurarle que es todo lo contrario, y demuestra que incluso 50 años después de su carrera, Scorsese todavía tiene algunos trucos nuevos bajo su manga cinematográfica.

Conductor de taxi

Con más de cuatro décadas de películas y reconocimientos detrás de él, Martin Scorsese podría fácilmente proclamar ser el cineasta más elogiado que haya existido, si no también uno de los más influyentes. Sin embargo, en 1976, Scorsese seguía siendo un director joven y temerario que, gracias a la fuerza del dramático y drástico golpe de Calles malas y Alice ya no vive aquí - había más que ganado el título de 'prometedor'. Conductor de taxi es la película que anunció formalmente la llegada de Scorsese, postulando al director como un estilista cinemático radical y la Voz del cine por venir.

Solo para tu información, Conductor de taxi también anunció a Robert De Niro como un talento para la actuación de una vez en una generación, vio a Jodie Foster con cara de bebé entrar firmemente en el centro de atención como una trágica prostituta adolescente, y postuló al ahora legendario escriba Paul Schrader como uno de los principales escritores de la película. . Ah, y también resultó ser un éxito entre los críticosanotado Números respetables en taquillay ganó un puñado de nominaciones al Oscar arrancar.

Hoy, Conductor de taxi Es considerada una de las películas más importantes jamás producidas. Y sí, la cáustica historia de Scorsese de un veterano inestable con tendencias violentas que atraviesa las calles sucias y moralmente en bancarrota de Nueva York como el motorista titular es más que digna de ese elogio. Su narrativa políticamente cargada se siente tan vital en el clima actual como lo fue probablemente al momento de su lanzamiento. Pero probablemente ya sabes que eso es cierto, ¿verdad? Porque has visto Conductor de taxi, ¿derecho?

La langosta

La langostaEs sin duda una de las películas más raras jamás hechas. Período. Es una película tan extrañamente inquietante que probablemente te preocupe el estado mental general de cada persona involucrada. También es una de las películas más divertidas y emocionalmente devastadoras que verás sobre personas que buscan desesperadamente amor con la esperanza de evitar ser convertidos en animales.

No, no leíste mal esa sinopsis. La langosta realmente se desarrolla en un futuro cercano distópico, donde las personas solteras son detenidas y se les da 45 días para encontrar el amor verdadero o convertirse en un animal de su elección y liberarse solo en la naturaleza.

De nuevo, La langosta es una de las películas más extrañas jamás hechas, y una experiencia cinematográfica como ninguna otra. Esto es todo lo que realmente necesita saber al entrar: Colin Farrell y Rachel Weisz (quienes ofrecen actuaciones que redefinen su carrera) están en eso, que la película es divertida como el infierno, pero que su sentido del humor es más seco que el Sahara, y que La langosta Es una de las películas más sorprendentemente humanas y románticas producidas en la última década, aunque a menudo se siente desprovista de romance o humanidad. ¡Disfrutar!

La balada de Buster Scruggs

Desde que irrumpió en Hollywood con el debut notablemente asegurado de 1984 Sangre simple, los hermanos Coen (también conocidos como Joel y Ethan) han producido un cuerpo de trabajo casi impecable que los ha encontrado trabajando tan fácilmente en una farsa y una comedia romántica como en los géneros criminal, occidental y musical. Cualquiera sea la historia que elijan contar, puedes estar seguro de una cosa: los Coen siempre van a presionar para hacer algo que no han hecho antes. Aunque presenta todos los elementos básicos de una película de Coens (es decir, estallidos de violencia brutales / hilarantes, configuraciones de género sofisticadas, diálogos crepitantes y dramático drama humano), su antología occidental La balada de Buster Scruggs encuentra a los Coen empujándose más lejos que nunca.

Por supuesto, lo que obviamente establece La balada de Buster Scruggs aparte del resto de sus películas es que, de hecho, es una antología (compuesta por seis cuentos cortos del salvaje oeste) y no una narración simple y directa. Esos seis cuentos son emocionantes e hilarantes, y con frecuencia francamente desgarradores. Presentan un trabajo estelar de un elenco de estrellas como Tim Blake Nelson, Zoe Kazan, James Franco, Tom Waits y Liam Neeson. Y cada uno de ellos está alimentado por el tipo de locura alegre que solo Joel y Ethan Coen pueden conjurar. Junto con la asombrosa cinematografía digital de Bruno Delbonnel y los temas occidentales perfectos del compositor Carter Burwell, La balada de Buster Scruggs es fácilmente una de las mejores películas que Netflix ha producido, si no una de las mejores películas de 2018.

Mátalos suavemente

Ha pasado casi una década desde que Andrew Dominik lanzó el seguimiento de su impecable anti-western El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, y apostamos que la mayoría de ustedes probablemente no lo hayan visto. Sí, deberías rectificar eso, porque el barril de pólvora abiertamente político de Dominik de una película de crimen Mátalos suavemente es tan impresionante. En algunas formas, Mátalos suavemente En realidad es la mejor película.

No cometer errores, Mátalos suavemente es una espectacular porción del cine del crimen con conciencia social. Ambientada en la oscuridad del colapso inmobiliario de 2008, la película sigue a un par de delincuentes de bajo nivel (Scoot McNairy y Ben Mendelsohn) que roban un juego de cartas protegido por la mafia. Ese acto lleva a la contratación de un sicario estoico (interpretado por Brad Pitt con una genialidad imperturbable) para restablecer el orden en el inframundo criminal local. A su llegada, Mátalos suavemente se convierte en un pequeño drama criminal simplista, extremadamente elegante y descaradamente obstinado que es tanto una película de gángster tan sucia como una acusación mordaz de las estructuras socioeconómicas estadounidenses. También presenta un giro de apoyo bravura del fallecido, gran James Gandolfini, y una de las mejores líneas finales de todos los tiempos en la historia del cine. ¿No nos crees? Ya es hora de descubrirlo usted mismo.

La muerte de Stalin.

Si ha estado en el cine en la última década, sabe que ha habido una sequía de comedia bastante notable en el cineplex. De hecho, antes del lanzamiento de la venenosa comedia dramática venenosa de Armando Iannucci La muerte de Stalin., realmente no podíamos recordar la última vez que habíamos visto una película de comedia realmente genial. Para ser claro,La muerte de Stalin. es indiscutiblemente un estupendo comedia: una que continúa eclipsando a todos los comediantes incluso dos años después de que dejó los cines en términos de ingenio salvaje, lenguaje extravagante y comprensión sociopolítica.

Por supuesto, si estás entre los espectadores que tropezaron ciegamente con la última farsa política perfecta de Iannuci (ver también 2009 En el lazoy HBO Veep) ya sabes que es el tipo de disturbios de risa de fuego rápido que casi exige que se repitan las visitas porque simplemente no puedes asimilar cada una de las líneas escritas de manera inmaculada, el rendimiento calculador con los ojos de gallo o la pieza del set ejecutada escrupulosamente en una sola visualización. Incluso postularíamos que no podría atraparlos a todos en tres o cuatro proyecciones. La buena noticia es que encontrarás algo diferente para amar y reírte histéricamente sin importar cuántas veces mires La muerte de Stalin.. Y con cada nueva vista, la narrativa mordaz, totalmente absorbente y políticamente cargada de la película (impulsada por el trabajo astutamente astuto de un muy El elenco de conjunto de habla inglesa, que incluye a Steve Buscemi, Jeffrey Tambor, Jason Isaacs y Andrea Riseboroughh, tiene tanto peso dramático como el primero.

Habrá sangre

Pocos actores han arrojado una sombra tan larga sobre su oficio como Daniel Day-Lewis. No, eso no es porque el actor tenga una estatura completa de 6'2 '. Más bien, se debe a la feroz dedicación de Day-Lewis a su modus operandi de actuación de método, y a la asombrosa capacidad de transformarse en cuerpo y alma para cada nuevo papel. Tal habilidad ha llevado a Day-Lewis a la compañía de la temporada de premios de élite, junto a los iconos de la pantalla Katherine Hepburn, Meryl Streep, Jack Nicholson, Ingrid Bergman y Walter Brennan como Los únicos actores en la historia en ganar tres o más estatuas del Premio de la Academia

Day-Lewis reclamó su tercer premio al Mejor Actor por su gran trabajo como un hombre petrolero despiadado y casi vampírico de principios de siglo que se niega a permanecer de brazos cruzados a la sombra de nadie. Y confía en nosotros cuando decimos que no hay una sombra en la Tierra lo suficientemente grande como para proteger a Daniel Plainview de Day-Lewis. Francamente, simplemente llamando a la actuación del actor en Habrá sangre 'elevarse' parece un eufemismo atroz, porque la película de Paul Thomas Anderson está completamente consumida por la presencia de Day-Lewis.

El trabajo casi mítico del querido actor en Habrá sangre es tan fascinante que es casi fácil perder de vista el dominio de Anderson en todo momento. Aún así, incluso cuando el cineasta con talento sobrenatural pone deliberadamente al centro el giro devorador de escenas de su actor, lo usa sabiamente para reforzar lo que es esencialmente un drama de cámara épico sobre el capitalismo desenfrenado que es tan audazmente ambicioso como intrínsecamente perspicaz. Uno que bien puede presentar trabajo de carrera tanto del actor como del director.

Sombra

Autor con sede en Hong Kong Zhang Yimou Ha sido durante mucho tiempo uno de los cineastas más electrizantes y respetados del mundo. Se ha ganado esa adoración al brindar un flujo constante de epopeyas históricas alimentadas tanto por el deslumbrante arte visual como por las historias profundamente humanas de guerreros nobles. Entre los títulos más conocidos de Yimou están los nominados al Oscar en 1991 Levanta la linterna roja, 2002, protagonizada por Jet Li HéroeEspectacular de 2004 La casa de las dagas voladorasy el asombroso 2006 Maldición de la flor dorada.

Esperemos que hayas visto al menos una de las maravillas de Wuxia de Zhang Yimou a lo largo de los años. Pero si está buscando una puerta de entrada a la locura de las artes marciales de la fantástica obra cinematográfica de Zhang Yimou, no busque más que la obra maestra trágicamente ignorada del director, los años 2019Sombra.

Ambientada durante la Era de los Tres Reinos de China (220-280 dC), Sombra sigue la historia de un Rey impetuoso, un Comandante brillante, su 'sombra' de vida y un par de mujeres nobles que buscan su lugar legítimo en un mundo devastado por la guerra que tiene poco espacio para ellas. En el centro de SombraLa narrativa es una batalla despiadada sobre una ciudad amurallada deseable. Pero eso es todo lo que diremos de la trama de Sombra, porque la trama (a pesar de toda su intriga política y personal) no es realmente el punto. Por el contrario, lo alentamos a simplemente sentarse y maravillarse con la fotografía impresionante de la película, piezas alucinantes y florecientes éxitos musicales. Y oye, si te dejas llevar SombraLa narrativa de Shakespeare se tuerce en el camino, mucho mejor.

La invitación

Hay películas de terror que te sorprenden con saltos de miedo y salpicaduras de sangre, y aquellas que se entierran en tu cerebro, encontrándose allí como una peste preparada para devastarte el cuerpo y el alma. Si ya te has aventurado en el impío drama de la cena de Karyn Kusama La invitación, sabes de qué lado de esa moneda de película de terror cae. También sabes que no es del todo justo clasificar el estudio de pesadumbre elegante de Kusama como una película de terror.

Para aquellos de ustedes que no han entrado en la refriega, sepan La invitación comienza siniestramente, con una joven pareja en el camino a una cena. Resulta que el anfitrión de la parte es la ex esposa del hombre, y que el matrimonio se disolvió a raíz de una pérdida de la que ninguno se ha recuperado por completo. Las cosas solo se ponen más terribles a partir de ahí.

Y a partir de esa configuración más tupida, Kusama toma un ritmo frío y calculador, ordeñando una narrativa construida para una quemadura lenta y conmovedora mientras guía la acción apocalíptica hacia un impactante acto final tan sorprendente como inevitable. De ese acto final, no diremos nada más, sobre todo porque muchos de ustedes verán venir la locura. Ese es el punto, por supuesto, y no importa cuán completa sea la película slasher Kusama y la compañía hacen las cosas, en esencia, La invitaciónestá destinado a ser un estudio de personaje de estilo crudo sobre la pérdida y el dolor que ahoga el alma. Y al humanizar (sin racionalizar) la locura inherente, La invitación se las arregla para asustarnos de una manera que la mayoría de las películas de terror no pueden comprender.

El maestro

Aunque ha estado trabajando constantemente detrás de la cámara durante más de 20 años, Paul Thomas Anderson ha entregado solo ocho largometrajes a su rabiosa base de fans. Si bien es probable que esos fanáticos no puedan elegir solo una de esas películas como sus favoritas, el hombre que las hizo parece tener menos problemas para elegir. No, la película favorita de PTA de Anderson no es su película revelación Boogie Nights. Tampoco es ninguna de sus colaboraciones semi-icónicas con Daniel Day Lewis en Habrá sangre y Hilo fantasma. Ni siquiera es esa película sorprendentemente efectiva de Adam Sandler Amor borracho. No, de las ocho obras maestras que Anderson ha lanzado hasta la fecha, su propio favorito aparentemente es el brillante (y muy a menudo pasado por alto) drama de pseudo-culto de 2012 El maestro

Ahora, si has visto a este protagonista de Joaquin Phoenix / Philip Seymour Hoffman / Amy Adams, ya sabes por qué. Si no lo ha hecho, bueno, hay mucho que adorar en el frágil marco del inquietante y emocionalmente crudo estudio de personajes que es El maestro. La película sigue al Vet Freddie de la Segunda Guerra Mundial irascible (y psicológicamente inestable) de Phoenix mientras se desplaza sin rumbo por la vida de posguerra. Las fortunas parecen cambiar para Freddie cuando conoce a un carismático gurú (Hoffman) que encabeza un movimiento espiritual. A partir de ahí, guía de Anderson & Co. El maestro a través de una historia retorcida de humanidad fracturada y dinámicas de poder cambiantes que se balancean sin esfuerzo entre lo extraño, lo sexual, lo horrible y lo metafísico. En la mezcla, Anderson saca el mejor trabajo de Phoenix, Hoffman y Adams, y entrega una película más que digna de adoración del hombre que la conjuró.

Buen tiempo

Aquellos de ustedes que estaban al tanto de la reciente locura de la temporada de premios en Hollywood probablemente escucharon mucho sobre un pequeño thriller de Adam Sandler. atrozmente desairado por los Premios de la Academia. Fue llamado Gemas sin cortar, fue dirigida por los nuevos ingenios independientes The Safdie Brothers, y fue sin duda uno de los las mejores peliculas de 2019. Tristemente, Gemas sin cortar No fue la primera obra maestra de los Safdies que la Academia ignoró injustamente. De hecho, algunos incluso podrían decir que su oferta de 2017 Buen tiempo es la mejor película, y que su estrella debería haber sido galardonada con el premio al Mejor Actor ese año.

Ese actor no era otro que ex galán adolescente/ película independiente actual all-star (y futuro Batman) Robert Pattinson. Y si has visto el emocionante paseo de nudillos blancos que es Buen tiempo, ya sabes lo trascendente que es su trabajo en la película.

Si no, le recomendamos que se arrastre por el agujero de conejo arenoso y empapado de neón que es Buen tiempo tan pronto como sea posible. Sí, la película está anclada en una de las mejores actuaciones de la joven carrera de Pattinson, pero también es un drama criminal tenso, propulsor y totalmente fascinante de Nueva York que no solo influye en el género sino que lo reinventa por completo. así que eso Buen tiempose siente tan vital una porción del cine criminal de Nueva York como el de Scorsese Conductor de taxio de Abel Ferrara Coronel malo. Y por favor, comprenda que no hacemos esas comparaciones a la ligera.

Cuarto verde

Algunas películas tienen como objetivo desafiar tu mente o mover tu alma. Otros patean las puertas de su cabeza y corazón con botas de combate con cordones rojos, que buscan únicamente causar estragos profundos en su propio ser. El thriller punk rock propulsivo de Jeremy Saulnier Cuarto verdehace esto último con la historia de una banda incondicional atrapada en un enfrentamiento mortal con una desagradable secta de skinheads (dirigida por un nunca mejor Patrick Stewart).

Aunque solo sea para mantener el impacto emocional aplastante de los giros narrativos de la película y los actos de violencia implacablemente viciosos, no diremos más sobre la trama. Sin embargo, deberíamos decirte que Cuarto verdeestá tratando de ofrecer el máximo valor de choque, y tiene éxito en su entrega con su embriagadora mezcla de sangrías salvajes y furia punk. Aún así, los espectadores pueden sorprenderse al descubrir que la película de Saulnier tiene más éxito en sus momentos más tranquilos; esos tiempos inciertos cuando se traman los planes, se hacen confesiones y se toman alientos finales.

El recuento de cuerpos es alto en Cuarto verde, y Saulnier se complace en encontrar nuevas formas brutales / desgarradoras para adelgazar la manada. A pesar de la descarada riqueza de inmundicia y furia de la película, Cuarto verdeLa perspicacia audaz le permite desafiar su mente y mover su alma de formas que simplemente no puede prever, incluso si lo hace con la sutileza de unPortada de Dead Kennedy.

Roma

Es fácil olvidarlo ahora (ya que aparentemente lanzan una docena de películas nuevas cada semana), pero Netflix solo ha estado en el negocio de producir películas originales durante unos años. Comenzaron su viaje cinematográfico en 2015 con lo que esperaban que fuera un contendiente de la temporada de premios en su desgarrador y desgarrador drama de niño soldado Bestias de ninguna nación, y en los años siguientes, el gigante del streaming trabajó con algunos de los nombres más importantes de las películas; No es sorprendente que su presencia en la temporada de premios haya crecido exponencialmente. Netflix se abrió paso en 2018 con una película en idioma extranjero que ganó un asombroso10 nominaciones al Oscar, emergiendo como uno de los primeros candidatos para ganar la Mejor Película.

Ese avance se produjo cuando dieron luz verde a un proyecto de pasión intensamente personal del visionario cinematográfico Alfonso Cuarón, titulado simplemente Roma (después del barrio de la Ciudad de México en el que se crió). Cuarón no solo escribió, dirigió, produjo y filmó Roma (en glorioso blanco y negro), el estudio de un año de la película sobre una criada que cuida a una familia de clase media en medio de la década de 1970 políticamente turbulenta se extrae de los recuerdos del director de su juventud. Se desarrolla menos como una narración directa que como una vívida colección de momentos, cada uno visto a través de lentes fracturados de tiempo y memoria. A través de esa lente, Cuarón ofrece un viaje cinematográfico silencioso y profundamente emocional de una familia en transición no convencional; Este es un viaje que no olvidará pronto.

Historia de matrimonio

En los últimos años, Netflix se ha transformado de un gigante de transmisión con una inclinación por producir proyectos de pasión convincentes y de menor escala a una potencia de la industria legítima cuyo enfoque amigable con los artistas ha atraído talentos como los Coen Bros. (La balada de Buster Scruggs), Alfonso Cuaron (Roma) y Steven Soderbergh (High Flying Bird) en el pliegue. En el camino, también se han convertido en jugadores regulares de la temporada de premios que han visto sus películas llevarse a casa un brazo lleno de oro de Oscar en los últimos tiempos.

Solo para tu información: con la épica épica de gángsters de Martin Scorsese El irlandés En juego, Netflix puede llevarse a casa su primera estatua de Mejor Película este año. Pero el streamer también tiene un poco de un contendiente de caballos oscuros en el disfraz de la angustiosa relación de Noah Baumbach. Historia de matrimonio. Si nada más, puede estar seguro de que Historia de matrimonio Las estrellas Adam Driver y Scarlett Johansson estarán entre los favoritos para los premios al Mejor Actor y Actriz en la noche de los Oscar.

De hecho, lo último de Baumbach realmente lideró el paquete en términos de nominaciones en Globos de Oro de este año, con Driver y Johansson, ambos asintieron con la cabeza para sus actuaciones. Y sí, el dúo más que gana los elogios que han estado recibiendo desde Historia de matrimonio hizo su debut en Netflix. No vamos a perder mucho aliento tratando de convencerte de queHistoria de matrimonio Vale la pena, porque adoras lo que Noah Baumbach trae al cine o no.

La red social

Es fácil olvidarlo en la era de la intromisión electoral, el acoso en línea y los comentarios políticos implacables, pero las redes sociales solían ser divertidas. También solía ser una tecnología legítimamente útil que permitía a personas de todos los ámbitos de la vida conectarse (o reconectarse) a un mundo cada vez más aislacionista. Poco sabíamos cuando nos gustaba y compartíamos y nos hacíamos selfies a mediados de la década de 2000, pero el nacimiento de la cultura de los clics fue la base para todo tipo de dramas pequeños y grandes.

En el centro de la refriega estaba el gigante tecnológico Facebook, cuyo joven fundador Mark Zuckerberg eventualmente se convirtió en la cara de la moda de las redes sociales. Solo años después de que su tecnología cambiara la cara de la comunicación moderna (convirtiéndose en el multimillonario más joven de la historia), el propio Zuckerberg se convirtió en la cara de este estudio frenético y cinematográfico de la génesis de Facebook, La red social.

No es sorprendente que el camino de Zuckerberg para convertirse en un perro superior en tecnología no estuvo exento de confusión. Y si el guión afilado de Aaron Sorkin para La red sociales remotamente exacto, ese camino estaba bañado en la sangre de sus enemigos, y también de algunos de sus amigos. La historia de Zuckerberg aquí se presenta a través de la lente del gran David Fincher, quien ancló La red social a la actuación de masticación de escena de Jesse Eisenberg, e inesperadamente entregó una de sus mejores películas hasta la fecha. Si sabes algo sobre El currículum casi impecable de Fincher, sabes que hazaña es eso.

Ardiente

Si ha estado prestando atención al panorama cinematográfico internacional durante las últimas dos décadas, es probable que haya notado que Corea del Sur se ha convertido en un jugador importante en el mercado, con los cineastas entregando una ola de películas tan artísticamente ambiciosas como ellos. son profundamente inquietantes Probablemente hayas notado que el nombre de Chang-dong Lee figura como director en muchas de esas películas también, incluso si trabaja con mucha menos frecuencia que muchos de sus contemporáneos: pasaron ocho años completos entre el desgarrador drama de Alzheimer de Lee Poesía y 2018 Ardiente. Dado el historial casi perfecto del director, no sorprende que Ardiente valió la pena la espera.

Si aún no ha experimentado el último quemador lento a fuego lento de Lee, debe saber que está adaptado de una historia corta del icónico escriba japonés Haruki Murakami, y que sigue la historia de un joven sin dirección cuya existencia serpenteante se ve afectada por la reaparición de un mujer que conoció en su juventud. Esa vida se ve afectada aún más por la llegada de un joven empresario rico y enigmático (un Steven Yeun nunca mejor) con un ojo puesto en la mujer. Si estás pensando que la configuración hace Ardiente suena como un drama de triángulo amoroso común y corriente, tendrás que pensar de nuevo. A partir de esa configuración simple, Lee y su elenco hacen girar un pequeño thriller críptico y propulsor que se deleita en ambigüedades y dilemas morales, y uno que avanza muy lentamente hacia un final que paraliza el corazón que seguramente atormentará su memoria mucho después de que lleguen los créditos.

Temblores

Llámalo un retroceso campy. Llámalo una característica de criatura perfecta. O llámalo una oda amorosa al horror de la película B de los años 50. Honestamente, no nos importa lo que llames Temblores, siempre y cuando lo llames un clásico atemporal que debería exigirse para las generaciones futuras de cineastas. Ahora, si estás entre una de las cuatro o cinco personas que no estuvieron de acuerdo con esa última declaración, la buena noticia es que Temblores ahora está en Netflix. Si necesita un recordatorio no tan sutil de que es una adición casi perfecta al género de comedia de terror que fácilmente cuenta con el mismo tipo de espontaneidad salpicada, seria y tonta que lo mejor de Sam Raimi, ahora es el momento de asimilarlo y volver a visitarlo. esta obra maestra descaradamente descarada.

Y sí, sabemos que probablemente puedas pasar por cualquier multitud de canales de cable este fin de semana y ponerte al día con Val (Kevin Bacon) y Earl (Fred Ward) y la pandilla en su heroica batalla contra los 'Graboids' (deberías sentirte libre hacer eso, por cierto). Pero podemos confirmar sin lugar a dudas que Temblores es un poco más divertido de película B cuando se ve sin comerciales. Eso permite que el diseño de la criatura se experimente en todo su esplendor, permite que los saltos de miedo ejecutados inmaculadamente aterricen con el máximo efecto, y permite que las actuaciones melodramáticas de la película se fusionen sin problemas con su vertiginosa configuración de película B. Así que sí, te recomendamos volver a visitar Temblorestan pronto como sea posible.

Snowpiercer

Desde que entró en la escena cinematográfica internacional con el potente golpe uno-dos de la década de 2000 Los perros que ladran nunca muerden y 2003 Memorias de asesinato, El autor surcoreano Bong Joon-ho se ha convertido en uno de los cineastas más respetados que trabajan hoy. Eso es porque en los años posteriores, ha reunido una de las filmografías más aventureras que el cine haya visto. El director continuó sorprendiendo cuando, justo después de su jugueteo estilo kaiju El anfitrióny un drama criminal profundamente personal en Madre - adaptó una novela gráfica poco conocida para su seguimiento, que también marcó su debut en inglés.

Aunque muchos cineastas extranjeros tienen dificultades para adaptar su estilo a los mercados estadounidenses, Bong tomó el desafío con calma y entregó uno de los dulces de ciencia ficción más originales de la era moderna.Snowpiercerse desarrolla en un tren que pasa 17 años seguidos atravesando un paisaje desolado diezmado por un experimento fallido de cambio climático, e incluso entre la filmografía ecléctica de este director, es un viaje increíble.

Al igual que gran parte del trabajo de Bong, también tiene una carga política, con la ciencia del clima en juego fuera del tren y la guerra de clases en el interior. De la pelea que sigue, no diremos nada, porque no nos atreveríamos a estropear un minuto loco de esta película para aquellos que no la han visto. Solo sé que Snowpiercer es completamente loco en formas que no puedes entender. Y sé que eso es algo muy bueno.

¡Alabad al cesar!

Desde que irrumpió en la escena con el aturdidor neo-noir sin presupuesto de 1984 Sangre simple, Joel y Ethan Coen se han convertido en carteles de los forasteros de Hollywood que lo han hecho grande en el mundo del espectáculo, ganando un puñado de Oscar y oleadas de elogios críticos arrancar. También han aportado su ingenio singular y su audaz visión cinematográfica a todos los géneros bajo el sol. Muy a menudo, han agrupado varios géneros aparentemente dispares en la misma película, esencialmente evocando un género claramente de centro izquierda propio.

La asombrosa inclinación de los Coen por la gimnasia de género nunca se ha exhibido tanto como en su inmaculada brocheta de la Edad de Oro de Hollywood, ¡Alabad al cesar!Como la película está ambientada en gran medida alrededor de la década de 1950 y sigue a un 'arreglador' de estudio (Josh Brolin) que va más allá para mantener bajo control a múltiples estrellas, directores y producciones, ¡Alabad al cesar! está hecho a medida para tal gimnasia.

¡Alabad al cesar!Realmente encuentra a los Coen empacando representaciones literales de todos los géneros que pueden, desde el musical hasta el drama occidental y de época, en una narración oscuramente cómica y general sobre las ansiedades de la Guerra Fría en la América de mediados de siglo. Si bien ese enfoque de 'todo a la vez' ocasionalmente se va ¡Alabad al cesar! sintiéndose un poco desenfocado, todavía ofrece una amplia oportunidad para que los hermanos muestren su escritura afilada, su amor eterno por el dialecto específico del período y su gusto impecable en los actores (ver Brolin, Clooney, Swinton, Johansson, Tatum, McDormand , y más). Y sin embargo ¡Alabad al cesar! se ubica entre los esfuerzos más leves de los Coen, también sigue siendo uno de los más incomprendidos.

Fuego libre

Después de irrumpir en la escena con la enredadera maravillosamente retorcida de 2011 Lista de asesinatosBen Wheatley ha creado uno de los currículums más coloridos en el mundo del espectáculo. Siguió su ruptura con el revolcón romántico psicópata Turistas (2012), un enfriador psicodélico en Un campo en inglaterra (2013), y una sátira deslumbrante y socialmente consciente enAlta vida (2015).

Con una lista de películas tan salvajemente variada que mantiene a sus fanáticos desequilibrados, Wheatley siguió su Alto el éxito al cambiar una vez más las velocidades dramáticas con la farsa de crímenes de crack de 2016, llena de acción, Fuego libre Sin duda, su película de más alto perfil hasta la fecha, Wheatley sin duda se había ganado el derecho de pintar en un lienzo más grande en su publicación.Alto carrera, pero Fuego libre se hizo grande en formas completamente inesperadas.

Para aclarar esa última declaración, Wheatley no solo fue grande con Fuego libre, se volvió completamente loco, lanzando una impresionante lista de no tan buenos Listers (Brie Larson, Sharlto Copley, Armie Hammer, Jack Reynor y Cillian Murphy entre ellos), y arrojándolos a una víbora de una narrativa que encuentra una el negocio de las armas salió mal de maneras que realmente hay que ver para creer. Sepa que la totalidad de Fuego libreEl tiempo de ejecución de 90 minutos se desarrolla en los confines polvorientos de un almacén aislado, y encuentra un tiroteo de bolas a la pared que se desarrolla entre las partes enemistadas. Con cajas de artillería y municiones a mano, esa pelea se vuelve tan salvaje como parece, y se convierte en una de las confecciones cinematográficas más delirantes, brutales / divertidas de los últimos años.

La autopsia de Jane Doe

Los fanáticos del género están actualmente arraigados en una verdadera edad de oro del cine de terror. Tanto es así que parece que cada semana, una nueva y elegante confección de género está llegando a los cines para obtener críticas favorables y conquistar taquillas. Por supuesto, ese tipo de éxito ha llevado a una inevitable saturación de las películas de terror en el mercado teatral. Y eso significa que cada año hay un diamante de corazón negro o dos injustamente perdidos en bruto.

Una de las gemas más atrozmente ignoradas en los últimos tiempos tiene que ser el refrigerador pseudo-embrujado de 2016 de André Øvredal La autopsia de Jane Doe. Si reconoce el nombre de Øvredal, es probable que haya visto su obra maestra de metraje encontrado en 2010 Cazador de trolls. Si te preguntas por qué nunca has oído hablar de La autopsia de Jane Doe, bueno, la película no recibió prácticamente ninguna promoción de los distribuidores en el camino a su estreno en cines y fuetodo menos ignorado por audiencias en teatros.

Afortunadamente, la enredadera atmosférica de Øvredal ha obtenido un estatus clásico de culto legítimo a través de plataformas de transmisión. Entonces, si aún no has experimentado las delicias mórbidas dentro La autopsia de Jane Doe, no hay tiempo como el presente. No se preocupe, no nos atreveremos a estropear un solo momento monstruoso para usted. Solo sé que La autopsia de Jane Doe (en parte inquietante misterio procesal y en parte sangriento, festival de miedo macabro) se centra en gran medida en el horrible acto titular, que Øvredal hace un uso maravilloso de la sombría y única ubicación de la película, y que nada puede prepararte para el espeluznante misterio que se desarrolla en su interior.

Siniestro

El nombre de Scott Derrickson ha estado en las noticias últimamente, y no necesariamente por las mejores razones, ya que recientemente dejó vacante la silla del director. Doctor extraño y el multiverso de la locura debido a diferencias creativas con Marvel Entertainment. Su partida ha sido un poco como una espada de doble filo, ya que el icono de terror Sam Raimi ha intervenido sorprendentemente para dirigir el proyecto. Dejando a un lado esas buenas noticias, estábamos más que entusiasmados para ver lo que Derrickson tenía reservado para la secuela.

Afortunadamente, Derrickson ya tiene algunos proyectos intrigantes en proceso, por lo que no debería pasar mucho tiempo hasta que veamos un nuevo trabajo del cineasta. Hasta que algo se materialice, es el mejor momento para descubrir (o simplemente redescubrir) su trabajo más melancólico en el género. Pero si quieres ver a Derrickson en su mejor momento, no busques más que su delirantemente inquietante thriller de 2012Siniestro.

Si te perdisteSiniestro En los cines, la película sigue a un escriba del crimen verdadero (Ethan Hawke) que sorprendentemente traslada a su familia a una casa donde tuvo lugar un horrible asesinato mientras investigaba un nuevo libro. Después de encontrar una vieja caja de películas de Super 8 en el ático que representa actos verdaderamente horribles, bueno, digamos que la vida se vuelve realmente espeluznante para el hombre y su familia. Y por espeluznante, nos referimos a un estilo inquietante en formas que no podemos cuantificar realmente en palabras. Entonces, si eso suena como su taza de té, debe agregar Siniestro a su cola de inmediato.

Enemigos Públicos

Los términos 'subestimados' y 'pasados ​​por alto' se mencionan con bastante frecuencia en estos días en lo que respecta a las películas. Y si estamos siendo completamente honestos, diríamos que quizás un tercio de las películas que se etiquetan con esas etiquetas realmente son dignas de cualquiera. Sin embargo, podemos decirle sin lugar a dudas que la saga criminal de Michael Mann de 2009 Enemigos Públicos Es la definición misma de ambos.

Lo mismo podría decirse del propio Mann, por supuesto. Con casi cinco décadas registradas en la silla del director, y un puñado de obras maestras legítimas en su haber, el nombre de Michael Mann y su elegante obra cinematográfica deberían ser tan conocidos en el mundo como los de Spielberg o Scorsese. Desafortunadamente, Mann y su trabajo continúan al margen del mundo cinematográfico.

Ambientada en un Estados Unidos de los años 30 plagado de crímenes y fotografiada audazmente casi por completo en formatos digitales, Enemigos Públicos se encuentra fácilmente entre las obras más olvidadas de Mann. También es uno de sus asuntos más llenos de estrellas, con personajes como Christian Bale, Johnny Depp, Marion Cotillard, Jason Clarke, Carey Mulligan y Channing Tatum haciendo apariciones, entre otros.

La película encuentra a Depp retratando al infame ladrón de bancos John Dillinger, y enfrenta a Bale contra él como Melvin Purvis, el incondicional G-man encargado de llevar al nefasto ladrón ante la justicia. A partir de esa configuración simplista, Mann hace lo típico de Mann, girando Enemigos Públicosnarrativa de '' hechos basados ​​en hechos reales '' en una historia tremendamente humanista de policías y ladrones con estilo y energía para quemar. Ya es hora de que el mundo reconozca el hecho.

E.T. el extraterrestre

Cuando se trata de legados cinematográficos, pocos son tan famosos como el de Steven Spielberg, también conocido como el prodigio cinematográfico que esencialmente inventó el éxito de taquilla con su fuga de 1975 Mandíbulas. En los años posteriores, Spielberg ha conjurado una de las carreras más impresionantes detrás de la cámara en la historia de Hollywood, ofreciendo una serie constante de imágenes de prestigio galardonadas y creadores de dinero por igual.

Mientras que la maravilla de ciencia ficción familiar de Spielberg E.T. el extraterrestre (y es casi $ 700 millones en taquilla en 1982) parecería encajar perfectamente entre sus entradas de carpa, la mayoría estaría de acuerdo en que encaja con la misma facilidad entre sus obras de prestigio. Una vez que miras más allá de la brillante premisa de 'chico se encuentra con extraterrestre' de E.T., es claro ver que están sucediendo muchas cosas bajo la superficie, con temas de amor, muerte y fe, con familias fracturadas y la alienación aislante de los suburbios presentes. También está la cuestión de la subversión inteligente de la película de tropos de invasión alienígena, en la que uno podría encontrar fácilmente un desempaque de la paranoia de la Guerra Fría.

Pero incluso en medio de todo ese pesado subtexto, E.T. nunca es menos que una historia tierna y vívida de un niño con problemas (Henry Thomas) cuya vida cambia para siempre cuando se encuentra con un visitante amigable de otro planeta que desesperadamente quiere 'llamar a casa'. Resulta que también está a punto de reventar con imágenes asombrosas, música icónica y una genuina sensación de asombro tan palpable hoy como lo fue hace casi 40 años.

El silencio de los corderos

Aunque una serie reciente de lanzamientos reverenciados por la crítica ha reformado dramáticamente la conversación que rodea las películas de terror, el género en general sigue siendo visto como leve y vulgar por los cineastas snob de todo el mundo. Por supuesto, muchos de esos mismos snobs se apresuran a saludar al ganador de la Mejor Película de Jonathan Demme en 1991 El silencio de los corderos como una obra maestra, incluso cuando algunos se niegan a reconocerlo como una obra maestra sin igual del género de terror.

Y no se equivoquen, esta es una película de terror en su esencia. Suponemos que al menos has oído hablar de El silencio de los corderos, porque su legado cinematográfico es prácticamente impecable. Si estás entre los que aún no han entrado en su narrativa sofocante, la película sigue a un F.B.I. cadete (Jodie Foster) que se ve atrapada inesperadamente en una búsqueda de un asesino sádico. Para encontrar a su asesino, recurre a Hannibal Lecter (Anthony Hopkins en una actuación inolvidable), un brillante psicólogo encarcelado por matar y comer a sus propios pacientes.

A medida que la acción se desarrolla en El silencio de los corderos, también lo hacen los horrores, con Demme creando un pequeño y emocionante thriller de crimen lleno de más gore, sustos y hombres boogey que tu película de slasher promedio, haciéndolo con la gracia y la vitalidad de un maestro cinematográfico de buena fe.